CRITIQUE : Shakespeare In Love, Théâtre Noël Coward ✭✭✭✭✭

La Compagnie de Shakespeare In Love. (C) Johan Persson Shakespeare In Love

Noél Coward Theatre

8 juillet 2014

✭✭✭✭✭

Il n'y a pas si longtemps, un metteur en scène de théâtre astucieux se lamentait du fait que les pièces modernes sont trop "dans l'instant" et ne seront pas, comme celles de Shaw, Ibsen, Euripide, Shakespeare, Webster, Inge, Williams, Albee, Tchekhov, Marlowe, Wilde et Coward (il en a cité d'autres, mais vous voyez l'idée), revivifiées encore et encore dans un siècle. Aucun écrivain de la fin du XXe siècle n'a atteint le niveau, disait-il.

Du moins à un égard, il doit se tromper. L'œuvre de Tom Stoppard survivra sûrement bien après sa mort et la nôtre.

En partie, la preuve de cela se trouve sur scène au Noël Coward Theatre dans le West End, où la production de Shakespeare In Love par Declan Donnellan, écrite par Stoppard avec Marc Norman et adaptée pour la scène par Lee Hall, est maintenant en avant-première.

Il est difficile de se rappeler, au moins au cours des sept dernières années, d'une production commerciale d'une nouvelle pièce qui s'est ouverte directement dans le West End et qui est aussi drôle, dramatique, captivante et éducative (non pas sur l'histoire, mais sur l'essence du théâtre). À l'exception de Chariots of Fire, aucune adaptation scénique d'un film réussi (hormis les comédies musicales) n'a approché le succès ici atteint.

Nous avons assisté à sa sixième représentation publique. Il ouvre le 27 juillet. Ainsi, il est encore à ses débuts. Mais, même ainsi, il est dans une forme impressionnante, remarquable et doit être un succès international assuré (Disney le soutient).

Apparemment, la pièce est une farce délirante avec une histoire d'amour passionnée en son cœur, et une réussite totale. Elle est vraiment hilarante par moments, mais il y a des moments de beauté tendre et désespoir brut. Elle est jouée avec clarté et finesse; incroyablement divertissante.

Mais la pièce est bien plus que cela. Elle est une introduction à et une exploration du langage, de la structure et des personnages immortalisés par Shakespeare. Et en cela, elle est profondément astucieuse, intellectuellement satisfaisante, parfois perspicace ou questionnante et toujours rafraîchissante et séduisante.

En forme, elle ressemble un peu à une fusion de la Nuit des rois avec Le Marchand de Venise, Henri V et, bien sûr, Roméo et Juliette. En chemin, il y a des citations ou références claires à la plupart, sinon à toutes, des pièces de Shakespeare et à son plus célèbre Sonnet. Et certains des personnages ici sont des ombres claires de personnages célèbres des pièces : Le Lord Chambellan est un Malvolio à peine déguisé, même au point d'être emprisonné; Sam a un air de Thisbé; Wessex respire Andrew Aguecheek mais avec un peu de cervelle; Burbage veut sa livre de chair à la Shylock mais réussit aussi un moment halien d'impact majeur; la Nourrice de Viola évoque la nourrice de Juliette; Ned Alleyn personnifie Mercutio avec plus qu'une touche d'Hotspur; le Marinier canalise l'esprit du Portier et du Fossoyeur. Tout est astucieux et évocateur.

Pour l'essentiel, Stoppard et Norman reprennent ce discours de Deux gentilshommes de Vérone et l'utilisent comme colonne vertébrale captivante des gambades théâtrales amoureuses qui suivent :

Quelle lumière est lumière, si Sylvia n'est pas vue ?

Quelle joie est joie, si Sylvia n'est pas présente ?

À moins que je ne pense qu'elle est là

Et me nourrir de l'ombre de la perfection

Sauf si je suis avec Sylvia la nuit,

Il n'y a pas de musique dans le rossignol;

À moins que je ne regarde Sylvia le jour,

Il n'y a pas de jour pour moi à regarder;

Elle est mon essence, et je cesserai d'être,

Si je ne suis pas par son bel influence

Foster'd, illumined, cherished, kept alive.

Je ne fuis pas la mort, pour fuir son arrêt fatal :

Si je tarde ici, je ne fais qu'attendre la mort :

Mais, si je fuis d'ici, je fuis la vie.

Si voir cette production ne fait rien de plus qu'exposer le public à ce passage glorieux, ce serait suffisant. Mais, heureusement, elle déborde de cadeaux.

Le jeu d'acteur est superbe.

Lucy Briggs-Owen est exceptionnellement bonne en Viola de Lesseps, obsédée par le théâtre et Shakespeare, la fille d'un riche marchand vendue en mariage à l'horrible Wessex. Viola désespère tellement du théâtre qu'elle se déguise en homme et auditionne pour la première de la nouvelle pièce de Shakespeare, qui se révèle finalement être Roméo et Juliette. Briggs-Owen maîtrise la scène sans effort et elle est tout aussi efficace en tant que le maladroit et timide Tom Kent qu'elle l'est en tant que la pétillante, rêveuse Viola – mais elle brille d'un éclat particulier lorsqu'elle joue Viola jouant la Juliette originale dans la scène clé du balcon et la scène de double suicide de la fin de la pièce.

Si cela ne fait pas de Briggs-Owen une star, il n'y a pas de justice. Elle est infiniment meilleure que Gwyneth Paltrow dans le film. Elle est lumineuse en tous points. Sa maîtrise du langage est particulièrement merveilleuse; d'abord, lorsqu'elle délivre le discours "Si Sylvia n'est pas vue" pour la reine Elizabeth 1 (une prestation formidable, contrôlée et hautement qualifiée d'Anna Carteret); ensuite, lorsqu'elle s'avère être la première du casting à comprendre comment délivrer les mots de Shakespeare avec beauté et soin; enfin, lorsqu'elle campe une Juliette tendre, nuancée et complètement, follement, amoureuse lors de la première de la pièce pour la reine.

C'est une prestation magnifique, de classe mondiale, pleine de beauté, de douceur, de passion brute et de compétence captivante.

Elle est aidée en cela, de manière non négligeable, par la prestation exaltante de Tom Bateman en Shakespeare. Il est à son meilleur en jouant Roméo, mais ses scènes tout au long avec Briggs-Owen sont vibrantes, sexy et tout simplement merveilleuses. Il est masculin et artistique, ambitieux et rêveur, arrogant et incertain – c'est une performance nuancée et profondément réfléchie d'une compétence captivante. Il personnifie le sexe et la poésie de Shakespeare.

Son charme beau, viril, byronien assure que la célèbre scène du balcon dans Roméo et Juliette est joyeusement et solidement romantique – et elle fournit le point culminant émotionnel de la soirée, une expression volcanique de joie de vivre romantique. Il n'a aucune difficulté à être le poète hésitant de maintenant, bientôt imparable, et l'amant agile et de grand appétit des femmes.

Mais, également, sa relation avec Marlowe (David Oakes, absolument formidable, en tant que rival gay couronné de succès qui l'aime tant) est fabuleuse et le moment Cyrano lorsqu'ils composent une version de "Shall I Compare Thee To A Summer’s Day" est parfait. Ce sont deux hommes du théâtre qui s'aiment et s'inspirent mutuellement – et Bateman est remarquable pour exprimer le chagrin de Shakespeare lorsque Marlowe est tué, tout comme il est remarquable quand il réalise ce que son mention décontractée de sa femme abandonnée fait à l'innocent cœur de Violet.

Ensemble, Bateman et Briggs-Owen sont un régal somptueux – et vous croyez chaque instant de leur voyage ensemble, depuis la scène langoureusement détendue d'après l'acte amoureux (très impressionnant depuis le Circle) jusqu'à la réconciliation poignante après la révélation du chagrin d'une femme et puis la séparation dévastatrice et finale.

L'ensemble est excellent. En tant que Sam, le jeune garçon qui joue habituellement les rôles féminins dans les pièces de Shakespeare, Harry Jardine est un pur délice, bien que son jeu "sans voix" dans la deuxième moitié ait besoin d'être tempéré. Paul Chahidi est complètement à l'aise, délicieusement mordant, en tant que Henslowe mielleux et Alistair Petrie est le modèle parfait du grand bouffon Tudor. Doug Rao brille en Ned Alleyn, l'acteur narcissique qui crée le rôle de Mercutio et Ferdy Roberts est merveilleux en Fennyman, un investisseur qui finit par aimer le théâtre et joue hilarant l'Apothicaire au chapeau bleu. David Ganly est bourru et ours-like comme le Burbage irascible et déterminé, mais brille dans son discours de ralliement lorsqu'il offre son propre théâtre pour la première de Roméo et Juliette.

L'une des grandes réussites ici est que le sens de la compagnie d'acteurs, de ce lien rare et spécial qui découle de la répétition d'une pièce et du partage d'une scène, est magnifiquement retransmis. La camaraderie, la joie de se produire, l'attrait éblouissant des feux de la rampe – tout est magnifiquement affiché et véritablement sincère.

Et les combats à l'épée sont exemplaires (Chapeau bas, Terry King), palpitants de manière assez inattendue.

Le décor de Nick Ormerod est merveilleusement bien conçu, une sorte de fusion des espaces rendus si familiers au Globe et aux nouveaux théâtres Sam Wanamaker. Sols en bois et balcons mouvants en bois suggèrent facilement l'intimité des espaces théâtraux de l'époque et fournissent des mécanismes simples pour déplacer l'action de la scène aux coulisses puis ailleurs. L'éclairage de Neil Austin est terriblement efficace, surtout dans les scènes les plus romantiques et poignantes. L'utilisation de candélabres est inspirée.

Il y a beaucoup de musique de Paddy Cunneen qui est convenablement pétillante ou poignante selon les exigences de l'occasion – mais le contre-ténor principal est désespérément faux et extrêmement fort et cela affecte négativement l'impact de la musique et son plaisir global. La chorégraphie de Jane Gibson est simple et gracieuse, tout à fait de la période.

Donnellan dirige avec style et les nombreuses scènes se déroulent fluidement et sans confusion, mais avec une emphase appropriée et inspirée sur les hauts et les bas des personnages centraux.

C'est une production exubérante et totalement captivante d'une œuvre d'écriture magistrale.

Mais…

Le théâtre était plein de gens qui consultaient leurs appareils mobiles tout au long de la soirée, souvent aux moments empreints de tension. Quatre téléphones distincts ont été extraits alors que Roméo se suicidait; non pas pour prendre des photos de l'action, mais pour envoyer des SMS ou consulter la bourse(!) ou vérifier les réseaux sociaux (pas Facebook ou Instagram…)

Quand sera-t-il une défense à une accusation de meurtre de dire que le défunt utilisait un téléphone mobile au cours d'une performance théâtrale en direct ? Quand les ouvreurs patrouilleront-ils correctement les allées et expulseront ceux qui utilisent leurs téléphones au théâtre pendant la représentation ?

Encore mieux, quand les gens qui veulent utiliser leur téléphone pendant une performance théâtrale live resteront-ils chez eux et le feront-ils dans leur salon ?

N'oubliez pas les avocats; tuez d'abord tous les utilisateurs de téléphones mobiles dans les théâtres ! (Avec des excuses à Dick de Henry VI Part 2)

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