CRITIQUE : Second Soprano, King's Head ✭✭✭✭✭

Photo : Richard Davenport Deuxième Soprano

Théâtre King's Head, Islington

19 juin 2015

Dans cette saison théâtrale où la commémoration et le souvenir du déclenchement de la Première Guerre mondiale sont très présents, nombreuses sont les aventures dramatiques les plus réussies qui sont à petite échelle. D'une certaine manière, ce duo exceptionnel, écrit par Martha Shrimpton et Ellie Routledge, et interprété par Shrimpton et Olivia Hirst, est le miroir de Stony Broke in No Man’s Land, que j'ai récemment critiqué ici. Les deux sont des démonstrations virtuoses de l'art de l'acteur, utilisant de multiples genres, créant des rôles variés, et mélangeant humeur et manière, musique et paroles pour créer un mélange ineffable et unique d'humour et de pathos. Par conséquent, l'acte de commémoration devient plus complexe et finalement, je dirais, plus émouvant, qu'une simple approche narrative ou historique directe. En tant qu'historien pendant les heures de jour, vous pourriez être surpris de m'entendre dire cela, et il est souvent vrai que la vérité est plus étrange que toute forme de fiction rêvée. Cependant, par la perturbation, la subversion et le réordonnancement des faits, l'art peut parfois creuser plus profondément pour atteindre une vérité émotionnelle plus profonde sur le passé et c'est l'accomplissement artistique de ce duo dynamique qui se tient aux côtés de leur technicité pure.

Une grande partie de l'action alterne entre le front intérieur, ici représenté par une cuisine du Yorkshire, et le front occidental lui-même. Nous commençons en 1914, et les sœurs Jane (Hirst) et Liz (Shrimpton) contemplent ce qu'elles peuvent faire pour contribuer à l'effort de guerre. Jane décide de s'engager en tant qu'infirmière et Liz reste sur place et aide à gérer le bureau de poste local. Jane laisse derrière elle un amoureux, Henry, également joué par Hirst, qui continue d'essayer de lui écrire tout en développant une intimité maladroite avec Liz. L'action se déplace ensuite vers le front occidental où Jane apprend rapidement les possibilités et les limites choquantes de ce que le soin infirmier peut réaliser. Nous avons aussi des scènes dans les tranchées où Henry, désormais engagé, et un de ses amis, se retrouvent sous le feu; et par une série d'accidents, une broche talisman trouve son chemin de retour vers Jane. L'histoire est librement inspirée des expériences réelles de la grand-mère de Shrimpton. Tous les épisodes de l'histoire sont ponctués de chansons, certaines fraîchement composées par les écrivains, d'autres tirées des genres musicaux de variétés et de cabaret de l'époque, certains solos et certains duos, certains accompagnés à l'accordéon et d'autres à un piano asthmatique. Il y a un mouvement dynamique continu faisant pleinement usage des ressources de la scène, et une grande liberté improvisatrice, qui parvient même à intégrer avec succès des moments d'humour aléatoire et inattendu provoqués par un plancher grinçant !

Alors qu'est-ce qui distingue ce spectacle comme spécial ? Avant tout peut-être la variété de ton à la commande des interprètes, à la fois verbale et visuelle. Ils peuvent passer en un rien de temps d'une moquerie post-moderne acerbe et fragile qui semble sortie tout droit de Fawlty Towers ou Oh, What a lovely war!, à la peur et au ressentiment des soldats sous le feu, à la mélancolie et à l'empathie chaleureuse dans la station de soins, et à une comédie ironique aux dépens des uns et des autres. Le fait que la pièce ne évolue pas toujours dans l'ordre prévisible du naturalisme vous fait penser plus attentivement au sujet et à sa signification. Le fait qu'il puisse être traité de différentes manières et humeurs simultanément sert à montrer la complexité des événements et les différents points de vue simultanément valides. Il y a aussi un sens visuel impressionnant à l'œuvre ici. Dans les scènes d'hôpital, par exemple, Hirst tient et marche aux côtés de chemises vides pour accompagner et aider les soldats blessés vers des palettes imaginaires : c'est juste un des nombreux gestes d'économie poignante à l'œuvre dans cette pièce qui saisissent et distillent des moments que un drame traditionnel s'attarderait sur avec moins d'effet (par exemple presque toute une série de Downton Abbey !) Bien que nous ne recevions pas toujours tous les faits complets, nous recevons toutes les émotions de cœur et de nombreux angles différents aussi. C'est un travail très sensoriel : il y a plusieurs moments brillamment évocateurs où les deux joueurs s'engagent dans des improvisations sonores devant un micro qui sont progressivement amplifiées et répétées en tant qu'enregistrements.. progressivement, vous êtes entraîné dans l'atmosphère de l'un de ces jours d'été anglais éternels perdus qui étaient censés faire partie de cet été 1914 ; ou nous sommes plongés dans les bruits de tirs d'obus et de guerre des tranchées juste après environ une minute de vocalisation. La technique et l'intention émotionnelle travaillent ensemble très efficacement ici.

La pièce ne dure qu'une heure, mais vous avez l'impression à la fin d'avoir suivi les acteurs et les écrivains dans un voyage psychologique plus long que ce que cela suggérerait. Les deux interprètes sont aussi efficaces pour jouer les personnages masculins que féminins, et pour les distinguer. Jane semble dévouée, princière et noble, mais pas rigide ou prude ; Liz, en revanche, est plus mondaine, sensuelle et émotionnellement fragile que sa sœur. Le pauvre Henry souffre longtemps, n'est pas très brillant, mais devient néanmoins un symbole de Tommy le long-souffrant qui endure. Shrimpton inclut également une excellente apparition en tant qu'infirmière-chef au visage dur, qui cache son incapacité croissante à faire face derrière une efficacité maniaque - un type trop familier en temps de guerre. La musique fonctionne comme un commentaire direct, comme une sous-couche discrète, comme du matériel documentaire contemporain et comme satire. C'est symptomatique d'une tendance de plus en plus répandue dans le théâtre contemporain à brouiller les frontières entre les pièces et les comédies musicales. Ce développement est d'un grand potentiel bénéfice pour les deux, permettant aux ressources émotionnelles et à l'audience des mots et de la musique de se chevaucher et de se laver les unes sur les autres de manière très créative, comme des vagues de dimensions différentes sur la même plage.

Cette pièce a connu un grand succès au Arts Theatre avant de passer au King's Head, et elle mérite d'être vue à nouveau dans un lieu plus grand, peut-être au festival d'Édimbourg. Cependant, en attendant, n'hésitez pas à la voir pendant cette représentation actuelle. Nous entendrons sûrement plus parler de ces acteurs polyvalents et très inventifs et de leur véhicule mémorable.

Deuxième Soprano est à l'affiche au Théâtre King's Head jusqu'au 4 juillet 2015