CRITIQUE : Raisin In The Sun, Théâtre Ethel Barrymore ✭✭✭✭

Raisin In The Sun

Théâtre Ethel Barrymore

8 avril 2014

4 Étoiles

Il est souvent le cas que les gens quittent les productions théâtrales à l'entracte. Il peut y avoir de nombreuses raisons à cela. Ce soir, plus de vingt personnes ont quitté le revival de Raisin In The Sun actuellement joué au Théâtre Ethel Barrymore à Broadway. Tous ceux qui sont partis étaient blancs et avaient plus de 40 ans. Certains d'entre eux ont dit des choses comme «Je n'ai pas besoin de voir ça sur scène» et «Quel tas de ****». Quatre personnes étaient d'accord avec le sentiment «Retour en Floride où ce **** n'arrive pas».

Franchement.

C'est 2014.

Raisin In The Sun de Lorraine Hansberry a été produit pour la première fois à Broadway en 1964. Elle était la première femme afro-américaine à remporter le New York Drama Critics Circle Award. Sa pièce était un accomplissement monumental.

Elle l'est toujours.

Il existe très peu de pièces qui traitent de la vie des Afro-Américains aux États-Unis. Celle-ci est extraordinaire de toutes les manières: dialogue intelligent et perspicace; des personnages qui débordent de passion et indignation, stupidité et forte fibre morale; une intrigue qui ne va jamais tout à fait là où l'on pourrait le penser; et, plus que tout, une véritable représentation de la lutte entre assimilation, subjugation et reconnaissance de l'ascendance.

D'un autre côté, il y a très peu de pièces qui offrent de si merveilleux personnages féminins, des femmes qui se trouvent être noires. Mais cette pièce en a trois et chacune d'entre elles est un diamant.

Cette production est dirigée par Kenny Leon, l'homme qui a dirigé la pièce la dernière fois qu'elle était à Broadway. Mais cette production est très différente de la dernière.

La pièce concerne la famille Younger : grand-mère, fils et fille, épouse du fils et leur fils, et autres. L'action se déroule dans un petit appartement à Chicago, après la mort du patriarche. Comment son argent d'assurance sera-t-il dépensé? Qui décidera? Les femmes de la famille ou l'homme, le fils du défunt. Que signifie la décision pour toute la famille? Que se passe-t-il lorsque l'on suit son rêve mais qu'il devient cauchemar? Comment concilier amour et incompréhension?

La pièce traite de grands thèmes, mais dans un cadre petit et intime. Mais la famille représente une microsome des familles afro-américaines partout en Amérique. Suivent-elles le modèle matriarcal ou adoptent-elles un modèle patriarcal en sympathie avec les blancs? Comment échappent-elles à une servitude efficace? Quelle est la différence, s'il y en a une, entre s'intégrer et se tenir debout pour soi-même?

Très simplement, c'est une pièce étonnante et il est difficile de croire qu'elle a été écrite il y a 50 ans. Elle semble pertinente, fraîche et alarmante par sa pertinence.

Tout dans cette production rayonne de style. Le décor, signé Mark Thompson, est délicieusement usé et dans la période. L'utilisation d'une scène mobile, qui pousse vers l'avenir et revient dans le passé, est inspirée. Les costumes d'Ann Roth évoquent également une époque révolue.

Leon dirige avec verve et clarté. Chaque once de l'humour est tirée des personnages et de la situation mais pas de manière condescendante. C'est organique, née des réactions et des actions d'une famille réelle et aimante.

Les trois femmes extraordinaires fournissent les points d'un triangle fortement imaginé. Quelle que soit l'hypoténuse, les côtés sont amour et devoir. Sombre et délicat tour à tour, le triangle résonne comme si c'était un élément clé d'un orchestre.

Latanya Richardson Jackson est superbe en tant que Lena, la matriarche grand-mère. Austère, ravie et délicieuse, elle est la magnificence incarnée ; une force de la nature, un parent chaleureux et aimant et une protectrice féroce. De plus, elle peut raconter une blague et faire une observation amusante. C'est difficile de ne pas vouloir qu'elle soit votre propre grand-mère. C'est une performance d'une énorme puissance et subtilité.

Tout aussi impressionnante, voire peut-être plus, est Sophie Okonedo dans le rôle de Ruth, l'épouse du fils de Lena. Dès les premiers moments de la pièce, lorsqu'elle est seule sur scène avec ses pensées, pincée, tirée et fatiguée de ses fardeaux, cette Ruth est une démonstration de pragmatisme et sensibilité. Okonedo est étonnamment bonne de toutes les manières. Je lui donnerais un Tony Award maintenant.

Anika Noni Rose est charmante dans le rôle de Beneatha, la fille de Lena, la future médecin, qui est jolie et courtisée - un homme veut qu'elle accepte l'assimilation avec les blancs et un autre, lui rappelle la vérité de son ascendance et veut raviver en elle un sens de ses origines. Ce conflit est magnifiquement capturé par Rose. La scène où elle s'habille en femme nigériane et danse de manière native est vraiment merveilleuse - mais étrangement inquiétante en même temps. Ça ne devrait pas être possible de voir dans l'histoire d'une personne aussi facilement - ou devrait-ce ? C'est juste délicieux.

En tant que l'homme qui bat et circule entre chacune des trois femmes de son foyer, Denzel Washington est stupéfiant. Il y a une qualité lugubre dans sa performance qui transcende son statut de star ; c'est une performance sans fard, une attaque courageuse sur ce qu'est une star. Tour à tour vil, violent, vicieux et dépourvu, Washington est mercurial de manière dysfonctionnelle. Son Walter Lee est le perdant par excellence, l'ultime fiasco - mais il est aussi réel, poussé par un besoin de démontrer sa masculinité. En faisant ressortir l'enfant intérieur, Washington rend habilement Walter Lee totalement compréhensible, absolument impardonnable mais étrangement sympathique. Il est à couper le souffle.

En tant que raciste particulièrement ignoble, bien que enveloppé dans une façade sucrée et douce d'hospitalité, David Cromer est vibrant et horriblement aigu. Ses scènes avec la famille alors qu'il essaie de les convaincre de ne pas déménager à Clybourne Park où Lena a acheté une maison parce que les blancs là-bas ont travaillé dur pour avoir la communauté qu'ils veulent sont à vous glacer le sang. Cromer cloue le rôle avec deux scènes formidables. Je lui donnerais un Tony maintenant aussi.

Sean Patrick Thomas incarne Joseph, l'idéaliste, qui veut que Beneatha voyage avec lui au Nigeria et y travaille comme médecin, un homme joyeux et compréhensible. Son rival, George joué par Jason Dirden, est tout aussi efficace : le garçon de collège avec des chaussures blanches et un costume, celui qui veut désespérément s'intégrer dans l'Amérique blanche moderne. Les deux acteurs donnent vie à des personnages exceptionnels avec vérité et réalisme.

Chaud et inconfortable à tour de rôle, la pièce de Hansberry pousse à considérer directement la condition des Nègres américains et à les contempler comme des égaux, des gens qui vivent, rêvent, réussissent et échouent tout comme tout le monde.

C'était une pièce importante en 1964 et compte tenu de la réponse de certains ce soir, elle est toujours aussi importante qu'elle l'a toujours été. Elle suggère que l'égalité et l'honnêteté sont les outils du véritable humain - et ceux qui peuvent ou veulent discuter de cette proposition, eh bien, ils ne valent pas la peine d'être pensés.

Une distribution talentueuse fait vibrer et frémir une pièce incroyablement importante avec joie, horreur et la brutalité de la vie quotidienne. C'est sensationnel.