CRITIQUE : Raisin In The Sun, Théâtre Ethel Barrymore ✭✭✭✭

Raisin In The Sun

Théâtre Ethel Barrymore

8 avril 2014

4 Étoiles

Il arrive souvent que des spectateurs quittent une production théâtrale à l'entracte. Il peut y avoir de nombreuses raisons pour cela. Ce soir, plus de vingt personnes ont quitté la reprise de Raisin In The Sun, actuellement jouée au théâtre Ethel Barrymore à Broadway. Tous ceux qui sont partis étaient blancs et avaient plus de 40 ans. Certains d'entre eux ont dit des choses comme « Je n'ai pas besoin de voir ça sur scène » et « Quelle pile de **** ». Quatre personnes étaient d'accord avec le sentiment « Retour en Floride où cette **** n'arrive pas ».

Honnêtement.

C'est 2014.

Raisin In The Sun de Lorraine Hansberry a été produite pour la première fois à Broadway en 1964. Elle fut la première femme afro-américaine à remporter le New York Drama Critics Circle Award. Sa pièce était une réalisation monumentale.

Elle l'est toujours.

Il y a très peu de pièces qui traitent de la vie des Afro-Américains aux États-Unis. Celle-ci est incroyable à tous points de vue : dialogues ingénieux et perspicaces ; des personnages qui vibrent de feu et d'indignation, de stupidité et d'un sens moral fort ; un scénario qui ne va jamais tout à fait là où l'on pense qu'il ira ; et, plus que tout, une véritable représentation de la lutte entre assimilation, subjugation et reconnaissance de l'ancestralité.

D'un autre point de vue, il y a très peu de pièces qui offrent de si merveilleux personnages féminins, des femmes qui se trouvent être noires. Mais cette pièce en a trois et chacune d'elles est un diamant.

Cette production est dirigée par Kenny Leon, l'homme qui a dirigé cette pièce pour la dernière fois à Broadway. Mais il s'agit d'une production très différente de la dernière.

La pièce concerne la famille Younger : Grand-mère, fils et fille, femme du fils et fils et d'autres. L'action se déroule dans un petit appartement à Chicago, après la mort du patriarche. Comment son assurance-vie sera-t-elle dépensée ? Qui décidera ? Les femmes de la famille ou l'homme, le fils du défunt. Que signifie la décision pour toute la famille ? Que se passe-t-il lorsque vous suivez votre rêve, mais qu'il devient un cauchemar ? Comment réconcilier l'amour avec l'incompréhension ?

La pièce traite de grands thèmes, mais dans un cadre petit et intime. La famille représente un microcosme des familles noires partout en Amérique. Suivent-ils le modèle de la Matriarche ou adoptent-ils un modèle Patriarche en sympathie avec les Blancs ? Comment échappent-ils à l'asservissement effectif ? Quelle est la différence, s'il y en a une, entre s'intégrer et se défendre ?

Simplement, c'est une pièce incroyable et il est difficile de croire qu'elle a été écrite il y a 50 ans. Elle semble pertinente, fraîche et terriblement actuelle.

Tout dans cette production dégage du style. Le décor de Mark Thompson est délicieusement usé et d'époque. L'utilisation d'une scène mobile, qui avance vers l'avenir et recule vers le passé, est inspirée. Les costumes d'Ann Roth évoquent également une époque révolue.

Leon dirige avec verve et clarté. Chaque once d'humour est extraite des personnages et de la situation, mais pas de manière condescendante. C'est organique, né des réactions et actions d'une vraie famille aimante.

Les trois femmes extraordinaires fournissent les points d'un triangle intensément imaginé. Quoi que soit l'hypoténuse, les côtés sont l'amour et le devoir. Sombre et léger tour à tour, le triangle résonne comme s'il était un composant clé dans un orchestre.

Latanya Richardson Jackson est superbe en Lena, la matriarche grand-mère. Sombre, ravie et délicieuse, elle est la magnificence incarnée ; une force de la nature, un parent chaleureux et aimant et une féroce protectrice. De plus, elle peut faire une blague et faire une observation drôle. Il est difficile de ne pas vouloir qu'elle soit votre propre grand-mère. C'est une performance d'une puissance énorme et de subtilité.

Tout aussi impressionnante, voire plus encore, est Sophie Okonedo dans le rôle de Ruth, la femme du fils de Lena. Dès les premiers instants de la pièce, lorsqu'elle est seule sur scène avec ses pensées, pincée, tirée et fatiguée de ses fardeaux, cette Ruth est un essai sur le pragmatisme et la sensibilité. Okonedo est incroyablement bonne en tout point. Je lui donnerais un Tony Award dès maintenant.

Anika Noni Rose est délicieuse en Beneatha, la fille de Lena, la future docteure, qui est séduisante et courtisée - un homme qui veut qu'elle accepte l'assimilation avec les Blancs et un autre, qui lui rappelle la vérité de son ascendance et veut raviver en elle un sens de ses origines. Ce conflit est magnifiquement capturé par Rose. La scène où elle s'habille en femme nigériane et danse à la manière autochtone est vraiment merveilleuse - mais étrangement troublante en même temps. Ne devrait-il pas être possible de voir dans l'histoire d'une personne aussi facilement - ou bien le devrait-il ? C'est tout simplement délicieux.

Dans le rôle de l'homme qui vacille et jongle entre chacune des trois femmes de sa maison, Denzel Washington étonne. Il y a une qualité lugubre dans sa performance qui transcende son statut de star ; c'est une performance complète sans fard, une attaque courageuse contre ce qu'est une star. Tour à tour ignoble, violent, vicieux et dépourvu, Washington est mercurial de manière dysfonctionnelle. Son Walter Lee est le perdant par excellence, l'échec ultime - mais il est également réel, poussé par le besoin de démontrer sa masculinité. En faisant ressortir l'enfant intérieur, Washington parvient habilement à rendre Walter Lee complètement compréhensible, totalement impardonnable mais étrangement sympathique en tant qu'homme imparfait. Il est incroyablement bon.

Dans le rôle du raciste particulièrement ignoble, enveloppé d'une façade sucrée et douce d'hospitalité, David Cromer est vibrant et terriblement horrifique. Ses scènes avec la famille, alors qu'il tente de les convaincre de ne pas déménager à Clybourne Park où Lena a acheté une maison parce que les Blancs là-bas ont travaillé dur pour avoir une communauté qu'ils désirent, donnent la chair de poule. Cromer excelle dans ce rôle en deux scènes formidables. Je lui donnerais aussi un Tony.

Sean Patrick Thomas rend Joseph, l'idéaliste qui veut que Beneatha voyage avec lui au Nigéria et y travaille comme médecin, joyeux et compréhensible. Son rival, George de Jason Dirden, est tout aussi efficace : le garçon de collège avec des chaussures blanches et un costume, celui qui désespérément veut s'intégrer à l'Amérique blanche moderne. Les deux acteurs insufflent vie à des personnages exceptionnels avec vérité et réalisme.

Chaud et inconfortable tour à tour, la pièce de Hansberry force à considérer directement la destinée des Noirs américains et à les contempler comme des égaux, des personnes qui vivent, rêvent, réussissent et échouent comme tout le monde.

Elle était une pièce importante en 1964 et, à en juger par la réaction de certains ce soir, elle est toujours aussi importante. Elle suggère que l'égalité et l'honnêteté sont les outils du véritable humain - et ceux qui peuvent ou veulent discuter cette proposition, eh bien, ils ne valent pas la peine d'être pris en compte.

Une distribution douée rend une pièce extrêmement importante vibrante et frémissante de joie, d'horreur et de la brutalité de la vie quotidienne. C'est formidable.