CRITIQUE : Ragtime, Théâtre Charing Cross ✭✭✭✭✭

Ragtime

Charing Cross Theatre

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Si 'Titanic' était un splendide début au West End pour la nouvelle combinaison de production, Capital Musicals Limited (directeurs, Danielle Tarento, Steven M. Levy, Sean Sweeney et Vaughan Williams), alors c'est une déclaration extrêmement confiante qu'ils deviennent rapidement l'égal de n'importe quel des principaux producteurs du West End. Visuellement et musicalement, c'est l'un des plus grands spectacles en ville. La brillante production de Thom Southerland remplit la scène avec une vingtaine des meilleurs acteurs-musiciens du pays, tous sous la direction géniale sur scène de la star montante MD, Jordan Li-Smith, créant un balayage symphonique de sons avec des couleurs allant de Tam-Tam au glockenspiel dans les orchestrations merveilleusement variées et évocatrices de Mark Aspinall (Aspinall supervise également). Deux pianos droits sur chariots valsent autour de la scène - comme les galeries surélevées à gauche et à droite qui se balancent vers le centre de la scène, manipulées par le casting - et sur l'un d'eux se tient Li-Smith, dirigeant depuis le clavier, sans une note de musique imprimée en vue pour quiconque : et avec plus de deux heures de musique à jouer, ces musiciens ont appris toutes leurs parties par cœur. C'est un exploit phénoménal.

Le design de Tom Rogers et Toots Butcher unifie les trois volets du récit dans le New York du début du siècle dernier, en facilitant autant que possible pour Southerland le passage entre trois groupes principaux de la société américaine avec un minimum de tracas et souvent à une vitesse incroyable. L'éclairage de Howard Hudson rassemble le tout, avec de nombreux éclairages croisés soulignant la profondeur de la perspective. Et le son de Andrew Johnson a la fureur mahlerienne ainsi que la délicatesse d'une boîte à musique. Les costumes sont signés par un habitué de Tarento, Jonathan Lipman, qui produit élégance et chic pour New Rochelle, et plus de rudesse et de détresse pour le Harlem noir et les immigrants d'Europe de l'Est. La chorégraphie minutieusement détaillée est réalisée par le doué Ewan Jones, qui déplace une distribution souvent relativement importante pour cet espace réduit avec une maîtrise aisée et pleine d'humour.

En termes d'histoire, c'est également l'œuvre la plus percutante que nous ayons vue. En fait, cette production puissamment sombre est déjà demandée à Broadway. Et ce n'est pas une surprise. Les grandes forces - et faiblesses - de l'Amérique sont mises à nu ici, dans le superbe script de Terrence McNally basé sur le roman homonyme de E. L. Doctorow, et largement musicalisé par Lynn Ahrens & Stephen Flaherty à leur apogée. La fin du premier acte, par exemple, est l'une des choses les plus troublantes que j'ai vécues dans le théâtre musical. Le groupe d'Américains à côté de qui j'étais assis dans le public a trouvé cela accablant, et ses nombreuses résonances contemporaines étonnamment pertinentes. Le spectacle a été vu à Londres plusieurs fois récemment, et il est clair que c'est une œuvre qui mérite d'être revisitée et réinterprétée. Je reviendrai certainement voir cette version à nouveau.

La distribution : Simon Anthony (un Willie Conklin mémorable) ; Bernadette Isatu Bangura (un début convaincant comme Brigit) ; Anthony Cable (digne et sage comme Grandfather et J.P. Morgan) ; Earl Carpenter (exsudant le raffinement du West End comme Father) ; Anita Louise Combe (une voix splendidement émouvante comme Mother, portant le cœur émotionnel du spectacle dans 'We Can Never Go Back To Before') ; Valerie Cutko (comme toujours, totalement convaincante comme Emma Goldman) ; Christopher Dickins (apportant le charme de l'idole de matinée à Harry Houdini - et utilisant les bretelles croisées de son accordéon comme partie de son déguisement) ; Nolan Frederick (déterminé et noble comme Booker T. Washington) ; Tom Giles (vivace comme Henry Ford) ; Joanna Hickman (étonnamment touchante et 'authentique' comme la fille-sur-la-balancelle, Evelyn Nesbitt) ; Lemuel Knights (toujours utile dans l'ensemble) ; Martin Ludenbach (idem) ; James Mack (sérieux de façon convaincante comme Harry K. Thaw) ; Sufia Manya (ensemble) ; Ako Mitchell (charismatique et tragique comme Coalhouse Walker Jr.) ; Seyi Omooba (éloquente comme l'amie de Sarah) ; Kate Robson Stuart (vive et énergique comme Kathleen) ; Jess Ryan (ensemble) ; Jennifer Saayeng (maîtrisée et crédible comme la tragique Sarah) ; Jonathan Stewart (mercuriel comme le Younger Brother) ; Gary Tushaw (faisant beaucoup de l'économiquement écrit Tateh) ; Alana Hinge (totalement à l'aise sur scène comme Little Girl) ; Samuel Peterson (tout aussi confiant comme Little Boy) ; Ethan Quinn (comme immédiatement ci-dessus) ; Riya Vyas (de même).

Le véritable miracle de cette pièce est sûrement la direction phénoménalement assurée et claire de Southerland. Son ascension en tant que génie du théâtre ne montre aucun signe de ralentissement, et tous les signes qu'elle s'accélère. Vous feriez aussi bien de profiter de son travail maintenant, car l'appel de Broadway ne tardera pas à venir (toujours en supposant qu'il ne résonne pas à ses oreilles depuis un certain temps). Pour lui, cette saison au Charing Cross Theatre - 'Titanic', 'Ragtime', 'Death Takes A Holiday' - représente un passage à l'âge adulte : des années de travail dans la mise en scène de comédies musicales portent leurs fruits avec une série de productions d'une attention spectaculaire aux détails, de vérité, d'immédiateté et de beauté. Le run de 'Titanic' a été prolongé ; je dirais qu'il est fort probable que quelque chose de similaire se produise avec 'Ragtime' ; et, ensuite ?... Un grand artiste comme lui ne va pas attendre de voir ce qui se passe. Il sera en train de frayer son chemin à travers le merveilleux répertoire de théâtre musical, réalisant des merveilles.

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