CRITIQUE : Pinocchio, Théâtre National ✭✭✭

Pinocchio

Théâtre National,

13 décembre 2017

3 étoiles

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Le Théâtre National mérite notre admiration et notre encouragement pour sa recherche infatigable, chaque saison de Noël, d'une nouvelle façon de nous divertir au-delà du régime conventionnel des pantomimes, ballets et de la marche incessante de l'industrie Dickens. Parmi les délices offerts ici au cours des dernières années, il y a eu de véritables découvertes, des merveilles comme « Nation » et « Peter Pan ». Certes, il y a eu aussi des expériences nobles qui n'ont pas toujours donné des résultats à 100 % (comme dirait Ofsted), et il reste à voir si cette offre actuelle sera classée dans la première ou la seconde catégorie.

Ce que nous avons vu lors de la soirée de presse hier soir semble suggérer la seconde. Cependant, commençons par les points positifs. Il y a une incursion dans un superbe décor de scène, par Bob Crowley ; cependant, même lui semble avoir épuisé le budget, certaines parties semblant être étirées au maximum, et une utilisation répétée d'une poignée d'escabeaux est faite (rappelant les productions de certains autres metteurs en scène). Plus de détails à ce sujet dans un instant. L'éclairage, de Paule Constable, est intellectuel plutôt que tape-à-l'œil : au début, par exemple, nous pourrions bien être en territoire d'Ibsen, et à son plus sombre. Le metteur en scène, John Tiffany, sera toujours rappelé pour sa réalisation formidable de productions superbes, comme « Once » et « Harry Potter et l'Enfant Maudit ». Ici, il semble sur un terrain moins sûr, et la cause principale réside peut-être dans le script.

Dennis Kelly est désigné comme le ‘auteur dramatique’ de cette œuvre, mais ce n'est qu'une partie de l'histoire. Il a l'intéressante tâche – et c'est un défi – d'utiliser la partition musicale originale écrite pour l'animation Disney des années 1930. L'adaptateur musical, superviseur et orchestrateur, Martin Lowe, a considérablement enrichi le matériau disponible, puisant aussi dans une sélection de matériel inédit jusqu'à présent et s'inspirant généreusement du répertoire de chansons folkloriques italiennes et alpines, pour créer un monde sonore complexe qui habite simultanément plusieurs mondes différents.

La musique a une influence si puissante sur tout cela qu'elle pose au spectacle un problème presque insoluble : comment donner un sens à un patchwork aussi divers de genres et de styles ? Le metteur en scène et le scénographe font ce qu'ils peuvent, tandis que le directeur de mouvement, Steven Hoggett, tente vaillamment de trouver un langage physique approprié pour unifier les éléments disparates. Crowley fait aussi un usage fréquent (mais inégal) de la marionnette, de divers types : quatre des personnages secondaires – Geppetto, le fabricant de poupées (un Mark Hadfield râpeux); la Fée Bleue (une douce mais assez froide Annette McLaughlin); Stromboli, le propriétaire du théâtre de marionnettes (Gershwyn Eustache Jnr, offrant une caricature grotesque et stéréotypée, bien plus Papa Lazaroo qu'on ne peut tolérer pour ce critique sensible), et le Cocher, qui emmène les enfants désobéissants à l'Île des plaisirs pour être choyés et transformés en ânes (David Kirkbride) – reçoivent ce traitement.

Kirkbride offre une performance bien nuancée et modulée, mais peu de cela transparaît à travers le rictus figé peint sur la tête géante qu'il est contraint de porter au-dessus de lui pendant presque toute sa performance, un peu comme un Christ dans un Jeu de la Passion à Oberammergau devant parcourir l'ensemble du processus en tenant sa croix à bout de bras. Les jouets façon carnaval deviennent une distraction agaçante et pesante, même s'ils ont bien pu consommer la part du lion des fonds alloués pour la conception. Oh, et chacun doit être transporté par sa propre ‘équipe dédiée’ de manipulateurs et opérateurs, faisant ressembler la scène à l'une de ces compétitions de Passiontide qui animent les rues de certaines villes italiennes particulièrement dévotes - principalement dans l'extrême Sud du pays. Mais aident-elles à raconter l'histoire ?

De même, il y a des personnages qui échappent à ce fardeau. Le renard rusé – dans un autre exemple d'entretien d'un stéréotype servile – est David Langham, qui se promène avec un gros manteau ample, avec une queue duveteuse peu probable qui dépasse de temps en temps de sous ses plis. Contrairement à la plupart des autres personnages, qui parlent comme si leurs personnalités avaient été passées au crible de plusieurs passoires Hayes Code, il ressemble à un comique alternatif de la fin du 20e siècle. D'un autre côté, le Jiminy Cricket urbain et élégant, seul de tous les personnages, semble venir de ce millénaire (et si vous envisagez d'assister à cette présentation avec des enfants, ils trouveront probablement ce personnage le plus séduisant). Il est transformé en un animal de compagnie de la taille d'un chat, traîné sur place par deux membres de l'ensemble vêtus de yokels, dont l'un, Audrey Brisson, doit le faire parler depuis sous un foulard de tête traditionnel paysan. Pourquoi ?

Audrey Brisson (Jiminy Cricket), James Charlton (Manipulateur de Jiminy Cricket) et Joe Idris-Roberts dans le rôle de Pinocchio dans Pinocchio

Qui diable sait. Les acteurs de taille humaine, avec une Lampy (Lampwick) féminine étant Dawn Sievewright, sont parmi les moins éclairés, invitée à ré-assumer son personnage de fille écossaise coriace d'un certain autre divertissement musical récent (ayant dit cela, si quelqu'un réalise une comédie musicale autour du 'Million Dollar Babe' – et si cela n'est pas déjà arrivé, alors ce n'est qu'une question de temps – elle va obtenir le rôle principal : son crochet droit doit être vu pour être cru). Le tout aussi unidimensionnel Waxy est Jack North, et le reste de la bande est complété par Trieve Blackwood-Cambridge, Anabel Kutay, Clemmie Sveaas et le superbe Jack Wolfe (gâché dans l'inconséquence). Mon hypothèse est, et ce n'est qu'une hypothèse, que Tiffany a eu tant de maux de tête en essayant de résoudre les cauchemars techniques de la production qu'il a simplement manqué de temps pour détailler le reste de la production comme il le faut vraiment.

On peut dire la même chose pour la chorégraphie. Bien qu'ayant une partition dominée par certains des airs Disney les plus connus jamais écrits – et se les procurer est un véritable coup de maître pour cette maison, Hoggett semble totalement déconcerté sur ce qu'il peut faire avec son casting lorsqu'ils jouent. Un bon exemple en est le 'nouveau' numéro ‘Fun and Fancy Free’, un quick-step frappant, qui est mis en scène à plusieurs kilomètres de cette forme de danse facilement identifiable : pour les spectateurs de théâtre qui ont eu leurs ailes culturelles clouées au sol et ont été nourris de force avec ‘Strictly’ depuis, comment le Seigneur sait, de nombreuses années, c'est un mouvement assez radical. J'imagine que, pour beaucoup, la tentation de tweeter cette hérésie à Len se révélera trop forte pour résister.

Quant au son… Eh bien, le concepteur Simon Baker est un très bon maître de son métier. Cela ne peut être qu'une confluence de malchances qui a produit l'effet final de ses amplifications sonnant pour tout le monde comme si elles émanaient d'un placard situé dans un bâtiment voisin, plutôt que de la scène directement devant nous. Oh, oui, et qu'en est-il de cette étrange fente dans l'avant-scène ? Il m'a fallu – et je vais assez souvent au théâtre – bien dans la seconde moitié du spectacle pour comprendre qu'elle sert de fosse, dans laquelle ont été versés les talents de pas moins de quinze musiciens excellents. Maintenant, le Lyttleton n'est pas le Royal Festival Hall, un espace qui peut facilement être rempli par précisément ce nombre de musiciens et sans l'assistance de l'amplification. Alors, pourquoi est-elle nécessaire ici ? C'est un orchestre de chambre conventionnel : bois unique, cuivres, percussions et cordes, avec un clavier ajouté. Les acoustiques dans cet espace sont-elles si atroces qu'elles nécessitent un renfort avec des micros ? Peut-être qu'elles le sont. Tom Brady fait un bon travail avec la partition intéressante compilée, avec son va-et-vient entre des styles non liés. Ce serait bien d'entendre son travail correctement, cependant. Et plus impliquant. La projection sonore plate, en forme de boîte, disponible ici, malheureusement, souvent comme pas, compresse ses détails soigneusement nuancés en un gâchis boueux.

L'élément auquel j'ai le moins prêté attention jusqu'à présent est le plus grand chiffre de tous : le leader. Joe Idris-Roberts est un acteur très accompli (je l'ai vu récemment au Bunker, et il était très impressionnant également). Il a certainement une belle physionomie, qui – comme Aladdin – il parvient à mettre en valeur pour une bonne partie de la première moitié. Il a une voix agréable, mais – comme la plupart des membres de la compagnie ici – il ne semble pas avoir été choisi pour sa capacité à bien chanter le répertoire des chansons populaires américaines des années 1930. En se basant sur ce que nous voyons ici, il peut ‘bouger’, mais il n'est pas vraiment demandé de ‘danser’, même si, comme je l'ai observé ci-dessus, la musique semble constamment essayer de pousser les personnages à faire exactement cela. Ses mouvements, comme ceux autour de lui, sont plutôt plus athlétiques qu'expressifs ou interprétatifs. Cela mis à part, il semble y avoir un problème beaucoup plus grand, et plus difficile à résoudre, ici à lutter avec.

Si vous demandez à quelqu'un, juste à quelqu'un, de ‘dessiner’ une image de ce que Disney ‘signifie’, pour eux et pour le monde, ils ignoreraient probablement tout ce dont j'ai discuté jusqu'à présent. Ils pourraient, cependant, essayer de dessiner une chose, ou de crier leur déception de se sentir mal équipé pour la dessiner : un visage. Ce pourrait être le visage de Mickey, de Donald, de Dingo, ou de l'un des autres personnages bien connus de la franchise. Et l'élément le plus important dans le visage serait les yeux. Disney, ayant montré au monde la perfection de poupée de porcelaine de Blanche-Neige dans son premier dessin animé long-métrage, a compris qu'il ne pouvait pas répéter ce tour : il avait besoin de personnages auxquels le public pourrait s'attacher dans les gros plans impitoyables des salles d'exposition. Et donc il a doté sa vision de la pièce de bois faite poupée faite chair des yeux les plus expressifs qu'il pouvait trouver : ceux de Vivien Leigh. Allez revoir le film, et vous verrez ses sourcils partout. Et c'est avec cette expressivité que nous, en tant que public, nous connectons. Qui se soucie du spectacle ? Seuls les techniciens. Donnez-nous les histoires humaines de désirs et de passions personnels, de vulnérabilités et de forces, de vertus et de vices, et nous aimerons les héros qui nous emmènent dans leurs voyages pour les explorer. Ce n'est pas la faute d'Idris-Roberts si cette propriété ne lui donne pas – tout à fait – l'opportunité et la profondeur dont il a besoin pour nous rapprocher de son cœur.

Alors, qu'est-ce qui se cache derrière tout cela ? Honnêtement, si le National n'avait pas eu un tel succès artistique et commercial avec ‘War Horse’ (et personne ne serait le moins du monde surpris d'apprendre que c'était le domaine ancien de nombreux dans cette compagnie), alors je me demande si nous aurions vu par la suite une telle prolifération d'autres spectacles utilisant une technologie similaire ? Juste une réflexion.

En l'état, ce n'est pas terminé tant que ce n'est pas terminé, et l'équipe de production peut bien apporter de nombreuses améliorations radicales à cette entreprise. Ne l'oublions pas, même la grande réussite de la branche marionnettiste du théâtre, l'histoire d'un cheval fait de bâtons, a failli échouer : la légende veut que ce n'est qu'un genre de miracle magique qui l'a levé de l'échec et franchi cette frontière invisible mais si importante qui définit le succès : si décisive, et si insaisissable. Plein de points pour le National pour avoir tenté le coup avec cet essai ; il peut encore réussir à fonctionner aussi bien que le spectacle le souhaite clairement. Mais plus de travail il nécessitera avant que cela ne se produise.

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Photos : Manuel Harlan