CRITIQUE : Picasso, Théâtre Playground ✭✭

La distribution de Picasso. Photo : Scott Rylander Picasso

The Playground Theatre,

7 novembre 2017

2 étoiles

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L'ouverture d'un nouveau théâtre est toujours à célébrer, et nous accueillons tous avec plaisir l'arrivée dans la zone traumatisée d'inferno de Latimer Road de ce nouveau développement magnifique, une transformation d'un ancien garage de bus, aménagé avec style et élégance avec un café ouvert toute la journée qui sert aussi de bar.  Un public glamour et rempli de stars s'est assemblé pour accueillir le début des représentations dans cet espace, avec une pièce entièrement nouvelle sur l'un des plus grands artistes de tous les temps - et, en l'occurrence, un de mes préférés personnels, Pablo Picasso.

Klara Zieglerova a imaginé un cercle sombre de terre meuble, ou est-ce du sable, pour que les acteurs puissent y déambuler et s'y rouler : un vrai terrain de jeu.  Davy Cunningham l'éclaire avec simplicité, et il y a des projections vidéo de Matthew Ferguson qui nous montrent le casting dans des clips de film, ou d'autres séquences et images.  Le reste de l'action est représenté dans cet espace de sable 'en rond' par le co-directeur artistique du théâtre, Peter Tate, dans le rôle principal, et Adele Oni, Claire Bowman et Alejandra Costa comme trois de ses nombreuses dames.  À l'écran, nous avons aussi Milena Vukotiv, Margot Sikabonyi et Sandra Collodel comme trois autres.

Le script, de Terry D'Alfonso, était peut-être terminé au moment de sa mort, mais peut-être pas.  Je soupçonne plutôt le contraire, car le travail a tout le ressenti d'un croquis élaboré sans posséder la vie ou l'énergie du théâtre véritable.  Le texte que nous avons ressemble plus à une idée de pièce qu'à la chair et aux os du drame lui-même.  Peut-être influencé par cela, la direction méticuleuse et plutôt statique de Michael Hunt semble attirer davantage l'attention sur cet aspect du travail : les personnages sont placés en position pour livrer souvent des discours longs et répétitifs sur des sujets plus ou moins abstraits, ce qui pourrait être une tentative d'évoquer l'un des multiples styles adoptés par l'artiste.

Avant tout, c'est la performance principale de Peter Tate, un exercice étudié dans la monotonie, qui est le plus déroutant et épuisant.  Il modifie à peine son mode de discours pendant les maigres 70 minutes du travail, faisant de ce court laps de temps une éternité.  Cela, je suis sûr, est un mouvement tout à fait délibéré et conscient : il est bien trop bon acteur pour avoir trébuché accidentellement sur une telle approche.  Néanmoins, l'effet de cela est de broyer le public en soumission, comme un torero pourrait le faire avec un taureau dans l'arène (l'une des plusieurs images évidentes et sur-utilisées du script).

Contre son approche monolithique de la caractérisation, les plaintes intermittentes et les doléances de ses acolytes chanteurs, les femmes creuses et sans couleur, qui apparemment n'ont rien de mieux à faire de leur vie que de les gaspiller sur un égo-maniac sans valeur, sont un chœur douloureux de désapprobation. Pourquoi diable l'une d'elles a vu quelque chose dans l'autre reste, jusqu'à la fin amère, totalement mystérieux.

Si vous pensez que cela pourrait être votre genre, alors allez-y.  Cependant, vous pourriez vouloir y réfléchir à deux fois.

Jusqu'au 5 novembre

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