CRITIQUE : Picasso, Théâtre Playground ✭✭

La distribution de Picasso. Photo : Scott Rylander Picasso

The Playground Theatre,

7 novembre 2017

2 Étoiles

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L'ouverture d'un nouveau théâtre est toujours à célébrer, et nous accueillons tous l'arrivée dans le quartier de Latimer Road, traumatisé par l'incendie, de cette belle nouvelle réalisation, une transformation d'un ancien garage de bus, aménagée avec élégance et style avec un café qui fait également office de bar.  Un public glamour et rempli de stars s'est rassemblé pour accueillir le début des représentations dans cet espace, avec une toute nouvelle pièce sur l'un des plus grands artistes de tous les temps - et, en fait, un favori personnel, Pablo Picasso.

Klara Zieglerova a créé un cercle terreux d'humeur, ou est-ce du sable, sur lequel les acteurs déambulent et roulent : un véritable terrain de jeu.  Davy Cunningham l'éclaire avec simplicité, et il y a des projections vidéo de Matthew Ferguson qui nous montrent la distribution dans des extraits de films, ou d'autres séquences et images.  Le reste de l'action est représenté dans l'espace sablé 'en ronde' par le co-directeur artistique du théâtre, Peter Tate, dans le rôle-titre, et Adele Oni, Claire Bowman et Alejandra Costa comme trois de ses nombreuses dames.  À l'écran, nous avons aussi Milena Vukotiv, Margot Sikabonyi et Sandra Collodel comme trois autres.

Le script, de Terry D'Alfonso, était peut-être fini au moment de sa mort, mais peut-être pas.  Je soupçonne plutôt le contraire, car le travail a tout le ressenti d'une ébauche élaborée sans posséder aucune de la vie ou de l'énergie du théâtre véritable.  Le texte que nous avons ressemble plus à une idée de pièce, plutôt qu'à la chair et aux os du drame lui-même.  Peut-être influencé par cela, la direction soignée et plutôt statique de Michael Hunt semble attirer davantage l'attention sur cet aspect du travail : les personnages sont placés en position pour souvent livrer de longs discours répétitifs sur des sujets plus ou moins abstraits, qui peuvent ou non être une tentative d'évoquer l'un des nombreux styles adoptés par l'artiste.

Surtout, c'est la performance principale de Peter Tate, un exercice étudié dans la monotonie, qui est la plus déroutante et fatigante.  Il modifie à peine sa manière de parler pendant les maigres 70 minutes de l'œuvre, rendant cette courte durée semblable à une éternité.  Je suis tout à fait sûr que c'est une démarche entièrement délibérée et consciente : il est beaucoup trop bon acteur pour avoir accidentellement trébuché sur une telle approche.  Néanmoins, l'effet en est d'épuiser le public jusqu'à sa soumission, un peu comme un toréador pourrait le faire avec un taureau dans l'arène (l'une des plusieurs images évidentes et trop utilisées du script).

Contre son approche monolithique de la caractérisation, les plaintes intermittentes et les geignements de ses acolytes roucoulants, les femmes superficielles et sans couleur qui apparement n'ont rien de mieux à faire de leur vie que de la gaspiller sur un égo-maniaque sans valeur, sont un chœur douloureux de désapprobation. Pourquoi diable chacune d'elles voyait-elle quelque chose en l'autre reste, jusqu'à la fin amère, totalement mystérieux.

Si vous pensez que cela pourrait être votre genre de chose, alors allez-y.  Cependant, vous pourriez vouloir réfléchir à deux fois.

Jusqu'au 5 novembre

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