CRITIQUE : Our House, Union Theatre ✭✭✭

Notre Maison

Union Theatre

21/08/15

3 Étoiles

Notre Maison est une comédie musicale jukebox qui a été jouée pour la première fois au Cambridge Theatre il y a plus de dix ans. Elle a remporté le prix Olivier de la meilleure nouvelle comédie musicale en 2002, mais n'a pas été rejouée depuis. Tim Firth a écrit le livre et toute la musique provient du catalogue du groupe de ska anglais Madness. Cette reprise est le travail du metteur en scène Michael Burgen et du producteur Sasha Regan. Il y a deux actes et 22 numéros musicaux divisés équitablement entre eux.

En essence, c'est un conte moral d'un « Everyman ». Joe Casey (Steven France) grandit à Casey Street, Camden NW1 dans une maison (la « notre maison » du titre) et une propriété initialement construite par son grand-père. Mais les choses se sont dégradées depuis. Son père (Dominic Brewer) est mort après une carrière de criminel basée sur une série de mauvais choix progressifs; il a donc été élevé par sa mère célibataire qui en a assez, Kath (Sally Samad). Il est une figure populaire à l'école, mais au cours d'une effraction mineure motivée par le désir d'impressionner sa petite amie Sarah (Ailsa Davidson), Joe doit faire un choix crucial.. se rendre à la police qui s'approche de lui, ou s'enfuir.?

La comédie musicale explore les deux choix simultanément et nous demande de réfléchir à quel aurait été le meilleur choix. Le Joe qui s'enfuit échappe à la loi, et après une petite carrière dans la criminalité, il se lance dans le développement immobilier et connaît un grand succès matériel, et avec une philanthropie et un altruisme calculés, il réussit même à reconquérir Sarah. Il est la coqueluche et l'envie de ses amis et de la communauté locale jusqu'à ce qu'il soit impliqué avec l'homme même dont il avait initialement cambriolé l'appartement. Au cours d'un dernier gros coup, il risque de saper tout dans un acte fondamental de trahison. Est-ce une histoire de réussite, ou a-t-il vendu son âme dès le départ?

L'autre Joe prend pour son grade pour le cambriolage mais non seulement il reçoit plus que ce à quoi il s'attendait sous la forme d'une peine de prison, mais il découvre également qu'il n'y a pas de moyen de payer sa dette à la société. Chaque pas qu'il essaie de franchir par la suite est jalonné par ce faux pas initial. Il est confronté aux préjugés et au rejet et sombre plus loin dans un crime non intentionnel. La vertu n'est en fait aucune sorte de récompense, surtout face au mépris et à l'éloignement progressif de tous ses amis, y compris - apparemment - Sarah. Les deux histoires fusionnent assez habilement à la fin et la communauté est préservée.

Autour et au sein de ces histoires parallèles errent une série de commentateurs choriques – le père de Joe l'avertissant silencieusement de ne pas répéter sa propre histoire, et deux paires d'amis Emmo & Lewis (Joseph Giacone & Joe Ashman), à la fois idiots à la Rosencrantz et Guildenstern, et Billie & Angie (Claire Learie & Chanice Alexander-Burnett) qui papillonnent opportunistiquement entre l'admiration obséquieuse et le dédain selon où vont les fortunes de Joe. Les méchants prennent la forme de Mr Pressman (Rhys Owen), le promoteur immobilier véreux, et du petit malfrat Reecey (Jay Osborne); la distribution est complétée par sept danseurs de l'ensemble qui vieillissent avec les personnages principaux au fur et à mesure que l'histoire progresse.

Il y a beaucoup de choses très attrayantes dans le scénario et les valeurs de production qui l'accompagnent; mais, pour moi, cela n'arrive pas à convaincre. Le récit moral comparatif est bien coupé mais ne parvient pas à se développer en complexité au-delà d'un certain point, en partie parce que la musique manque de variété de thème émotionnel et de ton pour introduire des nuances supplémentaires. Elle est également doublement datée dans le sens où, bien que la musique soit un produit des années 1970 et 80 et dans sa forme originale assez criante, cynique et ironique, le cadre et l'histoire ressemblent beaucoup à une critique romantique des années Thatcher. Cela semble maintenant un peu simpliste vu de notre propre époque d'austérité. Le produit final, par conséquent, ne fusionne pas tout à fait en reprise malgré quelques belles performances, des numéros mémorables, des musiciens de premier ordre et, surtout – une chorégraphie superbement dynamique, variée et énergique.

Une partie du problème vient de l'espace lui-même. C'est essentiellement une comédie musicale de taille West End poussant les limites d'un petit théâtre Off West End. Dire cela n'est pas une critique du théâtre, qui, comme l'a fréquemment noté Stephen Collins, a présenté certains travaux d'une rare qualité ces dernières années; mais cela reste un ajustement maladroit. Les danseurs n'ont pas assez de place pour vraiment se lâcher, le groupe est maladroitement encastré avec des lignes de vue difficiles, et certains des changements complexes dans la structure d'éclairage élaborée ont laissé sections du public éblouies de trop près. Vous n'avez pas besoin du London Palladium pour ce spectacle mais il s'épanouirait tellement mieux - par exemple - dans le rond à Donmar.

Parmi les performances, plusieurs se démarquent. Steven France montre une grande endurance physique et mentale dans le rôle central et essaie de le rendre aussi sympathique que possible. Ailsa Davidson tire le meilleur parti des opportunités plus limitées qu'elle a pour développer son personnage, surtout dans les moments de réflexion plus calmes de la seconde moitié. Dominic Brewer vous plonge dans la tristesse mélancolique des regards en arrière du père et je donnerais une mention spéciale à Rhys Owen pour une série d'excellents caméos bien définis. Le chant et la danse d'ensemble étaient d'un haut niveau tout au long avec une diction claire et un mouvement continuellement inventif, et pas seulement dans les numéros énergiques. Par exemple, j'ai particulièrement été séduit par la mise en scène spirituelle de 'Driving in my car', un numéro sans importance rendu vivant avec une grande économie de geste. Le directeur musical Richard Baker garde les choses bien en mouvement dans ce qui est un long spectacle.

Bien qu'il s'agisse d'une reprise méritée d'un spectacle intrigant, le matériel de base reste insatisfaisant à certains égards, et l'échelle du spectacle ne convient pas très bien à l'emplacement. Si cela semble mesquin, cela n'est qu'en raison du fait que dans le théâtre musical – comme dans l'opéra – pour que l'ensemble réussisse au mieux, la liste des parties qui doivent être en bon état est longue et exigeante. Si un engrenage ou un élément parmi les écrivains, artistes ou équipe créative grince, cela peut entraîner le reste de manière disproportionnée par rapport à l'effet d'ancrage de traîne dans le théâtre classique. La plupart des spectacles ne dépassent pas ce seuil élevé mais quand ils le font, il n'y a rien dans le théâtre qui puisse les égaler. Cela dit, Notre Maison offre certainement une nuit agréable avec une prouesse technique à voir qui mérite de grands éloges. Notre Maison est à l'affiche à l'Union Theatre jusqu'au 12 septembre 2015