CRITIQUE : Our Country's Good, Théâtre National ✭✭✭

La Bonne Âme de notre Pays

Théâtre Olivier, National.

26 août 2015

3 étoiles

Réservez vos billets à partir de 15 £

« Les indications scéniques de La Bonne Âme de notre Pays ne font aucune référence à la musique jusqu'à la fin. 'Et avec la musique triomphante de la Cinquième Symphonie de Beethoven... commence la première représentation australienne de The Recruiting Officer.' La seule allusion de l'un des personnages est celle d'un officier sarcastique qui propose de construire un Opéra pour satisfaire l'idéalisme du gouverneur de la colonie. Et pourtant, dans la reprise du National Theatre du hymne de Timberlake Wertenbaker au pouvoir du théâtre, des chansons ont été convoquées des coulisses.

La fourniture de musique vient de Cerys Matthews, qui fait ses débuts théâtraux... (qui) bien que ravie d'avoir été sollicitée, était nerveuse d'interférer. 'Je ne voulais pas interférer avec la pièce', explique-t-elle, 'Je ne voulais pas que la musique attire trop d'attention ou ralentisse le récit.'

C'est ce que rapporte Jasper Rees dans un essai du programme de la reprise de La Bonne Âme de notre Pays par Nadia Fall, actuellement à l'affiche au Théâtre Olivier du National. Bien qu'on puisse adorer la musique, il est malheureusement vrai que la musique de Matthews, jolie par moments, envoûtante à d'autres, et hors de propos à d'autres encore, interfère avec la pièce de Wertenbaker ; elle attire trop d'attention ; et ralentit définitivement le récit.

En effet, l'utilisation de la partition de Matthews par Fall brise presque l'enchantement des mots de Wertenbaker, surtout dans le premier Acte. Le deuxième Acte s'en sort un peu mieux, mais les dégâts sont faits, et les véritables sommets de l'étreinte magique que les mots peuvent invoquer ne sont jamais atteints.

C'est une merveilleuse pièce, une ode au pouvoir rédempteur du théâtre. Basée sur le roman de Thomas Keneally, The Playmaker, Wertenbaker a façonné une exploration très théâtrale et résonnante de l'humanité, de l'injustice, de l'isolement et du changement provoqué par les liens et les compréhensions inattendus causés par les répétitions et les représentations théâtrales. Tout repose sur les mots.

Mots qui se trouvent dans The Recruiting Officer de Farquhar, que les condamnés de la nouvelle colonie pénitentiaire de Sydney répètent. Mots qui évoquent le sens de la justice sommaire prônée par les militaires. Mots qui parlent d'amour, de perte ou de désespoir. Mots qui n'ont aucun sens pour un Australien indigène vigilant qui regarde les activités de la colonie avec perplexité. Mots que le gouverneur éclairé espère changer des vies, apporter la civilisation à la colonie. Mots utilisés contre les condamnés. Mots que les condamnés utilisent pour définir leur vie. Mots que certains expliquent aux autres. Mots.

Pas de musique.

En effet, on pourrait être pardonné de penser que l'absence de musique était délibérée, que Wertenbaker voulait faire valoir que sans la pièce, il n'y avait pas de civilisation, et donc pas de musique. Avec la pièce jouée par les condamnés, la musique était possible.

Le gouverneur Philip dit à un moment donné : « Les Grecs croyaient qu’il était du devoir d’un citoyen de regarder une pièce. C'était une sorte de travail en ce qu'il nécessitait attention, jugement, patience, toutes les vertus sociales. » L'attention se focalise dans la pièce sur les mots, les personnages et l'action - les éléments clés du théâtre. La partition de Matthews obfuscate cette focalisation. La musique ne soutient ni n'encourage la production.

Il s'agit d'une vision de réalisation, pas d'une certaine insuffisance de la part de Matthews. Fall semble réticente à présenter la pièce ; plutôt, elle a tenté de faire quelque chose d'épique à partir d'un récit intime. Il y a un attrait épique dans la pièce, mais les mécanismes ne sont pas épiques.

La mise en scène dans le Théâtre Olivier semblait étrange avant de voir la production de Fall ; après l'avoir vue, il est clair que la décision de la mettre en scène dans l'Olivier a conduit à une fausse croyance qu'elle devait être présentée à grande échelle. La colonie pénitentiaire est un lieu intime et les vies des condamnés et des militaires se vivent les unes sur les autres. Un espace plus petit comme le Dorfman aurait été préférable pour cette pièce.

Le décor de Peter McKintosh est remarquable et utilise bien l'immense espace de jeu de l'Olivier. Cela commence simplement - l'Australien indigène seul sur un rocher plat. Une toile de fond merveilleuse, légèrement surréaliste, évoque le sens anglais de l'Australie - terre rouge et soleil éclatant. Ce n'est peut-être pas ce que la colonie pénitentiaire a réellement rencontré, mais cela prépare l'idée du paysage étranger où l'Australien indigène est chez lui et les premiers colons sont des intrus.

Le rocher se fend et se transforme en pont et cale du navire des condamnés, battu par les vents en route vers la nouvelle colonie. Un soldat fouette brutalement un condamné. Les condamnés se lamentent et se plaignent, les soldats froncés les sourcils et aboient. Et ainsi les grandes hydraulics continuent à tourner, apportant des niveaux et des zones de jeu différents en jeu. Mais tout est si vaste, et cette vastitude semble accablante.

L'Australien indigène (curieusement nommé 'l'Aborigène' dans le programme alors que le texte original identifiait le personnage comme 'Un Australien aborigène' - je doute que les Australiens indigènes apprécieraient ce changement) est une sorte d'observateur presque silencieux. Il observe et danse et prononce quelques mots, jusqu'à ce qu'il parle de sa mort imminente d’une maladie d’intrus. Ses répliques sont inexplicablement coupées. Il n'y a rien de très authentique à propos de la représentation, mais l'authenticité n'est pas primordiale dans la production de Fall. Plutôt, le personnage est présenté d'une manière presque opératique, un contrepoint exotique aux événements dans la colonie.

Curieusement, pour une production qui choisit de faire jouer un acteur noir dans le très blanc gouverneur Phillip, l'Australien indigène n'est pas interprété par un acteur noir. Dans un monde où Trevor Nunn est attaqué pour avoir choisi une distribution entièrement blanche dans La Guerre des roses, cela semble, pour le moins, étrange. Ce n'est pas dire que Gary Wood n'est pas excellent dans le rôle - il l'est - mais ne pas utiliser un acteur noir pour jouer un rôle qui est intrinsèquement pour un étranger de peau différente de celle de la colonie est, pour le moins, surprenant.

Mais, alors, il y a beaucoup de choix surprenants concernant la façon dont les personnages sont joués. Beaucoup des condamnés sont dépeints comme des caricatures grotesques et beaucoup du personnel militaire sont joués comme plus noirs que noirs (coeurs, pas couleur de peau). Mais ces larges traits de pinceau ne conviennent pas à une pièce qui scintille de subtilité, où l'ambition et le désir peuvent révéler des aspects multiformes de personnes particulières. En vérité, il n'y a pas de noir et blanc dans les personnages rencontrés dans la pièce - presque tous ont des défauts et des forces, et presque tous sont fondamentalement changés par ce qui arrive à la suite des répétitions de la pièce.

Fall accorde plus d'attention à l'intégration de la musique de Matthews dans la pièce que d'assurer que les subtilités et les forces, faiblesses et confusions sous-jacentes des personnages soient clairement dépeintes. Liz Morden de Jodie McNee est tellement excessivement extrême et animalistique au début de la pièce que les changements dans sa nature semblent fantastiques - de même, Major Ross de Peter Forbes est incontestablement le méchant, alors que le rôle offre plus de nuances que cela. Fall laisse ces deux-là apparaître comme une sorte de Nancy et Bill misérables d'une production grossière de Oliver!

Heureusement, il y a d'excellentes performances. Matthew Cottle est cordial et émouvant en tant que Wisehammer, et son obsession des mots est correctement exposée. Lee Ross est splendide en tant que Sideway en attente d'être thespian, qui rêve d'être le Garrick Down Under. Caoilfhionn Dunne et Tadhg Murphy sont absolument adorables en tant que Mary et Ketch respectivement et Jonathan Dryden Taylor est le plus réussi de tous en exprimant le sentiment de comment le processus de répétition a modifié la perspective d'Arscott sur la vie. Jonathan Coote est convenablement légaliste en tant que juge de la colonie, le capitaine Collins, mais un peu trop en colère quand la ruse et la malice seraient préférables.

Jason Hughes s'en sort comme deuxième lieutenant Clark, et il est bien meilleur dans le deuxième Acte, mais la pièce offre plus de récoltes que celles fournies ici. Les dynamiques entre Hughes et Forbes sont trop évidentes, pas suffisamment complexes pour permettre au personnage de briller, et Hughes n'est pas aidé par la performance terne de Cyril Niri en tant que gouverneur Phillip (un sérieux problème de casting). Il travaille bien avec Mary de Dunne, et leur apogée romantique dans l'Acte Deux est vraiment adorable.

Complètement peu convaincant, et nuisible au succès général du drame complexe, étaient César de Jonathan Livingstone, Caneton de Shalisha James-Davies, Harry Brewer de Paul Kaye et Dabby Bryant d'Ashley McGuire. Chacun était unidimensionnel et trop extrême pour la tâche ici. Encore une fois, c'est une question de vision de Fall.

La chorégraphie (Arthur Pita) et les combats (Kate Waters) ne se fondaient pas harmonieusement avec le jeu d'acteur. Comme la musique, à certains moments, ils intrusaient plutôt qu'amélioraient le jeu d'acteur. Le chant de Josienne Clarke était de premier ordre, mais inutile. Alors que l'éclairage de Neil Austin était exceptionnellement bon et la conception sonore de Carolyn Downing précise et bien équilibrée, ils n'étaient pas suffisants pour dynamiser la production.

Non. Fall a mal interprété la pièce et, en cherchant à y laisser sa marque, elle s'est dangereusement rapprochée d'en annihiler l'impact. Mauvais casting et mauvaise direction, cependant, ne suffisent pas à faire échouer complètement la grande pièce de Wertenbaker. En fin de compte, les mots magiques qu'elle a écrits traversent - surmontant des performances légères, un décor indulgent, un espace trop grand et une musique intéressante mais fastidieusement intrusive.

Quand le National Theatre sous Rufus Norris donnera-t-il simplement au public une reprise d'une pièce qui est centrée sur le texte et non sur le directeur ? Ou est-ce trop demander? Les astuces ne sont pas nécessaires. Ralph et Mary le rendent clair dans la pièce :

« Ralph : Les gens qui ne peuvent pas faire attention ne devraient pas aller au théâtre.

Mary : Si vous jouez bien, ils devront faire attention. »

Exactement.

Réservez vos billets pour La Bonne Âme de notre Pays jouant au National Theatre jusqu’au 15 octobre 2015