CRITIQUE : Other Desert Cities, Old Vic Theatre ✭✭

Other Desert Cities

Old Vic Theatre

21 mars 2014

2 Étoiles

Un metteur en scène a plusieurs responsabilités clés : développer et mettre en œuvre un concept ou une vision du texte qui fonctionnera avec le texte et rendra la production pertinente, compréhensible et engageante ; conduire une équipe d'autres créatifs pour partager la mise en œuvre de ce concept/vision ; comprendre suffisamment bien les personnages pour s'assurer que les acteurs peuvent les incarner ; sélectionner un casting capable de faire ce qui est requis ; et obtenir le meilleur de chacun pour que la production puisse s'épanouir en accord avec le concept/vision.

Pour moi, le casting est toujours essentiel.

Le plus grand vision/concept du monde s'écroulera sur les écueils du mauvais casting. Mais un bon casting peut permettre de surmonter les faiblesses de la pièce ou les déconnexions entre le texte et le concept/vision. Un excellent jeu d'acteur peut tout couvrir.

Un mauvais jeu d'acteur mettra en lumière tous les recoins sombres de n'importe quelle production, souvent de manière dure et implacable.

Other Desert Cities, par Jon Robin Baitz, le créateur de la série télévisée Brothers And Sisters et deux fois nominée au prix Pulitzer, une fois pour cette pièce, est en avant-première à l'Old Vic dans une production dirigée par Lindsay Posner.

Ce n'est pas la plus grande pièce jamais écrite, mais c'est une œuvre théâtrale solide et intéressante. C'est un drame familial intime sur les secrets, les mensonges, la politique et la passion ; elle aborde également la politique du Parti républicain aux États-Unis (de manière assez intransigeante), les pressions, les exigences et les aspirations d'un écrivain, et ce que l'amour peut pousser quelqu'un à faire, en bien comme en mal.

Sa plus grande force réside dans les personnages fabuleusement compliqués et délicieusement réalistes qui appartiennent à cette famille des plus dysfonctionnelles : Polly, la matriarche glaciale qui a fameusement tenu tête à Barbara Bush et ses acolytes ; Lyman, l'ancien star de cinéma devenu politicien qui possède charme et universalité ; Silda, la sœur alcoolique de Polly en voie de rétablissement, dont la colère face à sa dépendance envers sa sœur est aussi vaste que l'univers ; Trip, le fils cadet accro au sexe qui fait de la télévision pour les masses mais a hérité de toutes les compétences diplomatiques nécessaires pour naviguer dans le champ de mines qu'est sa famille ; et Brooke, l'écrivain dépressive et douée qui n'a pas eu une bonne journée depuis qu'on lui a annoncé le suicide de son frère aîné, son meilleur ami.

Un Noël, la famille est rassemblée pour les festivités quand Brooke annonce qu'elle a écrit un livre sur la mort de son frère, comme elle l'imagine s'être déroulée. Sa haine du républicanisme se confond avec sa vision idéalisée de son frère perdu pour apaiser sa souffrance personnelle. Le livre est une attaque vicieuse contre ses parents, leurs amis et leurs croyances. Il menace de briser la famille à jamais. Et, par conséquent, la famille se dit des vérités qu'elle n'avait jamais affrontées ou partagées auparavant.

Polly, Brooke et Silda sont trois rôles merveilleux pour les femmes ; à New York, elles ont pris vie grâce à Stockard Channing, Rachel Griffiths et Linda Lavin.

Le West End n'a pas eu autant de chance.

Quand la liste du casting a été annoncée pour cette production, j'ai supposé que Claire Higgins jouerait Polly. Elle a le poids, la voix, le regard glacé et sévère et la dureté fondamentale dont Polly a besoin, car Polly a entouré son cœur de fer depuis la perte de son aîné et cette force, cet isolement et cette détermination sont essentiels à son être. Mais non, ici le rôle est joué par Sinéad Cusack, une actrice avec toute la résolution d'un flan et un regard qui menace constamment de se dissoudre en larmes plutôt que de résister à Barbara Bush.

Cusack est entièrement mal castée en Polly et, par conséquent, toute la pièce est déséquilibrée.

Cusack veut être aimée ; Polly non. Cusack pleurniche ; Polly non. Cusack anticipe ; Polly non. Cusack produit un son comme un bandicoot enragé et effrayé lorsque Brooke annonce qu'elle va publier son livre ; Polly non. Cusack ne peut pas marcher en ligne droite en talons hauts ; Polly le peut.

L'incapacité de Cusack à s'approcher de la vraie Polly est d'autant plus tragique par la présence de Higgins, gaspillée en Silda. Non qu'elle ne soit pas une bonne Silda, elle l'est, mais elle aurait pu être une grande Polly et, en fait, Cusack aurait probablement fait une bonne Silda en face d'elle.

Higgins est à son meilleur ici, quand elle est silencieuse, observant ou réfléchissant. Le regard de désir pur qu'elle accorde à la bouteille de whisky. Le regard de douleur harassé alors qu'elle observe Brooke entendre sa mère promettre l'abandon. Le regard étrange, lointain et passé qu'elle jette à Lyman de temps en temps. L'abandon joyeux alors qu'elle se prépare à fondre sur Trip pour son joint. Chaque élément de Silda est là : tout ce dont Higgins a besoin pour vraiment fonctionner est une bonne Polly.

Martha Plimpton a du mal à trouver Brooke, en grande partie parce qu'elle n'a pas de Polly avec qui vraiment réagir. Mais elle y parvient et l'ouverture de l'Acte Deux, quand elle et Trip de Daniel Lapaine sont en discussion approfondie à propos de leurs parents, est le moment fort de la production. Ils travaillent ensemble comme frère et sœur et se stimulent mutuellement, permettant à chacun de livrer leur meilleur travail. La pièce chante vraiment à ce moment-là.

Plimpton réalise la scène finale avec aplomb, mieux, en effet, que Rachel Griffiths l'a fait à Broadway. Peut-être à cause de la fausse Polly de Cusack, Plimpton peut ajouter des couches de chaleur à Brooke qui sont crédibles et compréhensibles. Quelle que soit la raison, son discours poignant lors du lancement de son livre est quelque chose.

Lapaine est en fait excellent dans l'ensemble en Trip. C'est un rôle difficile car il a relativement peu à faire, sinon être l'intermédiaire entre ses parents et sa sœur et le copain de sa sœur et de sa tante. Mais il parvient aussi, sans dialogue, à exprimer, de manière complexe et fascinante, l'angoisse qu'il a souffert dans l'ombre d'un frère aîné perdu et d'une sœur aînée en deuil. Ce Trip est habitué à être hors des projecteurs de la famille, en effet, il préfère cela, et il n'y a aucun signe de sa vie choyée, de sorte que Lapaine fournit à la fois un contraste frappant avec Brooke mais est clairement son fan adorateur. C'est une performance excellente.

Il y a un moment dans l'Acte Deux, lorsque Lyman parle de survie, où il dit quelque chose comme "C'était juste du comédie et cela est venu facilement pour moi". Quand ces mots sont prononcés par Peter Egan ici, ils semblent ironiques au minimum, et horriblement incorrects. Parce que la chose que Peter Egan ne peut pas faire, c'est jouer Lyman Wyeth, ni facilement ni du tout. Comme Cusack, il est complètement mal casté. Il ne peut pas faire de la rage contrôlée, de l'inquiétude latente, de la colère franche ou du désarroi brisé - toutes des qualités que Lyman doit manifester à un moment ou à un autre. Il n'y a pas de fil conducteur pour ce Lyman : tout est fragmenté, mal joué, avec des expressions de résignation et d'abattement. Son "Pas de commentaire" à la sortie est navrant.

Il piétine autour de la scène comme un ours Paddington abattu, toutes les expressions de stupidité béate et de morosité. Il n'y a aucun signe d'un ancien homme d'État, d'un entrepreneur riche, d'un homme du monde ou même d'un père et d'un mari. C'est un morceau de massepain baignant dans une mer de sentimentalisme langoureux et de néant exagérément auto-dérisoire. C'est horrifiant de le regarder se noyer dans le rôle.

Posner doit porter le blâme ici. C'est le mauvais casting pour cette pièce et s'il pense le contraire, il ne devrait pas diriger cette pièce. De même, il permet (ou peut-être exige) à Cusack et Egan de suggérer à deux reprises le secret caché qui gît au cœur de la dynamique familiale se désintégrant. Il n'y a pas besoin de cela et, en fait, cela va à l'encontre du caractère et de la situation. Et du drame. Il n'est pas nécessaire que le public soit "préparé" pour ce qui se passe ; bien mieux, cela se produit simplement. Laissez le choc retomber comme il se doit, étant donné la nature de ces personnages magnifiquement écrits. Un bon metteur en scène ferait exactement cela.

L'Old Vic est de retour en mode En-The-Round et donc il y a une plus grande intimité avec le jeu. Cela s'avère fatal avec ce casting ; la distance d'un proscenium aurait pu aider Cusack et Egan, mais tel qu'il est, chacun de leurs mouvements est exposé de près.

C'est une production mal castée et conçue d'une pièce intéressante de théâtre contemporain. Cela aurait dû être bien mieux ici.

Mais cela vaut la peine d'être vu pour Lapaine, Plimpton et Higgins.

Si seulement Claire Higgins avait joué Polly...