CRITIQUE : Other Desert Cities, Old Vic Theatre ✭✭

Other Desert Cities

Old Vic Theatre

21 mars 2014

2 Étoiles

Un metteur en scène a plusieurs responsabilités clés : développer et mettre en œuvre un concept ou une vision pour le texte qui s’harmonise avec celui-ci et rende la production pertinente, compréhensible et captivante ; diriger une équipe d'autres créatifs pour partager la mise en œuvre de ce concept/vision ; comprendre les personnages suffisamment bien pour garantir que les acteurs peuvent les incarner ; sélectionner un casting capable de faire ce qui est requis ; et tirer de chacun le meilleur de son travail pour que la production puisse briller en accord avec le concept/vision.

Pour moi, le casting est toujours la clé.

La plus grande vision/concept du monde s'écrasera sur les rochers pointus d'une erreur de casting. Mais bien choisir le casting et les défauts de la pièce ou les déconnexions entre texte et concept/vision peuvent être surmontés. Un grand jeu d'acteur peut couvrir à peu près tout.

Un mauvais jeu d'acteur mettra en lumière chaque recoin sombre de toute production, souvent une lumière dure et inflexible.

Other Desert Cities, par Jon Robin Baitz, l'homme qui a créé la série télévisée Brothers And Sisters et qui a été deux fois nominé pour le Prix Pulitzer, une fois pour cette pièce, est en avant-première à l'Old Vic dans une production mise en scène par Lindsay Posner.

Ce n'est pas la meilleure pièce jamais écrite mais c'est une œuvre théâtrale solide. C'est un drame familial intime sur les secrets, les mensonges, la politique et la passion ; il examine également la politique du Parti Républicain aux États-Unis (assez intransigeant), les pressions, les exigences et les aspirations d'être un écrivain et les choses que l'amour peut vous pousser à faire, pour le meilleur, le pire et l'indifférent.

Sa plus grande force réside dans les personnages fabuleusement compliqués et délicieusement réels qui appartiennent à cette famille des plus dysfonctionnelles : Polly, la matriarche glaciale qui s'est fameusement opposée à Barbara Bush et ses acolytes ; Lyman, l'ancien acteur de cinéma devenu homme politique qui a un diplôme de bienveillance et d'universalité ; Silda, la sœur alcoolique de Polly, sobre, dont la rage face à sa dépendance envers sa sœur est aussi vaste que l'Univers ; Trip, le fils cadet accro au sexe qui fait de la télévision pour les masses mais a hérité de toutes les compétences diplomatiques nécessaires pour manœuvrer dans le champ de mines qu'est sa famille ; et Brooke, l'écrivain dépressive et douée qui n'a pas passé une bonne journée depuis qu'elle a appris le suicide de son frère aîné, son meilleur ami.

Un Noël, la famille est réunie pour les festivités lorsque Brooke annonce qu'elle a écrit un livre sur la mort de son frère, tel qu'elle l'imagine s'être déroulé. Sa haine du républicanisme fusionne avec sa notion idéalisée de son frère perdu pour soulager sa souffrance personnelle. Le livre est une attaque féroce contre ses parents, leurs amis et leurs croyances. Il menace de briser la famille à jamais. Et, en conséquence, la famille se dit des vérités auxquelles elle n'avait jamais fait face, ou partagées, auparavant.

Polly, Brooke et Silda sont trois rôles merveilleux pour les femmes ; à New York, elles ont été incarnées par Stockard Channing, Rachel Griffiths et Linda Lavin.

Le West End n'a pas eu autant de chance.

Lorsque la liste des acteurs a été annoncée pour cette production, j'ai imaginé que Claire Higgins jouerait Polly. Elle a le poids, la voix, le regard glacial et dur que Polly nécessite, car Polly a entouré son cœur d'acier depuis la perte de son aîné et cette force, cette isolation et cette détermination sont fondamentales pour elle. Mais, non, ici le rôle est interprété par Sinéad Cusack, une actrice avec toute la fermeté d'une gelée et un regard qui menace constamment de se dissoudre en larmes plutôt que de tenir tête à Barbara Bush.

Cusack est totalement mal castée en Polly et, par conséquent, toute la pièce est déséquilibrée.

Cusack veut être aimée ; Polly non. Cusack pleurniche ; Polly non. Cusack présage ; Polly non. Cusack émet un son comme un bandicoot rabique surpris lorsque Brooke annonce qu'elle va publier son livre ; Polly non. Cusack ne peut pas marcher en ligne droite en talons hauts ; Polly le peut.

L'incapacité de Cusack à se rapprocher de la vraie Polly est rendue d'autant plus tragique par la présence de Higgins, gâchée en Silda. Non pas qu'elle ne soit pas une excellente Silda, elle l'est, mais elle aurait pu être une grande Polly et, en fait, Cusack aurait probablement fait une bonne Silda face à elle.

Higgins est la meilleure ici quand elle est silencieuse, en train de regarder ou de réfléchir. Le regard de pure convoitise qu'elle accorde à la bouteille de Whiskey. Le regard ravagé de douleur quand elle voit Brooke entendre sa mère promettre l'abandon. Le regard bizarre d'autrefois qu'elle lance de temps en temps à Lyman. L'abandon joyeux alors qu'elle se prépare à bondir sur Trip pour son joint. Tous les éléments de Silda sont là : tout ce dont Higgins a besoin pour vraiment travailler, c'est d'une bonne Polly.

Martha Plimpton a du mal à trouver Brooke, principalement parce qu'elle n'a pas de vraie Polly avec qui rebondir. Mais elle la trouve quand même, et l'ouverture de l'Acte Deux, quand elle et Trip de Daniel Lapaine sont en pleine discussion sur leurs parents, est le point culminant de la production. Ils travaillent ensemble comme frère et sœur et se stimulent mutuellement, permettant à chacun de donner le meilleur d'eux-mêmes. La pièce chante vraiment à ce moment-là.

Plimpton mène la scène finale avec beaucoup d'aplomb, mieux, en effet, que Rachel Griffiths ne l'avait fait à Broadway. Peut-être à cause de l'image fausse de Polly que projette Cusack, Plimpton peut ajouter des couches de chaleur à Brooke qui sont crédibles et compréhensibles. Quelle qu'en soit la raison, son discours piquant lors du lancement de son livre est quelque chose.

Lapaine est en fait excellent tout autour en Trip. C'est un rôle difficile car il a relativement peu à faire à part être l'intermédiaire entre ses parents et sœur et le copain de sa sœur et sa tante. Mais il réussit également, totalement sans dialogue, à transmettre, d'une manière complexe et fascinante, l'angoisse qu'il a subie dans l'ombre d'un frère aîné perdu et d'une sœur aînée en deuil. Ce Trip est habitué à être en dehors des projecteurs familiaux, préfère même s'y maintenir, et il n'y a aucun sens de vie indulgée, donc Lapaine offre à la fois un contraste frappant avec Brooke et est clairement son fan adorateur. C'est une excellente performance.

Il y a un moment dans l'Acte Deux, lorsque Lyman parle de survie, où il dit quelque chose comme "Ce n'était que du théâtre et cela m'a paru facile". Lorsque Peter Egan prononce ces mots ici, ils sonnent ironiques, au moins, et horriblement inexactes. Parce que ce que Peter Egan ne peut pas faire, c’est jouer Lyman Wyeth, ni facilement ni du tout. Comme Cusack, il est complètement mal casté. Il ne peut pas faire de rage contrôlée, de malaise pénétrant, de colère pure ou de détresse brisée - toutes choses que Lyman doit exsuder à un moment ou à un autre. Il n'y a pas de ligne directrice pour ce Lyman : tout est fragmentaire, mauvais jeu d'acteur avec des déplacements lourdauds et des expressions abattues. Sa sortie "Sans commentaire" est navrante.

Il arpente la scène comme un Paddington triste, avec des expressions de stupidité idiote. Il n'y a aucun signe d'un ancien homme d'État, d'un entrepreneur riche, d'un homme du monde ou même d'un père et mari. C'est un morceau de massepain flottant dans une mer de sentimentalité mièvre et de rien exagérément modeste. C'est horrifique de le voir se noyer dans le rôle.

Posner doit assumer la responsabilité ici. C'est le mauvais casting pour cette pièce et s'il pense le contraire, il ne devrait pas diriger cette pièce. De même, il permet (ou peut-être exige) que Cusack et Egan insinuent deux fois le secret caché au cœur de la dynamique familiale en dénouement. Cela n'est pas nécessaire et, en effet, cela va à contre-courant des personnages et de la situation. Et du drame. Ce n'est pas nécessaire de "préparer" le public à ce qui se passe ; bien mieux, que cela se produise simplement. Laissez le choc tomber comme il le devrait en fonction de la nature de ces personnages magnifiquement écrits. Un bon directeur ferait exactement cela.

L'Old Vic est de nouveau en mode In-The-Round et il y a donc une plus grande intimité avec le jeu. Cela s’avère fatal avec ce casting ; la distance d’un proscenium aurait pu aider Cusack et Egan, mais tel quel, chacun de leurs mouvements est étroitement exposé.

C'est un casting et une conception médiocres de production d'une pièce contemporaine intéressante. Cela aurait dû être bien mieux que cela ici.

Mais cela vaut la peine pour Lapaine, Plimpton et Higgins.

Si seulement Claire Higgins avait joué Polly...