CRITIQUE : L'Ombre d'Orson, Southwark Playhouse ✭✭✭✭✭

John Hodgkinson en Orson Welles et Adrian Lukis en Laurence Olivier, avec Ciaran O’Brien en Sean. Photographie : Elliott Franks L'Ombre d'Orson

Southwark Playhouse

06/07/15

5 Étoiles

Y a-t-il vraiment plus à dire sur les Oliviers, Larry, Vivien et Joan ? Ou sur Orson Welles pour être précis ? Telles étaient les questions qui me venaient à l’esprit alors que je m’asseyais dans le Southwark Playhouse pour la première presse de la pièce d'Austin Pendleton consacrée à réimaginer l'unique épisode de la vie réelle où Welles, Olivier et Joan Plowright ont travaillé ensemble - dans une production de 1960 de la Rhinocéros d'Ionesco au Royal Court, dirigée par Welles. Parmi les nombreuses couches d'évaluation critique, de biographies bonnes, mauvaises et déshonorantes, de lettres, de mémoires et de potins de tous côtés, ne disposons-nous pas d'un tableau complet à la fois du psychodrame désespérément triste du mariage entre Leigh et Olivier et du lent et laborieux déclin de la carrière de Welles après ses débuts en or avec Citizen Kane?

En réalité, Pendleton parvient à nous emmener bien au-delà des surfaces biographiques et, en chemin, pose certaines questions très profondes et difficiles. Comment même les plus grands talents peuvent-ils perdre leur chemin à l’âge mûr, et où se trouve le chemin inextricable du devoir dans les relations affectées par une maladie mentale grave. Il offre également des éclairages importants sur le rôle de la critique théâtrale, les mérites respectifs d'une carrière sur scène ou au cinéma, comment les incidents de la vie personnelle se répercutent dans le travail créatif, et comment les acteurs réconcilient l'alchimie entre technique apprise et instinct psychologique dans la performance. Si ce résumé donne l’impression qu’il s’agit d’une pièce purement destinée aux initiés du théâtre, il est important de dire qu'elle est équilibrée par des dialogues tour à tour spirituels et tendres, et une comédie visuelle de situation qui offre beaucoup de mouvements fluides et de jeux théâtraux à observer. Pendleton a rencontré Vivien Leigh et travaillé avec Welles, de sorte que la pièce est écrite avec une empathie provenant d’une connaissance personnelle, sans pour autant sombrer dans l'hagiographie ou le plaidoyer particulier.

Le coup de maître de la dramaturgie de Pendleton est d'introduire Kenneth Tynan dans l’équation. Tynan est ici présenté comme l'homme qui persuade Olivier et Welles de travailler ensemble sur la pièce. Ce n'est pas vrai en réalité, mais c'est dramatiquement approprié puisqu'il était vraiment un ami des deux et voulait tout faire pour relancer la carrière cinématographique de Welles et faire partie de l'équipe d'Olivier dans la fondation du National Theatre. Il est le catalyseur et le commentateur de l'action à chaque étape. La pièce se déroule en deux actes. Dans la première scène, Tynan et Welles discutent dans les coulisses à Dublin et posent le cadre de ce qui suit ; dans la seconde, nous nous déplaçons dans les coulisses du Royal Court, où nous trouvons Olivier, fraîchement sorti de son succès dans The Entertainer, engagé dans le processus complexe de quitter Leigh pour Plowright. À bien des égards, c’est le passage le plus impressionnant de l'écriture qui offre de grandes opportunités à tous les acteurs alors qu'Olivier et Tynan se jaugent, Plowright se bat pour établir sa propre identité, et les tensions et manipulations auto-destructrices du mariage des Oliviers sont mises à nu dans une conversation téléphonique habilement installée. Le deuxième acte nous emmène sur le plateau de Rhinocéros et se concentre sur les divergences créatives entre Welles et Olivier alors que ce dernier lutte pour adapter sa technique aux exigences du théâtre de l'absurde. L'action atteint son paroxysme lorsque Leigh fait une visite inattendue sur le plateau et que chaque personnage finit par déposer les masques, se dévoilant complètement.

Il y a six personnages au total et chacun des acteurs offre une performance finement calculée et expressive, détaillée. Il n’y a pas de maillons faibles et le directeur de casting mérite tout le crédit pour avoir réuni une équipe pleinement complémentaire. Dans les rôles secondaires, Ciaran O'Brien joue un jeune régisseur, Sean, et Louise Ford incarne Joan Plowright. Ces deux rôles sont esquissés légèrement par Pendleton et n'ont pas l'intention d'être une impersonation directe. O'Brien capture bien l’héroïsme maladroit et gauche d’un jeune aspirant, et Ford profite pleinement des opportunités qui lui sont données pour montrer que son personnage n’était ni un pantin ni pas toujours un acteur avec sa propre intelligence féroce. Elle équilibre bien son amour et son exaspération envers Olivier et rejoint Welles pour défendre le modernisme au théâtre.

Edward Bennett incarne Tynan de manière très plausible. Il capture les attributs physiques avec conviction - le bégaiement, la toux révélatrice d'un emphysème naissant et la déférence exagérée envers ses héros. Mais il démontre également l'intelligence, l'acrimonie, la méchanceté et le désir secret d'être un initié chéri qui faisaient partie de la personnalité complexe de ce critique. Bennet doit naviguer à travers de nombreux moments potentiellement gênants lorsque le dramaturge brise les barrières du réalisme et s'engage directement avec le public. Parfois, l'écriture est un peu maladroite ici, et l'acteur réussit bien à maintenir le train sur les rails.

En tant que Vivien Leigh, Gina Bellman a deux scènes cruciales pour établir la « variété infinie » de son personnage. Encore une fois, il y a une bonne adéquation physique ici entre à la fois le maintien et le glamour d'une part et la vulnérabilité froissée de l'autre. Nous devons saisir pourquoi Leigh était une sirène si captivante tant à l’écran qu’en dehors, et aussi percevoir ses terreurs privées. Bellman est particulièrement efficace pour montrer les aspects moins annoncés du personnage : son intelligence et sa générosité d’esprit envers les autres et sa conscience mélancolique de sa manie naissante et de la forme qu’elle prend. Lorsque la manie survient, elle est convenablement dérangée et incontrôlable.

Les plus grands défis ici sont de jouer Welles et Olivier. John Hodgkinson (Welles) et Adrian Lukis (Olivier) offrent tous deux des imitations physiques et vocales impressionnantes, mais les véritables forces de leurs performances et de la direction souple d'Alice Hamilton résident dans le fait de les amener profondément dans leur propre « cœur des ténèbres » personnel. Nous voyons au-delà de la caricature délibérément démesurée que Welles présente au monde dans sa désespoir de trouver un moyen de poursuivre ses propres projets; et nous apercevons la douleur, la colère et le dégoût de lui-même d'un homme qui sait qu'il est à la fois une véritable victime d'un système et son pire ennemi. De même, Lukis nous plonge au-dessous de l’extérieur exagérément coupé et brillamment poli de la façade d’Olivier pour nous montrer comment il est devenu un « géant enchaîné forgé par lui-même ». Comment il s'est laissé piéger dans sa propre mythologie si bien qu'il est mal équipé pour embrasser le changement professionnel. Comment son désir d'imposer le contrôle sur lui-même et sur son monde est une réaction craintive face aux dangers de l'instabilité de Leigh autant qu’aux pressions extérieures; et comment le changement est venu dans tous les domaines lorsqu'il lui a finalement permis son « alerte animale » en tant qu'acteur de percer une fois de plus.

La pièce est mise en scène dans la ronde avec un contraste plaisant et taquin entre la convention théâtrale artificielle et l'informalité. Les gestes en direction du décor sont pratiques et fonctionnels et ne distraient pas du duel verbal des acteurs, qui est le cœur et le centre de l'action. Bien qu'il y ait eu plusieurs productions aux États-Unis, c’est la première européenne, et pour la qualité et l'intensité de l'écriture et du jeu, elle mérite une longue et fructueuse série.

L'Ombre d'Orson se joue au Southwark Playhouse jusqu'au 25 juillet 2015