CRITIQUE : Once We Lived Here, Kings Head Theatre ✭✭✭✭

Once We Lived Here. Photo : Roy Tan Once We Lived There

King's Head Theatre

24 avril 2014

4 étoiles

J'ai enfreint une règle cardinale (Ne jamais entrer dans un auditorium une fois la représentation commencée ; c'est un manque de respect envers les artistes et les autres spectateurs) jeudi dernier, grâce au London Overground habituellement efficace, qui était exceptionnellement en panne et en plein mode Lapin Blanc. Remercions les étoiles, car autrement, la première londonienne de la comédie musicale de Dean Bryant et Matthew Frank, Once We Lived Here, qui se joue au King's Head Theatre, aurait été manquée.

Et cela aurait été une tragédie, car c'est une œuvre importante, remarquablement remarquable, une pièce de théâtre musical qui mérite d'être soutenue et qui doit être vue.

S'il avait été écrit au Royaume-Uni, il est fort probable, me semble-t-il, qu'une institution comme le National Theatre l'aurait pris en charge, choyé, nourri et soutenu. Des années d'ateliers et l'apport d'une maison de production bien dotée auraient assuré une gestation amicale et collaborative suivie d'une production complète avec toutes les cloches et sifflets pertinents. Mais l'Australie n'a pas d'équivalent du National Theatre et le désir gouvernemental de soutenir correctement l'écriture locale est pratiquement inexistant.

Once We Lived Here est à tous égards une meilleure œuvre que The Light Princess, et pourtant cette dernière a eu une période d'incubation et un bal de débutante que la première aurait seulement pu souhaiter - et aurait dû avoir.

L'écriture vibre d'une immédiateté et d'une sensibilité entièrement australiennes. Les personnages sont habilement dessinés et le récit qu'ils parcourent est aussi plein de rebondissements que n'importe quel ruisseau de campagne. La chaleur est toujours présente aussi, dans la température à laquelle les personnages de la ferme vivent et dans les tempéraments qui bouillonnent sans cesse, aiguisés ou émoussés par les ravages du passé, les malentendus, la honte et le devoir.

C'est un concept assez simple. Une ferme en milieu rural australien. Une fille s'est échappée en ville ; un fils est parti en vadrouille. La fille aînée est restée à la ferme, vivant la vie qu'elle pense que son père défunt aurait voulu qu'elle vive. Maman meurt d'un cancer, alors les enfants reviennent à la ferme - et les tensions non résolues s'épanouissent et éclatent de manière inconfortable, douloureuse, mais de manière étonnamment réaliste. Ajoutez une carte sauvage avec le retour d'un ancien ouvrier agricole et allumez la mèche.

L'écriture de Bryant est concise, vraie et pleine de douleur et d'espoir. Il joue agréablement avec la chronologie linéaire, de sorte que la famille est rencontrée à différents moments de sa vie à la ferme. Couche par couche, les éléments qui divisent la famille, mais aussi ceux qui l'unissent, sont révélés.

La musique de Frank est principalement envoûtante, parfois magnifique mais jamais ennuyeuse. Elle est remplie du sens de l'Australie aussi, et ses meilleurs moments sont quelque chose de remarquable : Ordinary Day, Guitar Lesson, Only You, We Like It That Way, The Leaves In Summer. Chacun d'eux est un bijou.

Bryant a également dirigé cette production. Je soupçonne que ce dont ce spectacle a vraiment besoin, c'est d'un metteur en scène sans aucun lien avec l'œuvre. Comme tant de travaux théâtraux, le spectacle est en fait plus grand que la somme de ses parties, et un regard neuf aiderait à dévoiler certaines des nuances cachées dans les personnages et l'histoire.

Les meilleures performances ici sont vraiment très bonnes.

Shaun Rennie est délicieux en Burke, l'ouvrier agricole nomade dont le retour à l'ancienne ferme Macpherson a des implications pour tous les membres de la famille Macpherson. Viril, brut et silencieusement contenu, Rennie est l'épitomé du bushman décontracté, à l'aise avec tout le monde, prêt à mettre la main à tout et toujours à l'affût d'une opportunité, que ce soit avec la femme d'un fermier ou pour un prospect de travail. Avec une barbe qui proclamait de longues périodes de solitude et de contemplation, la performance était détendue et complexe, et Rennie chantait avec assurance.

En tant que Lecy, la fille qui a fui la ferme pour le glamour, la superficialité et l'excitation de la ville, Belinda Wollaston est délicieuse, à la fois vive et vulnérable. Elle gère bien la comédie légèrement sotte, mais est également extrêmement efficace dans les scènes complexes d'enchevêtrement familial. En effet, c'est Wollaston qui persuade le plus facilement le public que les Macpherson sont une famille - elle unit la mère, le frère et la sœur ensemble dans une performance généreuse pleine d'éclat et de détail tendre, impeccable. Elle chante également avec énergie et chaleur, et sa scène finale réfléchie "Quand nous étions petits, nous nous amusions tant ici" est véritablement sincère et percutante.

Melle Stewart s'est lancée avec enthousiasme dans le rôle de la sœur aînée, Amy, la garçonne mini-moi fermière toujours enveloppée dans l'ombre de son père décédé. Elle était à son meilleur dans ses scènes avec Rennie (Amy et Burke ont un passé et des affaires inachevées) qui étaient directes, pleines de charme et incroyablement honnêtes. Son affrontement avec Lecy de Wollaston était également précis, une évocation correcte du lien fraternel particulier que les sœurs peuvent avoir - pas de tolérance pour les imbéciles mais chaque mot équilibré sur la balance filiale. Stewart a une grande voix qui s'est bien mêlée à la partition, produisant certains des meilleurs moments musicaux de la soirée.

C'est une tâche ardue de réussir un accent australien authentique, encore plus difficile quand le casting autour de vous est entièrement australien, mais Lestyn Arwel y est parvenu mieux que beaucoup ne le pourraient (bien qu'il semble souvent le frère Macpherson de la Nouvelle-Zélande plutôt que de l'Australie). Arwel a un charme naturel sur scène qui, curieusement, semble jouer contre le personnage maussade, boudeur et complètement perdu du plus jeune Macpherson, Shaun. Alors que les sœurs étaient clairement définies, Shaun était un personnage plus amorphe, plus insaisissable. Cela semblait être plus un choix d'interprétation/direction plutôt que quelque chose dans l'écriture, et un choix étrange, car, au fur et à mesure que la soirée se déroulait, Shaun se révèle être un personnage complexe, mais tout aussi précisément écrit que ses sœurs.

Claire, la matriarche Macpherson, est une de ces femmes bronzées, ancrées, infatigables sur lesquelles l'arrière-pays australien a été construit - imparable, sèche, intelligente, sage, généreuse et incorrigible. Le genre de femme qui ne laisserait pas une distraction fatigante comme un cancer en phase terminale l'empêcher d'effectuer un travail à temps plein et de s'occuper des autres. Simone Craddock a fait correctement le rôle, mais avait besoin d'accentuer davantage le plaisir austère terrestre inhérent à cette femme féroce et magnétique. Claire connaît plus de hauts et de bas que Craddock n'en a découvert ici.

Alex Beetschen et le petit orchestre ont joué la musique avec énergie et style. De manière générale, le chant était d'un niveau très élevé et a révélé les nombreux plaisirs de la partition.

L'espace est minuscule et le design de Christopher Hone a bien réussi à évoquer le sens des différents lieux dans et autour de la ferme.

C'est une joie de voir et d'entendre des voix créatives australiennes, sur scène et hors scène, à Londres. Ce spectacle mérite une production à grande échelle, correctement financée et promue. C'est un vrai dommage que sa courte saison soit maintenant terminée.