CRITIQUE : Once We Lived Here, Kings Head Theatre ✭✭✭✭

Once We Lived Here. Photo : Roy Tan Once We Lived There

Théâtre King's Head

24 avril 2014

4 étoiles

J'ai enfreint une règle cardinale (ne jamais entrer dans une salle une fois qu'une représentation a commencé ; c'est un manque de respect envers les artistes et les autres spectateurs) jeudi dernier, à cause de l'habituellement efficace London Overground qui était exceptionnellement en panne et en plein mode Lapin Blanc. Merci les étoiles, car autrement la première londonienne de la comédie musicale de Dean Bryant et Matthew Frank, Once We Lived Here, jouant au King's Head Theatre, aurait été manquée.

Et cela aurait été une tragédie, car c'est une œuvre importante, tout à fait remarquable, de théâtre musical, qui mérite d'être soutenue et qui devrait être vue.

Si elle avait été écrite au Royaume-Uni, il semble clair pour moi qu'une institution comme le National Theatre l'aurait adoptée, chérie, nourrie et soutenue. Des années d'ateliers et l'apport d'une maison de production bien dotée auraient assuré qu'elle ait une gestation amicale et collaborative suivie d'une production flamboyante avec tout l'attirail nécessaire. Mais l'Australie n'a pas d'équivalent du National Theatre et le désir gouvernemental de soutenir correctement l'écriture locale est quasiment inexistant.

Once We Lived Here est, à tous points de vue, une meilleure pièce que The Light Princess, et pourtant cette dernière a bénéficié d'une période d'incubation et d'un bal de débutante que la première ne pouvait qu'espérer - et aurait dû avoir.

L'écriture vibre d'une franchise et d'une sensibilité entièrement australiennes. Les personnages sont habilement dessinés et le récit qu'ils amorcent regorge de rebondissements comme n'importe quel ruisseau de campagne. La chaleur est toujours présente aussi, dans la température dans laquelle vivent les personnages à la ferme et dans les tempers sans cesse bouillonnants aiguisés ou émoussés par les ravages du passé, les malentendus, la honte et le devoir.

C'est un concept assez simple. Une ferme dans l'outback australien. Une fille a échappé à la Ville ; un fils est parti en vadrouille. La fille aînée est restée à la Ferme, vivant la vie qu'elle pense que son père décédé aurait voulu qu'elle vive. Maman meurt d'un cancer, alors les enfants reviennent à la ferme - et les tensions non résolues fleurissent et explosent de manière inconfortable, douloureuse, mais de manière étonnamment réaliste. Ajoutez une carte sauvage au retour d'un ancien ouvrier de la Ferme et allumez la mèche bleue.

L'écriture de Bryant est concise, vraie et pleine de douleur et d'espoir. Il joue habilement avec la chronologie pour que la famille soit rencontrée à différents moments de leur vie à la Ferme. Couche après couche, les choses qui divisent la famille, mais aussi celles qui lient, sont révélées.

La musique de Frank est principalement envoûtante, parfois magnifique mais jamais ennuyeuse. Elle est remplie du sentiment de l'Australie aussi, et ses meilleurs moments sont quelque chose de tout à fait saisissant : Ordinary Day, Guitar Lesson, Only You, We Like It That Way, The Leaves In Summer. Chacune une perle.

Bryant a également mis en scène cette production. Je soupçonne que ce que ce spectacle a vraiment besoin est d'un metteur en scène sans aucun lien avec la pièce. Comme beaucoup de travaux théâtraux, le spectacle est en fait plus grand que la somme de ses parties, et un regard neuf aiderait à dévoiler certaines des nuances cachées dans les personnages et l'histoire.

Les meilleures performances ici sont vraiment très bonnes.

Shaun Rennie est charmant en tant que Burke, l'ouvrier nomade de la Ferme dont le retour à l'ancienne ferme Macpherson a des répercussions pour tout le monde dans la famille Macpherson. Vigoureux, brut et silencieusement contenu, Rennie est l'épitomé du bushman décontracté, à l'aise avec tout le monde, prêt à s'occuper de n'importe quoi et toujours à l'affut d'une opportunité, que ce soit avec la femme d'un fermier ou une perspective de travail. Avec une barbe qui proclamait de longues périodes de solitude et de contemplation, la performance était à la fois détendue et complexe, et Rennie chantait avec aisance.

En tant que Lecy, la fille qui a fui la Ferme pour le glamour, la superficialité et l'excitation de la Ville, Belinda Wollaston est délicieuse, vive et vulnérable à la fois. Elle manie bien la comédie légèrement étourdie, mais est également extrêmement efficace dans les scènes complexes d'enchevêtrement familial. En effet, c'est Wollaston qui persuade le plus facilement le public que les Macpherson sont une famille - elle lie Mère, frère et sœur ensemble dans une performance généreuse pleine d'éclat, avec un détail doux, impeccable. Elle chante aussi avec enthousiame et chaleur et sa scène finale réfléchie « Quand nous étions petits, nous nous amusions tant ici » est vraiment sincère et marquante.

Melle Stewart s'est jetée avec enthousiasme dans le rôle de la sœur aînée, Amy, la garçon manqué mini-moi Fermière toujours enveloppée dans l'ombre de son père décédé. Elle était à son meilleur dans ses scènes avec Rennie (Amy et Burke ont un passé et des affaires inachevées) qui étaient directes, pleines de charme et étonnamment honnêtes. Ses joutes avec Lecy de Wollaston étaient également exactes, une évocation correcte du lien particulier que les sœurs peuvent avoir - pas de place pour des sots mais chaque mot est pesé sur les balances filiales. Stewart a une belle voix qui se fondait bien avec la partition, produisant certains des meilleurs moments musicaux de la soirée.

Il est une tâche ardue de réussir un accent australien authentique, encore plus ardue lorsque le casting autour de vous est entièrement australien, mais Lestyn Arwel y a réussi mieux que beaucoup auraient pu (même s'il semblait être le frère Macpherson venu de Nouvelle-Zélande la plupart du temps). Arwel a un charme naturel sur scène qui, curieusement, semblait agir contre le caractère morose, renfrogné et absolument perdu du plus jeune Macpherson, Shaun. Alors que les sœurs étaient clairement définies, Shaun était plus amorphe, un personnage plus insaisissable. Cela semblait plus un choix de jeu/direction plutôt que quelque chose dans l'écriture et un choix étrange, car, au fur et à mesure que la soirée avançait, Shaun se révèle être un personnage complexe, mais tout aussi précisément écrit que ses sœurs.

Claire, la matriarche Macpherson, est une de ces femmes bronzées, terre-à-terre, infatigables sur lesquelles l'outback australien a été construit - inarrêtable, sèche, intelligente, sage, généreuse et incorrigible. Le genre de femme qui ne laisserait pas une distraction fatigante comme un cancer terminal gêner une journée de travail bien remplie et s'occuper des autres. Simone Craddock a fait un bon coup dans le rôle, mais avait besoin d'accentuer le sel de la Terre, le côté implacable et revêche inhérent à cette femme féroce et magnétique. Claire a plus de hauts et de bas que Craddock n'a déterré ici.

Alex Beetschen et le petit groupe ont joué la musique avec énergie et style. Globalement, le chant était d'un très haut niveau et a révélé les nombreux plaisirs de la partition.

L'espace est minuscule et le design de Christopher Hone a bien réussi à évoquer le sens des différents lieux dans et autour de la ferme.

C'est une joie de voir et d'entendre des voix créatives australiennes, sur scène et en dehors, à Londres. Ce spectacle mérite une production de grande envergure, correctement financée et promue. C'est une vraie pitié que sa courte saison soit maintenant terminée.