CRITIQUE : Notre-Dame de Paris, London Coliseum ✭✭✭✭

Julian Eaves critique Notre-Dame de Paris qui se jouait au London Coliseum pour une série limitée de représentations cette semaine.

Clopin (Jay) et le chœur de Notre-Dame de Paris. Photo: Patrick Carpenter Notre-Dame de Paris

London Coliseum

23 janvier 2019

4 étoiles

C'est un fait célèbre que l'église cathédrale gothique magnifique de Notre-Dame de Paris sur l'Île de la Cité a pris 200 ans à construire. Ce spectacle musical presque tout aussi monumental à propos de son célèbre sonneur de cloches bossu n'est pour l'instant présenté que depuis un dixième de ce temps. Cependant, à en juger par la réaction du public lors de sa récente visite au Coliseum, il se pourrait bien qu'il soit avec nous pour longtemps encore et que sa durée atteigne un jour celle de la construction de son illustre prédécesseur.

Basé sur l'histoire mélodramatique de Victor Hugo, ce spectacle raconte le conte simple mais touchant de l'amour tragique du déformé Quasimodo pour la gitane Esmeralda, compliquée par ses enchevêtrements amoureux avec pas moins de trois autres hommes (allez, fille, allez!), et c'est ici à Londres qu'il a été présenté en anglais au Dominion pendant un an et demi, peu après son lancement à la fin des années 90 (dans le Palais des Congrès ressemblant à un hangar d'avion). Bien qu'il s'agisse d'un opéra rock(-ish) chanté de bout en bout, il est loin de l'urgence dramatique des 'Misérables', et ne doit pas être abordé de la même manière. En fait, c'est une séquence de morceaux 'chansons' assez statiques, des chansons indépendantes qui peuvent être entendues et appréciées seules. Cela n'est guère surprenant, bien sûr, quand on considère que le compositeur, Richard Cocciante, vient d'un horizon de musique pop (française). Le spectacle ressemble donc plutôt à une version médiévale étendue de l'Eurovision où seul la France aurait été autorisée à entrer des chansons : d'un point de vue francophone, peut-être une situation idéale !

Angelo Del Vecchio (Quasimodo) et Hiba Tawaji (Esmeralda). Photo: Alessandro Dobici

Les textes de Luc Plamondon sont écrits dans une combinaison de français et de québécois (le méchant principal, Frollo, est ici interprété par son créateur, le Manitobain, Daniel Lavoie), et - franchement - ils sonnent beaucoup mieux dans l'original, même si Jeremy Sams a fait une traduction anglaise élégante et fidèle pour les surtitres (vous pouviez y jeter un coup d'œil de temps en temps, mais vous n'aviez vraiment pas besoin de les suivre : l'action sur scène était d'une simplicité évidente et très, très, très facile à suivre). Avec une distribution francophone chantant dans leur propre langue, c'était un régal pour les puristes de la musique. Cependant, à plus d'une occasion, on avait l'impression que les personnages, au lieu d'arborer les vêtements quasi-15ème siècle de Caroline van Assche, ou de prendre des poses contre le décor brutaliste gris de Christian Raetz, auraient été plus à l'aise perchés sur des tabourets hauts et étroits, et chantant les uns aux autres avec l'aide de micros-crayons argentés dans une émission de variété télévisée d'il y a peut-être 40 ans ?

En fait, tout l'esprit de spectacle télévisé aurait pu faire quelque chose pour améliorer la chorégraphie sinueuse et plutôt répétitive de Martino Mueller. Chacune des chansons est vraiment conçue comme une entité unique et leur efficacité collective n'est pas, en fait, renforcée en étant présentée comme si elles faisaient toutes partie d'un tout. Loin de là. Dans le véritable esprit de la chansonnerie française, chaque unité individuelle capture - parfaitement, je dois ajouter - une humeur très spécifique et particulière. Plus le concepteur de lumières, Alain Lortie, ou le metteur en scène, Gilles Maheu semblaient saisir cela, plus le spectacle devenait significatif.

La distribution de Notre-Dame de Paris. Photo: Alessandro Dobici

Pendant ce temps, le casting était une parure visuelle mais aussi vocale pour la production. Hiba Tawaji, Libanaise, a donné une performance somptueuse en tant que gitane condamnée : sans un seul cheveu hors de place, elle a survécu à la pauvreté et est morte en prison en paraissant toujours parfaitement magnifique dans une sorte de tenue floue Dior plus tard remplacée par un autre genre de peignoir en laine. L'un de ses amants, capitaine de la garde, Phoebus, le remarquablement beau Martin Giroux, avait l'air remarquable dans un top en cotte de mailles Paco Rabanne (avec fermeture à glissière décentrée) sur une paire de jeans noirs bien ajustés. Vous voyez le genre ? Et tous les autres étaient présentés avec la même sensibilité couture raffinée. Lavoie était majestueux dans un ensemble rigide à la Karl Lagerfeld ; Quasimodo - le merveilleux baryton, Angelo Del Vecchio, importé d'Italie (autrefois peut-être contrôlée par la France?), était plus funky dans une manière colorée à la Jean-Paul Gaultier ; et le narrateur, le poète Gringoire (une performance superlative de Richard Charest - qui avait amené tout un fan club à la salle) était plus du style traditionnel, une figure à la Yves Saint Laurent ; Alyzee Lalande nous a offert une sorte de Jane Birkin en tant que Fleur-de-Lys, dans l'un des moments plus improvisés de Givenchy, peut-être ; et Jay était un gars plus musclé et brut à la Thierry Mugler. Ils avaient l'air - et sonnaient - tout simplement super !

Il y avait aussi un chœur, qui était enveloppé dans des morceaux de ceci et de cela, ce qui ne distraçait jamais des tenues des principaux ; et puis, dans un clin d'œil discret à la sensualité, une escouade de cinq super-acrobates musclés et souples apparaissait fréquemment torse nu, impressionnant tout le monde avec leurs torses remarquablement ciselés et puissants et leurs mouvements phénoménaux. En fait, leurs acrobaties étaient le point culminant dramatique de la production, dont le sens remarquablement austère de l'action scénique rappelait davantage les rigueurs de Corneille que l'opulence sensuelle du Lido.

La distribution de Notre-Dame de Paris. Photo: Alessandro Dobici

On ne peut pas en dire autant de la musique. Tous les cœurs ont été conquis par les pouvoirs mélodiques irrésistibles de l'orchestre (principalement une bande d'accompagnement préenregistrée, nous offrant les arrangements splendides de Cocciante lui-même et aussi de Serge Perathoner et Jannick Top) ; ostensiblement, ils étaient tous sous la baguette métronomique du suiveur de bande Matthew Brind, qui gardait la compagnie d'une poignée de cordes de l'orchestre ENO en direct dans la fosse presque déserte.

C'est un type particulier de divertissement ; pas au goût de tout le monde, certes, mais alors - qu'est-ce qui l'est ? Pour une semaine au Coli, cependant, il attire certainement suffisamment de foules pour remplir l'endroit, et quelle belle foule ils étaient : ultra-cosmopolite, un public international faisant valoir encore une fois que Londres est une capitale culturelle mondiale. Je n'avais aucune idée de quoi m'attendre en allant voir ce spectacle, et je suis tellement content d'y être allé. J'ai été charmé et enchanté, désarmé et séduit par lui. Comme c'est français !