CRITIQUE : No Villain, Old Red Lion Theatre ✭✭✭✭✭

George Turvey et Helen Cole dans No Villain. Photo : Cameron Harle No Villain

Old Red Lion Theatre

10/12/15

5 Étoiles

Le centenaire de la naissance d'Arthur Miller a donné lieu à de nombreuses reprises notables de la série continue de pièces célèbres qu'il a écrites à la fin des années 1940 et dans les années 1950. Il a également mis en lumière, de manière bienvenue, opportune et révélatrice, des œuvres négligées de ses premières années, notamment The Man Who Had All The Luck, que le King's Head Theatre a mis en scène il y a quelques mois. Étant donné l'ampleur de la littérature universitaire qui l'entoure, ainsi que des écrits autobiographiques de Miller lui-même, on pourrait penser qu'il n'y a plus grand-chose à dire sur la formation et le développement de sa carrière. Pourtant, c'est l'achèvement du réalisateur Sean Turner ici d'avoir fait quelque chose que personne ne pouvait prévoir – nous donner la première mondiale de la toute première pièce de Miller, No Villain, dans une production superlative qui montre déjà le style de l'auteur en action. La soirée de presse, jouée devant des personnes créatives très distinguées, a été une nuit triomphale au théâtre pour tous les concernés. Dans ses mémoires Timebends, Miller mentionne cette pièce en passant comme la plus autobiographique de ses écrits, mais en dit peu plus. Elle a été écrite en 1936 alors qu'il n'avait que 21 ans et fréquentait l'Université du Michigan. L'entreprise de confection de son père avait échoué et il devait remporter un prix d'écriture afin de pouvoir subvenir à ses besoins. Il l'a fait, mais une fois l'objectif atteint, la pièce n'a jamais été jouée et les brumes du temps se sont refermées sur elle. Elle n'était pas connue de l'Estate Miller et le réalisateur Sean Turner ne l'a finalement retrouvée que dans les archives de l'université avant d'obtenir la permission de la monter en production.

Adam Harley dans No Villain. Photo : Cameron Harle De nombreuses pièces sont remontées pour la réputation ultérieure de l'auteur, pour ensuite ne pas justifier leur réputation, mais No Villain n'est pas de cette catégorie. Bien qu'elle ne soit pas un chef-d'œuvre perdu, c'est une belle œuvre d'écriture complètement absorbante en tant que drame et remarquable par le fait que le style caractéristique de l'auteur est déjà en grande partie en place en termes de thèmes et de technique.

L'action se déroule pendant quatre-vingt-dix minutes, et pour quiconque connaît l'œuvre de Miller des dix années suivantes, on se sent immédiatement chez soi dans le scénario. Les tensions au sein d'une famille et sur le lieu de travail sont au premier plan : pères contre fils, frères entre frères. Le conflit entre ce qui est bon pour l'individu et ce qui est bon pour la communauté est présent dès le début, montrant la prise unique de Miller sur une veine de drame qui existe depuis les Grecs, révélant ici plus qu'une trace d'Ibsen. Le rôle de l'idéologie – le communisme dans ce cas – est exploré et la ligne de faille qu'elle crée lorsqu'elle est confrontée au tiraillement rival des loyautés personnelles et familiales est le foyer principal.

La voix est déjà pleinement formée aussi. Le dialogue montre une maturité et un équilibre remarquables. Il est à la fois imagé et convaincant dans sa naturalité, sans être ostentatoirement littéraire. Les personnages, même les secondaires, sont bien contrastés, avec de nombreuses opportunités pour un humour naturaliste ainsi que pour de plus grandes scènes dramatiques. Surtout, nous voyons à l'œuvre cette compétence caractéristique de Miller à créer une séquence intolérable de pressions et de fardeaux sur les êtres humains pour voir si le carbone transmute en diamant ou se brise sous la pression.

L'action alterne entre un appartement de grâce fanée occupé par la famille Barnett, en déclin social, et un bureau d'usine de confection dirigé par le père Abe Barnett (David Bromley). Deux créations atmosphériques, détaillées, mais aussi simplement élégantes de Max Dorey font des merveilles dans l'espace confiné de l'Old Red Lion, rendant les transitions de scène sans effort. Les fortunes de la famille déclinent déjà durant la Dépression. La mère Esther (Nesba Crenshaw) montre déjà des signes d'hystérie, et Abe oscille entre anxiété et désinvolture volubile alors qu'il tente de garantir que son usine puisse continuer à fonctionner malgré une grève qui bloque l'expédition des marchandises. Le fils aîné Ben (George Turvey) a abandonné ses propres études pour aider son père à diriger l'entreprise ; le fils cadet Arny (Adam Hartley) est à l'université et a embrassé le marxisme, et la jeune sœur Maxine (Helen Coles), un rôle quelque peu sous-écrit, profite de la vie d'adolescente tout en ignorant largement la cocotte-minute familiale. Le plus malheureux de tous est Grandpa Barnett (Kenneth Jay), le moins capable de s'ajuster à la vie dans des circonstances restreintes.

Tout le monde fait face à des choix moraux difficiles : Abe et Ben utilisent-ils tous les moyens possibles pour faire passer leurs marchandises même si cela met leurs travailleurs en danger ? Arny aide-t-il l'entreprise familiale ou suit-il ses principes communistes ? Ben suit-il un mariage sans amour qui sauverait les fortunes de sa famille ? Esther peut-elle maintenir la famille unie et en harmonie, ou doit-elle choisir entre son mari et son père ? Et les reliant tous, il y a la question de savoir comment conserver un mince fil rouge d'intégrité personnelle quand les tiraillements en concurrence de la loyauté envers le principe et les personnes pointent vers des voies différentes et contradictoires…

Nesba Crenshaw et David Bromley dans No Villain. Photo : Cameron Harle. Ces dichotomies mettent en place des argumentations extraordinairement intenses et des échanges puissants qui donnent le frisson du vrai Arthur Miller à l'œuvre. Les échanges entre les deux frères, à la fois affectueux et rivalitaires, sont absolument captivants et constituent le véritable moteur du développement de la pièce ; et les tensions sur le lieu de travail entre Abe et Ben tiennent bien la comparaison avec des moments parallèles dans All My Sons et Death of a Salesman. Il y a aussi des moments tendres entre père et fille, mère et fils, qui donnent également un sens impressionnant de l'étendue et de la maturité de Miller même alors qu'il était un jeune écrivain.

Il y a cependant quelques problèmes avec la pièce qui doivent être notés, des problèmes auxquels on pourrait s'attendre de la part d'un dramaturge inexpérimenté. Il y a quelques discours maladroits, y compris un résumé des doctrines communistes que le Miller plus âgé aurait coupés, et la direction de l'écriture se déplace d'une manière quelque peu non structurée que le Miller plus âgé n'aurait pas permise. Le focus au début, lorsque la famille attend le retour d'Arny de l'université, est de mettre en place un potentiel de conflit entre ses valeurs et celles de l'entreprise familiale – communisme contre capitalisme. Cependant, cela ne vient jamais vraiment. Alors qu'Arny refuse d'aider pendant la grève, le conflit attendu avec son père n'a jamais vraiment lieu, et Arny lui-même est marginalisé dans le dénouement de la pièce.

Au lieu de cela, Miller devient beaucoup plus intéressé par le frère aîné Ben, dont les choix et la personnalité se compliquent au fur et à mesure que l'action se développe. Ben est en fait aussi sympathique à la cause des travailleurs tout en essayant de jongler avec son engagement envers sa famille et de se construire un avenir indépendant. Dans la confrontation la plus puissante de la pièce entre les deux frères, Ben fournit une critique cinglante des choix idéologiques simplistes et nous sommes invités à considérer que l'homme qui essaie au moins de réconcilier les éléments irréconciliables de la vie quotidienne est le véritable héros. C'est Ben aussi, pas Arny ou Abe, qui réalise le dernier acte d'affirmation existentielle à la toute fin de l'action.

Cette fin m'a laissé avec des sentiments mitigés. Elle est mélodramatique, mais ce n'est pas vraiment le problème, car cela a toujours fait partie de l'art de Miller de mélanger un naturalisme brut avec des moments de mélodrame intense qui semblent exactement justes, voire inévitables, lorsqu'ils se produisent. C'est plutôt que cette fin semble plus être un nouveau départ qui soulève toute une nouvelle série de questions. Dans une pièce de cette longueur, on s'attend naturellement à ce que nous retournions pour une seconde partie dans laquelle ces nouvelles directions seraient explorées. J'ai senti que la plupart des gens dans le public étaient surpris donc que la pièce se conclut telle qu'elle l'a fait plutôt que par un affrontement père-fils vers lequel elle semblait se diriger pendant une grande partie de son parcours. Si Miller avait revisité ce texte, je soupçonne qu'il aurait pu prolonger ces possibilités plus loin dans une soirée complète.

Les performances sont uniformément excellentes dans cette production. Turvey a le rôle le plus exigeant à réaliser en termes de développement et de complexité du personnage, et il le fait superbement. Son interprétation de Ben a une gamme émotionnelle exemplaire et un grand cœur qui relève pleinement les défis qui lui sont posés. De même, Bromley fait un très bon travail en affichant les compétences commerciales fanées d'Abe et sa perte de confiance en soi aux côtés d'une défiance épineuse face à la contradiction. Son portrait d'un homme vivant au bord de ce qu'il peut gérer et traiter est très réussi. Il serait facile pour Crenshaw de jouer Esther de manière excessive, mais les gradations de son effondrement émotionnel sont bien calibrées et contrôlées et cela donne une performance plus émouvante en conséquence. Hartley saisit bien ses moments dans un rôle qui perd de l'intérêt dans l'écriture vers la fin, mais il rend aussi Arny plus sympathique et humain qu'il ne pourrait l'être entre d'autres mains. Kenneth Jay, Stephen Omer et Anton Cross façonnent de beaux moments détaillés à partir des personnages secondaires.

Il est difficile de voir comment le côté production pourrait être mieux fait. C'est vraiment un de ces cas où la discipline d'un petit espace de performance stimule les dividendes créatifs. Non seulement les décors sont un miracle d'évocation concise de la période et de praticité, mais ils sont renforcés par un design d'éclairage granuleux et mystérieux de Jack Weir, utilisant une gamme de luminaires d'époque, et une séquence évocatrice d'interludes jazzy du concepteur sonore Richard Melkonian. Turner dirige avec un style fluide et bien rythmé qui donne l'impression que l'espace est plus grand qu'il ne l'est, tout en donnant de la précision et de l'intensité aux échanges en tête-à-tête clés.

Tous ceux qui ont participé à cette production méritent les plus hauts éloges. La programmation de l'Old Red Lion ces dernières saisons a été remarquable dans son mélange de nouvelles œuvres et dans la récupération méticuleuse d'œuvres négligées ou oubliées par des auteurs bien connus. Si cette pièce se transfère, comme elle le mérite, ce sera une autre justification du jugement artistique de la direction. La distribution et l'équipe créative sont entièrement dévouées à ce travail et en font le meilleur plaidoyer possible. Plus que tout, le directeur devrait recevoir tout le crédit pour sa détermination entrepreneuriale à retrouver cette œuvre fugitive et à la présenter avec autant de ferveur et de bon goût stylistique. La pièce elle-même obtiendrait quatre étoiles de ma part, mais les valeurs de production exceptionnelles et l'expérience globale de la soirée me permettent d'ajouter une étoile finale au sommet de l'arbre.

No Villain reste à l'affiche à l'Old Red Lion jusqu'au 9 janvier 2016