CRITIQUE : Nell Gwynn, Globe Theatre ✭✭✭

Nell Gwynn

Globe Theatre

24/09/15

3 Étoiles

Lorsque vous vous trouvez dans la Long Gallery d'une maison de campagne anglaise, il n'est pas rare de passer devant une myriade de Beautés de la Restauration peintes par Lely ou Kneller. C'est une expérience anesthésiante et déprimante de voir ces femmes dépourvues de personnalité et de vie, toutes réduites à des versions identiques de ce que l'œil masculin errant du roi Charles II souhaitait voir. Jusqu'à ce que, soudain, vous tombiez sur un portrait de Nell Gwynn. Les peintres n'ont pas réussi à étouffer son individualité. Tête penchée sur le côté, décolleté résolument exposé, impertinente et clairement argumentative, elle se distingue de la foule, prête à répondre avec une réplique spirituelle plus qu'à la hauteur de toute critique ou moquerie qui pourrait être avancée.

Dans la dernière pièce de la saison rigoureusement intitulée « Justice et Miséricorde », le Globe propose ce qui, en termes grecs, pourrait être qualifié de pièce satirique, qui tente de retrouver l'esprit espiègle de Nell, tout en offrant un peu plus qu'une célébration tumultueuse des « Jours dorés du bon roi Charles ». Il y a ici aussi un but sérieux : à savoir fournir un compte rendu de la naissance et du développement initial de la comédie de la Restauration en présentant Nell comme sa sage-femme spirituelle et en partie consciente.

Dans tous les sens, l'« Austérité » est bannie – en effet, lorsque le roi Charles (David Sturzaker) proclame explicitement sa fin, cela déclenche le plus grand (quoique le plus prévisible) applaudissement de la soirée. La somptuosité est à l'ordre du jour, et cela se voit dès le début dans la manière dont la scène du Globe est parée de riches draperies festonnées et de cordages de soie, le tout focalisé sur une loge royale à niveau de balcon qui arbore le plein appareil des armoiries royales. Les costumes et les perruques sont de l'époque de manière similaire, jusqu'au dernier faux-cul, volute et chapeau outrageusement surdimensionné, une belle démonstration du département costumes du Globe, supervisé par Binnie Bowerman.

La pièce est écrite par l'auteur récompensé Jessica Swale et poursuit essentiellement deux thèmes de part et d'autre de l'entracte. La première moitié est avant tout concernée par l'ascension de Gwynn d'une enfance sombre dans un bordel de Covent Garden et travaillant à la périphérie du théâtre comme vendeuse d'oranges à Drury Lane. De là, sa vivacité de personnalité attire l'attention de Charles Hart, l'un des acteurs principaux de l'époque, et lui ouvre les portes de l'une des deux compagnies théâtrales rivales qui testaient les eaux avec le public après la Restauration et la fin de l'interdiction puritaine du théâtre.

La grande opportunité de Gwynn - et celle d'autres femmes issues de milieux modestes en pleine ascension - venait du fait que Charles était allé plus loin que simplement restaurer le théâtre - il avait permis aux femmes de se produire sur scène, tout comme c'était le cas à Paris pendant ses années d'exil. Elle a exploité l'appétit pour des comédies mythologiques légères et aériennes, en particulier celles écrites par Dryden, qui privilégiaient les femmes capables de chanter, de bouger et de bien danser, plutôt que de simplement prendre des « postures » stylisées pour encapsuler les humeurs du texte.

Bien sûr, les publics contemporains cherchaient également à voir des femmes se déguiser en hommes dans des rôles ajustés de « culottes » avant d'être dévoilées avec plus qu'un peu de révélation charnelle en cours de route. Gwynn, sur ce plan (un peu comme Gypsy Rose Lee, actuellement jouée ailleurs), était habile à donner au public ce qu'il voulait, mais pas trop, ni trop tôt. Elle a ensuite déployé la même stratégie avec Charles II, après qu'il l'a remarquée un soir lors d'une représentation.

La deuxième moitié de la pièce cherche à explorer comment cette stratégie a prospéré au milieu des récifs et des tromperies de la politique de cour. Une fois que Nell se retire de la scène, comment gère-t-elle la célébrité, la jalousie des autres maîtresses, les ruses des politiciens de Charles, notamment Arlington – une figure composite aux fins du drame ? Surtout, comment parvient-elle à retenir l'attention de Charles lui-même, une fois la nouveauté et l'éclat initial de leur relation passés ? La pièce suggère qu'elle a mieux réussi que beaucoup de ses rivales en percevant sa solitude essentielle derrière la façade maniérée et spirituelle, et en cherchant à le stimuler intellectuellement grâce à son esprit naturel et à le soutenir émotionnellement plutôt que, comme d'autres, par le sexe seul.

La leçon de l'histoire et de cette pièce est qu'elle a largement réussi. Elle était la seule maîtresse à long terme qui a survécu sans ressources indépendantes et sans patronage. Aucune autre favorite n'a réussi à monter aussi haut dans la hiérarchie à partir de débuts aussi bas, et elle a réussi cela principalement en percevant que si elle ne revendiquait pas un titre pour elle-même mais uniquement pour ses fils, elle diminuerait la jalousie. C'était un triomphe à la fois de ruse astucieuse et de chaleur personnelle authentique, une combinaison gagnante sur scène et dans la vie.

Dans l'ensemble, la première moitié est plus réussie que la seconde – il y a une histoire à raconter et une trajectoire à décrire, et Swale maintient à la fois le récit personnel et l'histoire du théâtre en tandem élégant. Après l'entracte, l'action est nécessairement plus aplatie et statique et dépend de querelles plutôt artificielles et de disputes stylisées dont les résultats semblent assez prévisibles et sans conséquence.

Le contrôle du ton fonctionne globalement bien. Ce n'est pas une imitation de la comédie de la Restauration, mais tout de même, les dialogues sont percutants et parfois spirituels, et supportés par d'excellentes chansons composées par Nigel Hess, qui touchent à nouveau aux notes d'époque sans sembler précieuses, insipides ou charmlessly vulgaires. Cela dit, le monde avisé et manipulateur de Blackadder n'est parfois pas loin, et les acteurs jouent parfois – ou sous-jouent – cela sans honte. Le public a adoré, et peut-être que cela doit être ainsi, car cette série doit maintenant être le point de référence et d'entrée dans la culture populaire pour la plupart d'entre nous dans ce genre.

Étant donné la tonalité générale de la comédie à grands traits et le besoin de projection à grande échelle de la scène du Globe, les performances étaient nécessairement généralisées, mais néanmoins très efficaces. Le metteur en scène Christopher Luscombe a maintenu le rythme très soutenu et les scènes se sont enchaînées de manière transparente avec beaucoup de chorégraphies pleines de vivacité en cours de route.

Dans le rôle-titre, Gugu Mbatha-Raw possède le bon mélange plausible d'insolence et de charme fougueux, et chante et danse bien, mais pas trop bien. La scène précoce dans laquelle l'amical Hart (Jay Taylor) lui apprend à prononcer des dialogues est un très bon exercice pour montrer comment le théâtre de la Restauration fonctionnait, et que l'engagement du public vivant comptait bien plus que des nuances d'interprétation sophistiquées. Parmi les acteurs de la « King's Company », on remarque Greg Haiste dans le rôle de l'imitatrice outrée et scandaleuse de femmes, Edward Kynaston, et la costumière et factotum général, Nancy, qui a pratiquement volé la vedette maintes et maintes fois dans ce que vous pourriez appeler le rôle de « Baldrick ». Graham Butler a également fureté et s'est énervé dans le rôle d'un jeune John Dryden, un rôle quelque peu sous-écrit.

À la cour, le Charles de Sturzaker a conservé juste le bon air de danger et de réserve pour préserver sa dignité et son autorité au-dessus de la mêlée, et David Rintoul a démontré cinquante nuances de désapprobation envers le fonctionnement autour de lui tout en poursuivant sa propre marque de perfidie politique. Il y a eu des performances vivantes de la part de Sasha Waddell dans le rôle de deux maîtresses de Charles, contrastées – la venimeuse Castlemaine et la hautaine Louise de Keroualle, facilement moquée ; et Sarah Woodward a réussi à être méconnaissablement différente en incarnant la l'acerbe reine Catherine et la mère proxénète de Nell, Ma Gwynn. Anneika Rose jouait la sœur de Nell, jouant le rôle de conscience et de repoussoir à des moments clés.

Bien qu'il y ait des moments plus sérieux à trouver dans cette pièce, notamment axés sur les opportunités pour les femmes dans le nouveau théâtre des années 1660, il n'y a aucun intérêt à insister trop loin pour des couches de signification profonde dans cette friandise mousseuse. Le mystère de Nell Gwynn reste aussi énigmatique que le sourire dans ces portraits contemporains. Mais il fournit certainement une fin charmante à ce qui a été une saison principalement très sérieuse et stimulante au Globe, et représente une manière divertissante de passer l'une de nos soirées d'automne actuellement dorées.

Nell Gwynn se joue au Globe Theatre jusqu'au 17 octobre 2015