CRITIQUE : Mes Enfants ! Mon Afrique, Trafalgar Studios 2 ✭✭✭✭

Mes Enfants ! Mon Afrique !

Trafalgar Studios 2

10 août 2015

4 étoiles

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Ça a l'air sombre. Inquiétant. Il y a des fils de fer barbelés. C'est la première chose que vous remarquez. Les fils de fer barbelés. Ensuite, vous voyez qu'il y a une sorte de zone de confinement, entourée par les fils de fer barbelés. Cela ressemble à une cour d'exercice dans une prison de haute sécurité. Ou un camp de concentration. Un mauvais endroit, en tout cas.

Derrière la zone de confinement, trois personnes s'assoient en silence. En attente. La femme a la peau blanche; les hommes ont la peau noire. Il y a deux portes menant à la zone de confinement et elles sont toutes spécifiquement marquées : seules les personnes de la bonne couleur de peau peuvent utiliser les portes. Puis vous remarquez la séparation dans le petit passage derrière la zone de confinement. Le trio en attente est séparé; ils pourraient sembler être assis ensemble mais ils ne le sont pas.

Des extraits d'enregistrements audio de discours, rassemblements, reportages, résonnent doucement à travers l'auditorium. Il n'y a pas de climatisation, alors l'espace devient vite chaud, très chaud, et sec. Regarder le trio silencieux à travers le prisme des fils de fer barbelés, l'évocation d'une prison oppressive, est inconfortable, inquiétant, choquant. Cela capture parfaitement le sentiment de l'Apartheid.

Cela est Mes Enfants ! Mon Afrique !, le regard sans concession d'Athol Fugard sur le changement générationnel, l'éducation et l'utilisation de la violence dans l'opposition politique en Afrique du Sud, au sommet de l'ère de l'Apartheid. Mis en scène par Roger Mortimer et Deborah Edgington, cette renaissance captivante et dérangeante, produite par Two Sheds, est actuellement à l'affiche à Trafalgar Studios 2.

Il est difficile de se souvenir d'une production récente de drame où les éléments de design ont joué un rôle si profondément important dans la compréhension de la production. C'est presque comme si le décor, l'éclairage et le son étaient eux-mêmes des personnages dans le récit. Le décor de Nancy Surman est remarquable. Sa présence constante et symétrique suggère ordre et oppression à parts égales, et un sentiment étouffant de détention prolongée. Les panneaux indiquant l'entrée par couleur ne sont pas intrusifs; leur menace et horreur résident dans leur qualité quotidienne.

Le décor vous rappelle constamment qu'à l'époque en question, l'Afrique du Sud était comme cela : une prison implacable et dure, où des choses indicibles se produisaient dans l'ombre, où les gens blancs et noirs étaient divisés et gardés dans l'obscurité, où le changement ne venait pas assez vite. L'obscurité est une force tangible dans la pièce et le design d'éclairage exceptionnel de Jack Weir assure que l'obscurité sous toutes ses formes est une constante - même lorsque la lumière brille ou brûle, Weir ne vous laisse jamais oublier la présence et le pouvoir de l'obscurité. Les niveaux de lumière vont et viennent, horizontalement et verticalement; des ombres dansent sur les visages, couvrent les traits, obscurcissent l'action. Les états modifiés de lumière et d'obscurité reflètent ou dévient la lumière et l'obscurité dans le caractère et le discours. La peur et l'espoir sont transmis avec expertise par le contrôle de l'obscurité par Weir.

Et, tout au long, ponctuant et accentuant les développements de l'intrigue ou les changements dans la dynamique des relations sur scène, le design sonore d'Erin Witton atteint son objectif déstabilisant. Subtil souvent, parfois explosant en violence ou dissonance, le paysage sonore de Witton permet aux ombres de Weir de valser dans l'enfer des fils de fer barbelés de Surman. La fusion de ces éléments donne à toute la production une sensation opéra-ballet qui convient parfaitement à l'imagerie fleurie de Fugard et aux aspects grandioses de l'écriture.

La pièce concerne trois personnages : un enseignant et ses deux élèves. L'un des élèves est une fille blanche d'une famille aisée. L'autre est un garçon noir très intelligent. L'enseignant a vécu une vie difficile, consacrée à l'enseignement. L'insistance du gouvernement pour que les élèves noirs soient enseignés séparément et différemment de leurs homologues blancs a affecté l'enseignant, M. M (oui, il n'a pas le même initial du nom que Mandela pour rien) qui est opposé aux écoles bantoues (où des cours inférieurs sont donnés aux élèves noirs) et cherche, de manière douce, à subvertir le système.

Il encourage les élèves spéciaux dotés d'un talent évident. Quand la pièce débute, c'est une des occasions où la rébellion subtile de M. M est en action: il y a un débat et l'élève noir très intelligent, Thami, débat avec l'élève blanche très intelligente, Isabel. M. M veut que les deux travaillent ensemble, apprennent ensemble. Il sait que Thami bénéficiera de l'exposition à Isabel. Il a raison.

Dans l'une des scènes les plus glorieuses de la pièce, les deux élèves se défient mutuellement sur leurs connaissances de la littérature anglaise. Ils sont très impressionnants, jonglant avec des faits et des citations de personnages tels que Wordsworth ; et la joie particulière qui vient de jouer l'un contre l'autre les voit tous deux exceller, et le rapport, le badinage et le rivalité dans cette scène pourraient être ceux de collègues à Eaton. Ce qui, bien sûr, est le point : cultiver des esprits brillants, quels que soient leurs antécédents et leur couleur de peau, et l'excellence suivra.

Mais le peuple de Thami en a assez et la violence est à l'ordre du jour, tandis que les mécontents et les opprimés cherchent à forcer le changement. Thami est contraint de choisir, de tourner le dos aux méthodes de désobéissance civile de M. M. Cela mène à une lutte entre M. M et Thami, avec Isabel en spectatrice fracturée et incertaine.

L'écriture de Fugard est grandiose en échelle, piquante en détail, captivante par endroits mais aussi fatalement imparfaite. Elle est à la fois révélatrice et confortable et ne repose pas facilement dans cette étrange configuration. Le côté poétique du récit est remarquable mais il contraste maladroitement avec la dureté de la réalité; en même temps, le choc des styles fonctionne étonnamment bien, mais il y a une insatisfaction persistante avec la forme et le but qui nuit à l'effet global.

Un jeu d'acteur superbe peut surmonter ces problèmes structurels. Alors que le casting ici est assez merveilleux par moments, ils ne sont pas tout à fait à la hauteur de la tâche fixée par Fugard. Ils doivent à la fois embrasser les défauts de l'écriture et les surmonter - et ils y parviennent presque. Mais il y a une légère tendance au mélodrame qui hante les trois performances, peut-être issue de l'écriture quelque peu exotique, qui tend à saper le drame.

La meilleure performance vient de Nathan Ives-Moina en tant que Thami. Il est envoûtant en tant que l'étudiant noir qui veut être éduqué mais qui succombe à la pression de ses pairs et change de chemin. Les scènes les plus belles de cette production (en dehors du débat littéraire animé) impliquent sa lutte avec lui-même concernant le chemin à prendre - l'évolution lente de M. M ou la perturbation immédiate de la violence.

Rose Reynolds et Anthony Ofoegbu sont tous deux en bonne forme en tant qu'Isabel et M. M respectivement, mais tous deux sont enclins à des moments de mélodrame dans Eastenders. Deux metteurs en scène auraient dû être capables de maintenir les performances sur le droit chemin concentré, donc on suppose que le résultat était intentionnel, et, si c'est le cas, c'est une erreur de jugement. Ce qu'il faut, c'est un jeu parfaitement droit pour tirer le meilleur parti du texte.

Ce sont, cependant, des quibbles. Dans l'ensemble, le décor, l'éclairage, le son et le jeu - ça fonctionne. C'est captivant et questionnant. Bien que Fugard l'ait écrit sur l'Afrique du Sud, la pièce concerne toute société ou culture où les gens sont traités différemment, notamment en matière d'éducation. Compte tenu de l'assaut actuel sur la culture dans les écoles et des guerres de classe qui définissent la Grande-Bretagne moderne, la pièce a de résonances dans de nombreux domaines - NHS ou pas NHS pour l'un.

La pièce de Fugard parle d'injustice, de distinctions irrationnelles, et d'un échec de valeurs appropriées. Ses résonances s'étendent bien au-delà de l'Afrique du Sud.

Mes Enfants ! Mon Afrique joue aux Trafalgar Studios2 jusqu'au 29 août 2015