CRITIQUE : Muted, The Bunker ✭✭✭

Tori Allen-Martin et David Leopold dans Muted Muted

The Bunker

Dimanche, 11 décembre

3 Étoiles

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Cette nouvelle pièce de théâtre musical fascinante a une histoire longue et complexe. Elle s'est d'abord manifestée sous le nom de ‘After The Turn’ au Courtyard Theatre en 2012 – où elle a été saluée par Mark Shenton comme ‘le ‘Rent’ britannique’. Après de nombreuses réécritures de la dramaturge Sarah Henley et des paroliers Tori Allen-Martin et Tim Prottey-Jones, je l'ai découverte plus tôt cette année à l'Actors’ Church à Covent Garden, où elle a été présentée – avec grand succès - dans une performance concert avec un casting du West End très fort. Le directeur Jamie Jackson a beaucoup mis en avant le contenu musical, utilisant un groupe de session époustouflant situé dans la sacristie, dont les sons étaient diffusés dans l’‘auditorium’, où les morceaux étaient vraiment ‘livrés’ avec une énergie et une excitation formidables; MD Simon Lambert a supervisé le processus de coordination de l'action sur les marches du chancel avec ce que le groupe faisait dans un coin lointain du bâtiment avec un contrôle magistral et flair. C'était vraiment un événement palpitant.

Les écrivains semblaient avoir trouvé une mine d'énergie et de vitalité dans une histoire de tragédie quotidienne, du genre qui jonche les pages du Evening Standard tous les jours. Un conte triste de personnes prisonnières du destin et de la malchance, mais indomptables dans leur détermination à persévérer. Même s'il se passait peu de choses sur scène, ce que nous avions – parfaitement exprimé dans l'église – était une sorte d'oratorio urbain moderne: ambitieux dans sa vision créative et magnifiquement attractif dans son expression musicale.

Helen Hobson dans Muted

Qu'il est merveilleux, alors, de voir le nouvel ‘The Bunker’ entreprenant (le repaire souterrain du théâtre avant-gardiste et aventureux à côté du Menier) le prendre comme sa prochaine offre, occupant le créneau souvent lucratif des vacances de Noël et du Nouvel An. Les espoirs sont certainement grands pour cette jeune lionne de bête. Il est réservé pour une série solidement remplie d'un mois. Stephen Fry a décrit le spectacle comme ‘renversant’, et en entrant dans le théâtre, on est certainement ébloui par la conception du décor de Sarah Beaton: une boîte noire menaçante, ornée d'un triangle inversé de lumière blanche (éclairage par Zoe Spurr) qui brille de façon inquiétante derrière une balançoire centrale suspendue au-dessus d'une piscine géométrique noire enfoncée dans le podium noir de la scène surélevée. C'est magnifique et c'est une déclaration visuelle que vous n'oublierez pas de sitôt.

Mais qu'est-ce que cela a à voir avec l'histoire? C'est moins clair. C'est quelque chose d'analogue à un puzzle, qui a été laissé au public pour être déchiffré au cours des deux heures et demie suivantes. Une mise en scène aussi abstraite est une solution résolument radicale à une pièce écrite avec le naturalisme facile et caractéristique de Sarah Henley. En fait, l'un des acteurs jouant le rôle principal, Michael, est Edd Campbell-Bird, que nous avons vu pour la dernière fois négocier un décor similaire (complété par un élément aquatique) dans la franchement expressionniste ‘Adding Machine’ au Finborough, est un rappel pertinent de la façon dont les choix de mise en scène peuvent rapprocher le public et l'histoire. On ne peut s'empêcher de se demander si ce concept de design fait de même, ou peut-être a-t-il un autre effet. Les costumes ici sont entièrement réalistes. L'éclairage ne l'est pas. Certaines productions en boîte noire fonctionnent extrêmement bien (personne qui l'a vu n'oubliera jamais le ‘Macbeth’ de Trevor Nunn avec Judi Dench et Ian McKellan, etc.). La question est : est-ce que ‘Muted’ est ce genre de spectacle?

Mark Hawkins dans Muted.

En général, le noir est une couleur qui draine l'énergie d'une production, sauf s'il est assorti d'un antidote: l'espace noir de ‘A Chorus Line’, par exemple, était illuminé de façon incandescente par la puissance flamboyante des lumières d'un grand théâtre et cet ensemble splendide de miroirs à l'arrière – et un livre et une partition d'une optimisme implacable et entraînant. C'était une banque de tam-tams d'effets, contre laquelle Interval Productions semble opposer un petit triangle. Ici, prenant sa référence de la direction musicale délicatement équilibrée et des arrangements pour un groupe de rock superbement discipliné de Gus Isidore, guitare, Greg Pringle, basse, et Stephen Street, batterie. Gerber compose également la musique d'ambiance, et tout au long, il garde les contours musicaux ici doux, presque délicats, dans la conception sonore de Max Perryment. Le chant est soigneux et réfléchi; seule la partie de Lauren semble élever la musique pour qu'elle prenne son envol, créant un effet agréable. Ailleurs, le ton sérieux prévaut, le sérieux est l'attitude et la livraison est parfois presque rigide dans sa formalité. Cela s'étend à chaque coin de la production, qui en vient à ressembler à un jardin japonais de rocailles extraordinaire, qui au lieu de pierres est rempli de sculptures humaines qu'on ne peut jamais toutes voir d'un seul point de vue.

Interval Productions a 100 sièges à remplir, sept spectacles par semaine, pendant un mois, et lors de la performance à laquelle j'ai assisté environ un tiers des sièges étaient occupés. La compagnie croit en ce qu’elle fait, et beaucoup d'autres personnes aussi : sa campagne Kickstarter a confortablement récolté les 10 000 £ demandés. Cependant, plus de fonds sont nécessaires, donc, si vous êtes enthousiasmé par ces iconoclastes, veuillez envoyer un chèque. Le chemin vers un nouveau théâtre musical peut être traîtreux. Récemment, au LOST Theatre, une production tout aussi sévèrement configurée (‘Fables for a Boy’) a joué quelques semaines, et a eu du mal à trouver un public. Même le National avec ‘The Pacifist’s Guide to the War on Cancer’ a mené une lutte de tous les instants pour conquérir les cœurs et les esprits avec un spectacle généralement beaucoup plus joyeux que celui affiché ici. J’admire et respecte énormément la détermination artistique que ces projets exigent; mais je suis également conscient des membres du public qui trouvent difficile de ‘s'y habituer’ et peuvent en ressortir en pensant, ‘C’est très déprimant’.

David Leopold et Edd Campbell-Bird dans Muted

Ailleurs sur scène, nous avons beaucoup d’artistes de haut calibre. C’est super de revoir encore dans le rôle central silencieux, Michael, l’ex-petit ami frappé par le chagrin, interprété par David Leopold (que certains se rappelleront du musical de chambre intense ‘The Burnt Part Boys’). Ensuite, il y a la posture tendue et les mouvements félins de son remplaçant, Jake, le nouveau petit ami jaloux de Jos Slovick (vu pour la dernière fois par moi arpenter la scène du Theatre Royal Haymarket dans ‘Bad Jews’). Il y a aussi l'élégance à la parole rapide du surprenant Mark Hawkins, issu des classes moyennes et économiquement prospère, oncle jeune du héros silencieux, Will. Et les compétences éprouvées de Helen Hobson du West End données avec intensité au rôle de la mère dominatrice et alcoolique du protagoniste, Amanda, que nous voyons dans une série de flashbacks. Enfin, nous avons la voix magnifique et unique de l’une des parolières, Tori Allen-Martin, reprenant le rôle de l'aspirante aidante avec un sombre, sombre secret, Lauren. Son équipement vocal est une des grandes gloires de la scène du théâtre musical contemporain; cependant, étais-je seul en pensant qu'elle semblait souvent un peu mal à l’aise sur la plateforme résolument sombre et inconfortable érigée pour cette production? Et l'impact du reste du casting n'a-t-il pas été de même refroidi dans son effet? Et toutes leurs performances n'ont-elles pas pris une qualité plutôt statique, avec une tendance vers une fixité et même une inertie? Tout cela pourrait bien être délibéré, bien sûr. Il y a un ‘mouvement’ par Isla Jackson-Ritchie, mais nous voyons peu au-delà d'une étroite gamme de gestes de la main et du bras, réalisés dans un style falung gong depuis une position stationnaire calme. Au lieu d'embrasser et d'utiliser la structure élaborée à travers laquelle l'histoire se déroule, elle semble vouloir l'éviter. Cela aussi, pourrait bien faire partie du concept. Cependant, ce malaise est alors directement communiqué au public.

Eh bien, il y a des moments, je suppose, où l'on veut que les choses soient calmes et réfléchies. Mais veut-on nécessairement que cette humeur prédomine dans un musical? Et dans une intrigue qui manque presque totalement d’action, et en effet doit accueillir un protagoniste qui est muet pendant la majeure partie de la performance, des caractéristiques de ce genre vont-elles appuyer la capacité du spectacle à atteindre les publics? Nous verrons bien.

Jusqu'au 7 janvier 2017

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