CRITIQUE : Ma Terre Natale, Ye Olde Rose And Crowne ✭✭✭✭

La distribution de My Land's Shore. My Land's Shore

Ye Olde Rose And Crowne

10 février 2017

4 étoiles

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Il a fallu quinze ans pour le réaliser, et - enfin - ce spectacle a atteint la scène lors de sa première mondiale en production complète. C'est un accomplissement épique non seulement pour les auteurs de cette tranche de l'histoire galloise, comprenant pas moins de 35 numéros musicaux de Christopher J Orton, avec des paroles et un livret de Robert Gould. C'est aussi une merveilleuse réussite pour l'équipe créative du metteur en scène Brendan Matthew, fournissant ici son sixième spectacle récemment et prouvant qu'il est plus qu'à la hauteur du réseau complexe d'histoires qui composent ce script, travaillant avec une collaboratrice de confiance, la chorégraphe et assistante réalisatrice, Charlotte Tooth - dont la capacité à mettre en scène de grands numéros de danse animés sur une scène bondée est tout simplement miraculeuse, et avec de superbes arrangements pour le groupe de six musiciens par le directeur musical résident, Aaron Clingham. Et c'est un autre triomphe logistique pour la modeste salle au-dessus d'un pub à Walthamstow qui est l'un des principaux théâtres de répertoire non officiels du pays pour la comédie musicale. Une distribution de 18 personnes (costumées de manière imaginative par Celestine Healy) envahit un superbe décor en bois à multiples niveaux (par l'ingénieuse Joana Dias) qui s'élève vertigineusement à la pleine hauteur de la salle et offre une demi-douzaine de points de sortie (permettant souvent des mouvements très rapides de l'ensemble).

Basé sur l'histoire vraie de Die Penderyn, qui se réjouit du titre quelque peu inconfortable d'être 'le premier martyr de la classe ouvrière galloise', c'est le projet d'Orton, et une performance en atelier de sa version originale a été vue à Londres en 2005. Depuis lors, Gould est entré dans le projet et, via diverses réécritures et vitrines et enregistrements, nous sommes arrivés à la 'version' actuelle du script. Vous vous demandez s'il s'agira de leur dernier mot sur le sujet. La partition est certainement splendide, offrant une gamme véritablement opératique de chœurs tout simplement exaltants, de magnifiques solos, de puissantes scènes et de moments de sublime transcendance. Je ne sais pas comment cela apparaîtra aux auteurs, maintenant qu'ils ont l'avantage de voir le tout fonctionner sur scène, mais pour beaucoup de personnes dans le public, le spectacle semble appartenir à la fiancée du héros, Angharad (l'intense Rebecca Gilliland). Elle est déchirée entre deux hommes : son actuel amoureux, héros de la classe ouvrière Richard Lewis (le magnifique Aidan Banyard), et le sinistre souvenir du passé Jenkins (légalement séduisant, mais d'une manière maléfique, Taite-Elliot Drew). Jenkins est un esclave sombrement austère de la lettre de la loi, à qui est confiée la mission (son travail de rêve) de traquer et de détruire l'ancien protégé doré de sa conquête. Nous sommes dans les années 1830, la révolution est de nouveau dans l'air... Et si le tricolore français ne flotte pas sur les barricades érigées dans les rues de la petite ville minière où se déroulent ces événements tragiques, ce n'est pas la faute des auteurs de cet opéra moderne, qui ont - en fait - créé quelque chose qui ressemble moins à une réponse galloise à 'Les Misérables' qu'à un écho dramaturgique assez fort.

Cependant, dans l'état actuel des choses, ce dilemme central n'est pas accordé tout à fait la primauté que Boublil et Schoenberg lui auraient offerte. 'My Land's Shore' est très axé sur les garçons, où - parfois - de longues discussions politiques sont échangées avec enthousiasme. Dias incorpore même deux tours parallèles dans son décor, et Matthews place dès le début au sommet les représentants des Mines et des Usines - William Crawshay (Andrew Truluck) et Josiah Guest (Hywel Dowsell) respectivement - pour un débat qui a toute l'importance figée d'un après-midi spécial d'une chapelle méthodiste. Vous aimerez soit ce genre de choses soit vous le considérerez un peu comme une lutte. En toute justice, Victor Hugo fait quelque chose de similaire, dans son immense roman, lorsqu'il se tourmente sur le Bien et le Mal et l'Âme de l'homme, etc., mais ses adaptateurs ont été plus impitoyables avec lui en ce qui concerne la rédaction de leur livret.

Néanmoins, il y a de nombreuses fois où ce haut degré d'élévation intellectuelle fonctionne en faveur du spectacle : le point culminant de la pièce est extraordinairement sobre, et un des gars, Sean (le superbe Raymond Walsh), arrête tous les cœurs avec une chanson strophique sensationnellement simple, mais délicieusement phrasée et cadencée, accompagnée - dans un des nombreux coups de maître de l'orchestration - par une simple guitare acoustique. Obtenir cet équilibre dramático-musical est une affaire très délicate, et cela me porte à penser que le développement artistique ultérieur du script pourrait être envisagé. Il y a seulement une course de deux semaines et demie ici, et ce travail sensationnel mérite vraiment, vraiment beaucoup plus d'attention que cela.

Jusqu'au 26 février 2017

Photos : David Ovenden

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