CRITIQUE : Mothers and Sons, Golden Theatre ✭✭✭

Bobby Steggert, Frederick Weller, Grayson Taylor et Tyne Daly. Photo : Joan Marcus Mères et Fils

Théâtre Golden

20 avril 2014

3 Étoiles

On admire toujours une expérience théâtrale qui peut être à la fois divertissante et instructive; une qui peut éclairer un aspect particulier des interactions humaines et le faire briller d'une persistance qui exige l'attention. Cela peut être réalisé de diverses manières : un grand jeu d'acteur, une grande mise en scène, une grande écriture, un grand hasard peut-être même.

Actuellement à l'affiche au théâtre Golden de Broadway, il y a Mothers and Sons de Terrence McNally (officiellement, il n'y a pas de majuscules dans les titres et la conjonction de coordination est en italiques - toute explication serait la bienvenue), une production qui utilise un projecteur sans brouillard sur une vision rétrospective (principalement) de l'amour, la vie et la mort à l'époque de l'apparition fulgurante et mortelle du sida.

Katherine était la mère d'Andre qui a aimé et vécu avec Cal pendant 6 ans jusqu'à la lente et douloureuse mort d'Andre due au sida. Katherine n'a jamais rencontré Cal jusqu'à la cérémonie commémorative d'Andre, et elle ne lui a pas parlé là-bas. Après 8 années de solitude/angoisse, Cal a rencontré Will, de quinze ans son cadet, et ils se sont aimés, mariés et ont finalement eu un enfant, Bud, qui a maintenant six ans.

Soudainement, Katherine arrive à l'improviste à l'appartement de Cal et Will près de Central Park. Elle vient de devenir veuve, est en route pour l'Europe et souhaite rendre à Cal le journal d'Andre, un tome qu'elle n'a pas lu et que Cal, qui ne l'a pas non plus lu, lui a envoyé après la mort d'Andre.

La pièce commence avec Katherine et Cal regardant silencieusement, sévèrement du côté de Katherine, et béatement du côté de Cal, Central Park (le public). C’est une image d’ouverture saisissante qui prépare la scène pour ce qui suivra tel une cascade : regarder sans voir.

Bien qu'ils aient en réalité plus en commun que la plupart des paires de personnes, étant donné qu'ils ont tous deux vécu pour et aimé Andre de manière intransigeante et inconditionnelle, tous deux s'efforcent de ne pas voir la position de l'autre personne. Et le parcours de la pièce est d'examiner ces positions de manière brutale et sans fard, ponctuée de moments d'humour caustique ou ingénu.

Le problème est que cette situation et la psychologie sous-jacente de ces personnages sont bien plus complexes que ne le suggèrent parfois les débats banals qu'ils ont. Une grande partie de la douleur et de la complexité de ces deux personnages reste inexplorée dans l'écriture.

En partie, cela semble être parce que McNally écrit une sorte d'Ode à ceux qui ont été perdus et à la souffrance de ceux qui ont survécu à cette période terrible des années 1980 et 1990. S'il subsiste un doute, il est levé lorsque Will exprime sans détour l'une de ses craintes en parlant à Katherine de cette époque, qu'il n'a pas connue :

« D'abord, ce sera un chapitre dans un livre d'histoire, puis un paragraphe, puis une note de bas de page... Cela a déjà commencé. Je peux sentir que cela se produit. Tous les bords vifs de la douleur émoussés, atténués, drainés. »

Le résultat est une série de vignettes, des fragments de la bataille entre Katherine et Cal sur qui a le plus blessé Andre ou qui ne l'a pas assez aimé juxtaposés à la haine de Will pour le fantôme omniprésent d'Andre et son désir essentiellement maternel de calmer les eaux troubles. Et contre tout cela se retrouve la douceur, l'innocence non critique de Bud, six ans, qui aime simplement parce que tout ce qu'il a connu, c'est l'amour inconditionné et inconditionnel.

Ce n'est pas un hasard si McNally a fixé l'âge de Bud à six ans. Bud a vécu aussi longtemps que Cal et Andre étaient ensemble. Pour Katherine, il devient l'incarnation vivante de leur amour, même s'il n'est pas l'enfant d'Andre. Contre elle-même, elle veut que Bud ait une part d'Andre en lui. L'image finale, saisissante, de douleur insupportable - les lumières s'éteignent et Katherine, désolée et désespérée, regarde le bienheureux Bud et au-delà de ses parents aimants, qui sont enlacés sur le canapé, regardant le parc qui s'assombrit, tandis que la pièce préférée d'Andre de Mozart joue - voit Katherine réaliser que ses choix, ses décisions, ses mots l'ont menée à un endroit où elle ne fera plus jamais partie de la famille de qui que ce soit.

Mais malgré de nombreux moments de véritable angoisse et d'engagement émotionnel sincère, l'œuvre ne se coagule jamais vraiment en tant que pièce. L'écriture ne permet pas aux personnages d'être pleinement réalisés en tant qu'humains et l'interprétation ne peut compenser cela, bien que, dans la plupart des cas, elle soit de premier ordre.

En faisant une pause un instant, l'utilisation du mot « mères » dans le titre mérite réflexion. Au début, cela semble étrange - parce que Katherine est la mère seulement d'Andre. Avant longtemps, il est clair que, qu'elle le veuille ou non, elle a également été une « mère » (quoique non maternelle) pour Cal et la possibilité se profile qu'elle puisse être une « grand-mère » pour Bud. Au fur et à mesure que la pièce progresse, il apparaît qu'elle avait un autre enfant, un qu'elle a également rejeté en faisant un choix, bien que sensiblement différent. Enfin, Will est aussi une « mère » pour Bud : il parle presque poétiquement de la naissance et des processus maternels, c'est lui qui fournit les soins primaires à Bud et qui travaille à domicile. Ainsi, de manière intéressante, McNally joue de manière provocante avec le concept de « mères ».

Ce dont cette pièce a besoin, c'est de plus de connectivité, plus d'explications, de meilleure compréhension des personnages, de leurs motivations, peurs, regrets et désirs. Ce n'est pas que tout doit être expliqué; c'est plus qu'il y a une richesse inexploitable dans les histoires et vies entremêlées de ces quatre personnes.

Par exemple, Will n'a qu'un seul échange court pour exprimer la profondeur de son antipathie pour le souvenir d'Andre. Ce n'est pas suffisant. C'est particulièrement vrai lorsque c'est Will qui finit par lire des passages du journal qui est la pierre angulaire de la motivation de Katherine pour contacter Cal. Un autre exemple se présente lorsque Cal effleure mais n'explore pas ou n'explique pas les circonstances dans lesquelles Andre a été infecté. Le public ne sait jamais si Cal a été trahi ou s'il a approuvé l'infidélité d'Andre. Dans les deux exemples, et il y en a beaucoup d'autres, McNally laisse le terrain en friche, préférant immortaliser les progrès réalisés dans la reconnaissance des couples homosexuels dans la société plutôt que d'exposer le linge sale, et les motivations et caractéristiques cachées, des personnages.

N'ont jamais été explorés des sujets tels que : pourquoi Katherine n'a jamais contacté Andre après qu'il soit tombé malade; pourquoi Cal n'a pas contacté Katherine quand Andre est tombé malade; pourquoi ni Katherine ni Cal ne prennent ombrage que Will lise le journal, bien que tous deux le considéraient comme sacro-saint; pourquoi Katherine ne peut voir qu'Andre reflète sa propre vie en ce qu'il a fui l'endroit où il a grandi dès qu'il en a eu la possibilité.

C'est une occasion manquée, vraiment, parce que les notions sous-jacentes et les possibilités offertes par les personnages pourraient donner lieu à une soirée théâtrale électrisante.

Ce qui rend tout cela meilleur qu'il ne l'est en réalité, tout simplement, c'est Tyne Daly.

Elle est exceptionnellement bonne en tant que survivante solitaire de sa famille, cassante, vicieuse, sûre de son bon droit et totalement incompréhensive. Elle frémit de fureur à peine dissimulée mais aussi de douleur - profondément gravée, profondément ressentie et, à ses yeux, profondément imméritée. Elle ne voit jamais comment elle a contribué à son propre état désastreux et sa rancœur envers Cal, simplement parce qu'il aimait son fils, l'enveloppe comme un linceul. Avec une voix qui est aux deux tiers Ethel Merman et une partie Évangéliste, Daly domine la scène.

C'est dans les silences, les moments où elle est laissée seule sur scène, perplexe, confuse, indignée, aliénée, qu'elle brille vraiment. Avec une bouche ouverte et des yeux flamboyants, elle communique l'horreur de la situation de Katherine avec une clarté aiguë et une spécificité presque démoniaque. Elle est merveilleuse.

Pour ma part, les meilleures scènes de la pièce sont ses diverses confrontations avec Will de Bobby Steggart. McNally accorde peu de temps d'intervention à Will et ne lui donne pas beaucoup à dire, il est plus réactif que proactif. Mais Steggart tire le meilleur parti de ce qu'il a, fournissant un exemple pédagogique de faire « quelque chose à partir de rien ». L'un des grands échecs ici est qu'il n'y a pas plus d'exploration du personnage de Will.

En tant que Bud, Grayson Taylor est charmant et vif, plein de chaleur, irradiant l'acceptation. Petit, blond et assertif, il élève les choses chaque fois qu'il apparaît.

Curieusement, le rôle masculin le mieux écrit, celui avec des couches, des enjeux cachés et des coins anguleux, est celui ici interprété par l'acteur le moins talentueux. Frederick Weller, dont l'ensemble du corps et du visage semble perpétuellement crispé (de la même manière que les cheveux de Felix l'étaient dans The Odd Couple) n'approche jamais de près de déchiffrer la complexité profonde qui est Cal. Il sort mal de chaque rencontre avec Daly et Steggart et cela ne devrait pas être le cas.

Cal a été choisi par Andre. Le public, et Kathryn, doivent voir pourquoi cela a été, mais il y a peu de charme, d'invitation, de séduction ou de séduction dans la performance de Weller. Tandis que Steggart vous fait croire à l'union Cal/Will, rien de ce que fait Weller n'ajoute à cette conviction. Il n'y a aucun sens du détail des vies vécues ensemble pendant onze ans, pas d'introspection, pas de considération pour les autres - vraiment aucun sens - du tout - d'une personne complexe avec un cœur battant d'amour et des tonnes d'anxiété, de peur et de haine non traitées.

Weller manque occasion sur occasion. Il semble ne pas remarquer l'attention portée aux détails avec laquelle Daly et Steggart animent leurs personnages. C'est profondément décevant.

Ce n'est pas une grande pièce. Mais c'est un théâtre important. Ses thèmes, sujets, harmonies sous-jacentes et résonances sont importants et valent la peine d'être débattus dans des soirées accessibles et divertissantes au théâtre. Comme celle-ci.

Le couple plus âgé à côté de moi était très mal à l'aise pendant la plupart de la représentation. À la fin, il a dit à elle : « Qui savait qu'ils se souciaient des enfants? » Elle a répondu : « Prenons un verre. (Pause) Ce ne sont pas des chiens, vous savez. » Je les ai regardés de travers alors qu'ils passaient.

Mais ensuite, j'ai pensé qu'au moins cette production les avait éclairés d'une petite façon.

Et cela, et le souvenir permanent de ces terribles années où le sida ravageait le monde, justifient plus que suffisamment le travail de McNally ici, aussi imparfait soit-il.

Mères et Fils vaut le détour, car elle suscitera des questions et des discussions ; non parce que c'est une grande pièce.