CRITIQUE : Midnight, Union Theatre ✭✭

Julian Eaves critique Midnight présenté par Debunk Theatre à l'Union Theatre, Londres.

Midnight Union Theatre,

12 septembre 2018

Deux Étoiles

RÉSERVEZ MAINTENANT

C'est une nouvelle initiative fascinante que nous devrions tous applaudir : Debunk Theatre construit des ponts entre la scène théâtrale britannique et leur base en Asie centrale et en Europe de l'Est.  Voilà ce que j'appelle « outreach » !  Ils nous proposent ici une histoire d'Azerbaïdjan (par l'auteur vivant, Elchin - qui était présent pour voir cette première) de peur et de dégoût quotidiens pendant les Grandes Purges de Staline, où le redouté « coup à la porte » de la police secrète arrivait à minuit ; les choses se compliquent davantage lorsqu'un certain minuit, auquel on attire notre attention, se trouve être la veille du Nouvel An, lorsque tout le monde devrait attendre l'année à venir avec espoir et optimisme.

Et, en un sens, l'Homme - interprété avec une énergie débordante par Colin Burnicle - et sa Femme (une Norma Butikofer beaucoup plus cool et songeuse), sont quelques-uns des rares gagnants dans ce monde terrible : en fait, il affirme qu'il est maintenant considéré comme « au-dessus de tout soupçon », et peut donc se permettre de critiquer librement le régime chez lui entre boire abondamment et se vanter de sa bonne fortune.  Ils sont bien habillés avec des vêtements neufs et ont un appartement très confortable, très bourgeois (costume et décor d'Elliott Squire).  Sur scène avec eux se trouvent quatre autres acteurs-musiciens en uniformes miteux, qui semblent être les vestiges fantomatiques de personnes sacrifiées par la Terreur des dénonciations inventées ou hystériques, des arrestations, des tortures, des procès-spectacles et des exécutions.

Dans leur monde fragile et nerveux - bien sûr - vient leur propre coup à la porte de Leon Scott, un peu comme « Une Inspection de l'NKVD », qui ensuite inverse leur bonne fortune de façon abrupte et presque mécaniquement en leur propre version personnelle de l'enfer, et - en effet - il revendique même d'être le Seigneur des Enfers lui-même.  Occupé ce gars.  Juste pour enfoncer le clou, quelques minutes avant minuit, leur horloge semble s'arrêter, et nous restons suspendus dans le temps, tandis que le Vieux Nick essaie de compléter ses « quotas » avant que l'heure de minuit arrive (« Et si je ne peux pas le faire, qui le peut ? » plaisante-t-il.)

Tout aussi prévisible, il ne va pas prendre le couple comme une paire, mais veut les opposer l'un à l'autre.  En faisant cela, surprise !, nous découvrons en outre que chacun dénonçait activement l'autre à ses sbires.  Jusqu'ici tout est propre et net.  Et si déprimant.  Le script, par Timothy Knapman, semble suivre de près la pièce de théâtre originale, « Citizens of Hell », et c'est une affaire très intérieure, très statique, avec de longues conversations sur des événements qui se déroulent avant l'action du drame.  Le couple subit les brimades de leur visiteur indésirable pendant un certain temps, puis décide imprudemment de renverser la situation contre lui, avec des conséquences tout à fait prévisibles.

Knapman et son compositeur et co-auteur des paroles, Laurence Mark Wythe, dynamisent les choses avec quelques chansons souvent intelligemment écrites - l'ouverture « The Future Came A-Knocking » a des promesses - mais c'est là que les principaux problèmes de cette pièce avec musique commencent à devenir sérieux.  La partition est tour à tour ensoleillée ou sentimentale, mais jamais moins qu'aisément accessible et agréablement fade : elle est également aussi simplement écrite que le script avec certains accords favoris résonnant encore et encore, ne semblant jamais vraiment aller quelque part - comme le livre circulaire et presque hermétiquement clos.  Il se trouve que ces écrivains ont écrit, et continuent d'écrire, pour des groupes comme le National Youth Music Theatre, comme en effet la réalisatrice Kate Golledge a dirigé des œuvres similaires, et le spectacle sonne très, très semblablement à leur produit caractéristique.  Et plus on l'écoute, plus on semble éloigné du modeste, petit et bref drame de chambre au cœur de celui-ci.

Cependant, si vous aimez ce genre de choses, alors sans doute vous serez en mesure de vous réchauffer à cet étrange hybride de pièce.  Néanmoins, vous allez certainement vous interroger sur la sagesse de certains choix de production, tout comme je suis certain que l'équipe créative s'interroge également sur eux.  Il n'y a pas beaucoup d'espace dans l'Union, mais il y en a encore moins - surtout pour la chorégraphie intelligente de Chris Cuming - lorsque l'action est comprimée sur un podium exigu servant de salon pour l'Homme et la Femme.  Et quel salon : si chargement naturaliste dans une pièce qui aspire à devenir pleinement expressionniste à plusieurs reprises, et cependant également encadrée par des cadres de portes et fenêtres de lumières.  Il semble n'être ni l'un ni l'autre, et cela n'aide pas à attirer et à impliquer.  Mais si l'aliénation brechtienne est désirée ici, pourquoi la partition est-elle si résolument émotionnelle, avec certains numéros donnant l'impression de s'être échappés d'une comédie musicale d'Andrew Lloyd Webber peu connue, et d'autres rappelant à répétition Sondheim, Kander et Ebb, et tant d'autres.  La parodie est ici le mot d'ordre.  Nous demande-t-on de considérer tout cela comme « faux » ?  Est-ce vraiment tout intentionnel ?  C'est difficile d'en être sûr.

Cela s'avère, je pense, finalement injuste pour les acteurs, qui doivent donner un sens à une production, un script et une partition qui - en réalité - ne s'additionnent pas.  On ne peut s'attendre à ce qu'ils effectuent le miracle de résoudre tant de contradictions internes.  Le reste de l'équipe, Melania Maggiore, Tilly-Mae Millbrook, Ashley Daniels, Luke Thornton et - surtout - le sinistre intrus infernal de Leon Scott, donnent tout ce qu'ils ont : ils jouent magnifiquement les instruments, tout de mémoire, ils chantent bien, ils dansent, ils jouent.  Fridthjofur Thorsteinsson les éclaire avec une certaine flair et Harry Haden-Brown maintient un gouvernail stable sur la main de la partition erratique tout au long : il nous convainc presque qu'elle a plus de mérites qu'elle n'en possède réellement.  Et dans les rares occasions où ils sont autorisés à échapper au cercle sans fin de « dire et ne pas montrer » qui domine la plupart du script, le casting se connecte avec le public, surtout pendant la seconde moitié plus incisive et dynamique.

Golledge elle-même est connue pour avoir dit que le travail d'un metteur en scène est de masquer les faiblesses d'un texte au public.  Dans ce cas, peut-être en cherchant à accueillir et inclure des « couches » d'interprétation et de signification de son équipe (et compagnie ?) - comme elle le décrit dans une note de programme - je ne peux m'empêcher de sentir que ce qu'elle a, sans doute involontairement, fait est de mettre en lumière toutes sortes de problèmes avec ce spectacle étrange.  C'est une expérience courageuse, mais cela ne fonctionne pas vraiment.  Pas pour le moment, en tout cas.

RÉSERVEZ MAINTENANT POUR MIDNIGHT À L'UNION THEATRE

Photos : Lidia Crisafulli