CRITIQUE : Médée, Théâtre National ✭✭✭✭

Médée Théâtre Olivier 7 Août 2014 4 Étoiles

En 1697, William Congreve a écrit La Mariée en deuil, sa seule tragédie, et a écrit des mots qui trouveraient leur chemin vers l'immortalité :

Le ciel n'a pas de rage comme l'amour transformé en haine, Ni l'enfer de fureur comme une femme méprisée.

On ne peut en être sûr, mais il semble au moins possible que Congreve ait pensé à Médée, peut-être le plus grand personnage féminin de la littérature grecque, lorsqu'il a écrit ces lignes pour son personnage, Zara. Parce que, d'une manière succincte et tout à fait surprenante, ces lignes résument le drame cinglant d'Euripide : une considération puissante, captivante et insondablement moderne de la fureur psychologique qui conduit à une rage-chagrin dévorante et qui se termine par un meurtre spectaculaire.

L'histoire de Médée, qui tombe amoureuse de Jason (de la renommée des Argonautes), et pour qui elle abandonne sa famille et massacre son petit frère, et voyage avec Jason à Corinthe où elle lui donne deux fils et est ensuite dévastée lorsqu'il la déserte pour épouser la fille du roi de Corinthe, est bien connue. Tout cela se passe avant que la pièce ne commence.

Ce sur quoi la pièce se concentre, c'est comment Médée réagit à ce que Jason lui fait en la trahissant pour une autre femme : elle réalise que la meilleure vengeance sera de détruire la lignée de Jason, plutôt que de le tuer. Lui enlever l'honneur de sa Maison, quelque chose que les Grecs estimaient très fort. Ainsi, elle empoisonne la future épouse de Jason et son père, le Roi, et avant que la vengeance ne puisse être exercée sur elle et ses enfants par la suite du roi mort, elle massacre ses propres fils et frotte le visage de Jason dans la finalité de ses actes.

Souvent, tout ce que les gens retiennent de Médée est le meurtre des enfants et elle est vaguement perçue comme l'un des pires méchants de tous les temps, rendant Lady Macbeth aussi douce que Maria Von Trapp. Même Sondheim s'accroche à cette vision zeitgeist du personnage lorsque Pseudolus chante au public, dans Comedy Tonight, le numéro d'ouverture de A Funny Thing Happened On The Way To The Forum, que l'actrice jouant Domina "joue Médée plus tard cette semaine".

Mais il y a plus à Médée qu'un cœur noir et un éclat maniaque dans l'œil.

Comme le dit Edith Hall, dans les notes de programme pour la production de Carrie Cracknell de la nouvelle adaptation par Ben Power du chef-d'œuvre d'Euripide qui se joue actuellement au Théâtre Olivier du National,

Ce n'est pas seulement une pièce sur la rupture conjugale et la parentalité, mais un examen psychologique intense de la façon dont n'importe qui, quel que soit son sexe, peut être suffisamment enflammé par l'insulte, la perte et la vengeance pour égorger les personnes qu'il aime le plus.

Helen McCrory est tout simplement sensationnelle en tant que Médée. Pleine de fureur, d'une intelligence analytique pénétrante et trempée de rage désespérée, hurlante et déchirante, elle illumine la scène de l'Olivier de manière magistrale. Elle est absolument glorieuse à tous points de vue : Les cris de deuil qui déchirent l'air dès que la pièce commence ; le regard sur son visage alors qu'elle creuse le sol pour trouver le poison dont elle a besoin et invoque l'aide de la sorcière Hécate ; sa fausse supplication avec Créon ; sa valse pour obtenir des informations avec Égée ; son conflit intérieur à propos du sort de ses fils et enfin, sa marche enragée pour découper ses fils avec un couteau que nous avons vu affûter avec une précision de rasoir.

L'image finale, remarquable, d'elle traînant les sacs de couchage ensanglantés dans lesquels elle a enfermé les restes découpés de ses fils est stupéfiante - encapsulant précisément comment elle a été mise à genoux par l'homme qu'elle adorait et la vengeance qu'elle a exercée sur lui.

McCrory accomplit cet exploit presque impossible - elle vous fait comprendre, vous soucier et empathiser avec la situation de Médée. Vous ressentez sa douleur, sa peur, son dégoût et sa rage aussi sûrement que vous sentez votre propre cœur battre plus vite au fur et à mesure que l'horreur se déroule.

En regardant McCrory, il est impossible de ne pas imaginer Laurence Olivier regardant d'en haut avec bienveillance, heureux que le Théâtre National qu'il a propulsé à la vie atteignait les sommets d'acting qu'il et sa compagnie originale avaient fixés il y a 50 ans. Ces jours-ci, ces hauteurs ne sont pas souvent atteintes - mais McCrory les atteint ici de façon mémorable.

Et elle ne reçoit pas beaucoup d'aide. Danny Sapani est un Jason mollasson et ennuyeux ; au lieu du guerrier divin qui rayonne de charme et de présence envoûtante, il y a une intense monotonie, une fausse grandeur semblable à celle d'un paresseux et un sentiment acerbe de méfiance. Il est extraordinairement ordinaire. McCrory est un volcan d'énergie intense et profonde et à côté d'elle, Sapani n'est rien de plus qu'une bougie vacillante.

C'est incompréhensible, surtout que Dominic Rowan est dans le casting en tant qu'Égée, un rôle qu'il joue avec grâce et aisance. Égée est un personnage important - sa scène avec Médée est essentielle car c'est de lui qu'elle dégage le chemin de la vengeance qui affligera Jason le plus profondément. Mais Rowan aurait été mieux utilisé en tant que Jason - le frisson entre lui et McCrory, évident dans les moments qu'ils ont partagés, aurait été intensifié et tangible s'il avait été Jason. Une opportunité spectaculairement manquée.

En effet, aucun des membres de la distribution de soutien, à part Rowan, n'est très bon et la plupart d'entre eux sont à peine acceptables ; mauvaise diction, compréhension incompréhensible du texte et peu de sens de l'immédiateté du moment.

Mais le Chœur, les femmes de Corinthe, est assez impressionnant. Elles sont utilisées par Cracknell pour faire un point politique ainsi que représenter, à divers moments, les rouages internes de l'esprit de Médée. Elles représentent les figures féminines archétypales dans une société patriarcale - la servante en attente, la demoiselle d'honneur, l'épouse, la mère. Elles chantent et bougent en harmonie et l'effet global qu'elles obtiennent est troublant et étonnamment efficace.

La production profite énormément de la musique fournie par Will Gregory et Alison Goldfrapp - elle est glaçante, évocatrice, superbement bien jugée. Un véritable atout.

Le décor de Tom Scutt est, franchement, étrange. Il a fière allure - l'argent a clairement été dépensé. Mais cela ressemble à un Holiday Inn (presque), délabré, manquant d'attention de rénovation - et il y a une section sauvage de forêt qui fournit un arrière-plan de force brute et effrayante de Mère Nature. Ainsi, il y a un sentiment combiné de dégradation et de puissance naturelle brute qui fonctionne bien pour les thèmes de la pièce - mais cela a toujours l'air étrange.

Cracknell veille à ce que les évènements se déroulent à bon rythme et que la pièce ne soit jamais ralentie ou lente. Elle brûle d'une longue mèche et explose quand elle doit exploser. L'adaptation de Power n'est pas particulièrement passionnante ou poétique ou extraordinaire, mais elle fonctionne suffisamment bien.

Et elle permet à McCrory de briller.

Rufus Norris, le futur directeur artistique du Théâtre National, a été franc sur l'avenir du National étant axé sur une "nouvelle écriture". Sans doute le National devrait-il encourager la nouvelle écriture, mais pas au détriment des productions évocatrices des classiques, des grands anciens textes ; des productions où de grands interprètes ont la chance de briller.

Le Théâtre National doit être à propos de grandes performances dans de grandes pièces, nouvelles et anciennes. Lord Hytner a, comme ses prédécesseurs, compris cela même s'il ne l'a pas toujours garanti en pratique. Norris commettrait une grave erreur en créant une ambiance de compagnie où une performance telle que celle de McCrory dans Médée serait refusée au monde.