CRITIQUE : McQueen, Theatre Royal Haymarket ✭✭✭✭

Tracy-Ann Oberman et Stephen Wight dans McQueen McQueen

Theatre Royal Haymarket

27/08/15

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« L'amour ne regarde pas avec les yeux mais avec l'esprit. »

Shakespeare, Le Songe d'une nuit d'été McQueen a ouvert cette année au St James Theatre et se transfère maintenant pour une série limitée dans le West End au Theatre Royal Haymarket après quelques changements de distribution et un certain degré de réécriture par le dramaturge James Phillips. Il est dirigé par John Caird, avec des chorégraphies de Christopher Marney, et met en vedette Stephen Wight dans le rôle de McQueen lui-même, que l’on voit déjà en personnage en prenant place, arpentant la scène, indomptable et imprévisible, tordant et contemplant la ceinture avec laquelle il pourrait être sur le point de mettre fin à ses jours... Alexander/Lee McQueen - sa vie, son œuvre, ses associés, sa mort tragique et son héritage - offre presque un matériau trop riche pour un traitement dramatique. Dans la récente rétrospective extraordinaire du V&A, Savage Beauty, il y avait un remarquable habit à queue de plumes dorées, haut dans le col et serré à la taille, qui réapparaît sous une forme modifiée pour jouer un rôle ici dans la seconde moitié comme symbole de la façon dont les vêtements peuvent transformer celui qui les porte. Pour moi, cependant, c'était aussi un symbole de la complexité de ce sujet – apparemment l'un de surfaces étincelantes et un excès de glamour – semblable au bling de régence du Haymarket où nous étions tous rassemblés la Nuit de la Presse ; mais où le cœur de l’affaire est d’évoquer la psyché d’un homme qui, selon ceux qui ont travaillé avec lui, foisonnait autant d’idées et d'humeurs par jour qu'il y a de plumes dans cet habit glorieux.

Stephen Wight, Laura Rees dans McQueen Avec une vie et une mort vécues sous les projecteurs, là où il y a de nombreuses personnes qui connaissaient bien McQueen, et la plupart d'entre nous qui pensent maintenant savoir quelque chose, capturer l'essence du génie vertigineux de cet homme et ses multiples contradictions et leur donner une nouvelle vie dramatique est une tâche très difficile. Nous savons grâce à ses City Stories, revues ici il y a quelques mois, que James Phillips a un œil innovant pour la structure, une façon poétiquement suggestive avec le dialogue, une vive appréciation de l’interpénétration des mots et de la musique, et un don avéré pour écrire sur la vie londonienne, tous éléments nécessaires à l’équation. Relèvera-t-il ce nouveau défi ?

Ce que nous recevons est un conte de fées qui développe l’intrigue de l’un des scénarios de podium élaborés et semi-opératiques de McQueen. Dahlia (Carly Bawden) après avoir observé McQueen depuis un arbre dans son jardin, entre chez lui pour s’emparer d’une robe et rencontre le designer lui-même parmi ses mannequins au sous-sol. Il appelle son collaborateur de longue date Philip Treacy pour obtenir des conseils sur la police, mais la têtue Dahlia le charme dans un marché : elle disparaîtra à la fin de la nuit si en retour il la transforme en princesse en lui confectionnant une robe et en lui montrant différentes visions de Londres. Il accepte dans l’espoir de trouver l’inspiration pour respecter le délai de sa prochaine collection.

Ce qui suit est une séquence de scènes phantasmagoriques qui explorent les relations clés, expériences et problèmes dans la vie de McQueen – sa formation à Savile Row, son amitié avec Isabella Blow (Tracy-Ann Oberman), une soirée au V&A où la journaliste Arabella (Laura Rees) remet en question l'authenticité de son talent, et son lien étroit avec sa mère et ses racines à Stratford. Dans la plupart d'entre elles, Dahlia est soit une observatrice, une participante récalcitrante ou une expression du propre côté ‘féminin’ de McQueen ; mais à la fin il est clair qu'elle a toujours voulu plus que simplement une robe de cette rencontre. Chaque scène est reliée à la suivante par un épisode chorégraphié dans lequel neuf danseurs canalisent les thèmes à travers l'imagerie visuelle de l'une de ses ouvertures classiques, utilisant la même musique qui était jouée à ces occasions. Nous retournons finalement au sous-sol où nous avons commencé lorsque la nuit se termine, Dahlia part et Lee a son concept pour sa prochaine collection.....

Eloise Hymas, George Hill, Rachel Louisa Maybank, Stephen Wight (assis), Jordan Kennedy, Amber Doyle et Sophie Apollonia dans McQueen Cette pièce n'est donc pas un simple bio-documentaire, ce qui est sûrement une décision correcte ; car il serait difficile d'éviter une exposition factuelle maladroite et non dramatique d'une part, ou un sensationnalisme de tabloïd grossier de l'autre. Phillips est beaucoup plus intéressé à capturer la nature mercurielle et multidimensionnelle de la personnalité tourmentée mais perspicace et humoristique de McQueen et à explorer la nature et les sources de sa créativité. Il atteint ces deux objectifs, le premier aidé par une performance exceptionnellement détaillée et hypnotique de Wight, qui est bien plus qu’une simple imitation. Et le second réussit parce qu'il parvient, une grande partie du temps, à trouver une formule dramatique pour à la fois décrire les dons de McQueen et les montrer en action. Un exemple de cela se présente sous la forme d’un certain nombre de monologues remarquables disséminés dans la pièce où le designer analyse ses intentions forensiques et esthétiques. Cela pourrait facilement ne pas fonctionner. Cela pourrait devenir trop didactique ou simplement trop jonglé – ‘Six Costumes en Quête d'un Costumier’ etc. Que cela ne le soit pas est un hommage à l'acteur et à la manière dont l'écriture vous force à regarder et imaginer avec l'œil du designer. C’est plutôt comme l’histoire de Conan Doyle où Holmes vous raconte toute la vie d'une personne à partir de quelques détails de leurs vêtements, et voit à travers eux. La qualité brillante mais aussi déstabilisante, impitoyable et isolante de ce degré de perception est rendue palpable ; à tel point qu'il y avait un silence intense de concentration intérieure à travers l'audience à la mode et fashionista. Ils savaient qu'ils étaient eux aussi sous le microscope à ce moment-là... Nous avons eu un sentiment dramatique palpable de la raison pour laquelle McQueen était un homme à la fois captivant et inquiétant à côtoyer.

Un autre exemple de la performance efficace du montrer et raconter est venu dans la scène située chez Anderson & Sheppard, où McQueen était formé. Sa coupe de la robe sur Dahlia a démontré de la manière la plus directe possible les compétences traditionnelles de tailleur qu'il avait apprises là, et le dialogue avec son mentor M. Hitchcock (Michael Bertenshaw) a révélé l'équilibre entre un sens de l'histoire et celui de la subversion qu'il a toujours essayé de maintenir dans son travail : si vous allez être un iconoclaste, vous devez d'abord être un traditionaliste !

Stephen Wight, Laura Rees et Carly Bawden dans McQueen

Tout ne réussit pas. La scène avec Isabella Blow est un duo baroque élaboré entre deux divas naturelles, mais manque de mordant dramatique en conséquence, d'autant plus lorsqu'il y a une bonne quantité de remplissage maladroit de ‘faits que vous devez d'abord savoir.’ Si c'était un opéra, vous pourriez vous en sortir avec cet emballage d'antécédents, mais pas ici. Plus sérieusement, il y a une flou autour du personnage de Dahlia qui n’est pas toujours utile, et parfois mine la cohérence dramatique. Quelle est exactement la contribution de Dahlia ? En tant que muse, simple dispositif théâtral ou projection d'une partie de la personnalité de Lee ? Cela est particulièrement important dans la seconde moitié du spectacle où elle est beaucoup plus en vue et il ne suffit pas de laisser ce problème non résolu. Nous ne nous souciions pas assez d'elle en tant que personnage à part entière à ce stade pour que la structure dramatique supporte le poids, et cela n’est que partiellement racheté par le résumé mémorable que Lee parvient à livrer dans les dernières minutes.

Je ne suis pas sûr que l'insertion d'un entracte pour le West End ait vraiment aidé la pièce. Cela fonctionnerait mieux en séquence continue sans placer un poids égal sur un matériau plus maigre dans ce qui est maintenant la deuxième moitié, tout en préservant l’ambiance de fantaisie délicate intacte.

Les valeurs de production sont excellentes. La direction est fluide et avec un œil artistique pour les tableaux visuels autant que pour l'énergie cinétique. La chorégraphie est exceptionnellement variée et imaginative : les danseurs dégagent le décor, posent en tant que mannequins, et fonctionnent en fait davantage comme un chœur non vocal offrant un commentaire visuel sur et intégral avec l'action. L'équipe de costume a réalisé la tâche difficile de faire référence au travail du designer sans le copier servilement, et les projections vidéo donnent un sens vivant aux emplacements londoniens lorsque nécessaire.

Stephen Wight dans le rôle de Lee dans McQueen

L'incarnation de McQueen par Wight est inégalée. Les maniérismes, la combinaison de la bravoure et de la vulnérabilité dans la parole et le mouvement, les extrêmes de sensibilité et de vulgarité, de considération et d'égoïsme impitoyable, étaient tous en place, accompagnés d'une conscience de soi au sujet de la dépression, de la peur de la mort et de la nature alarmante de son propre talent qui était finement observée. Bawden s’en sort très bien avec Dahlia, s'assurant qu'elle tient tête au personnage de Wight lorsque nécessaire sans perdre son charme maladroit : mais le rôle lui-même est vraiment encore inachevé. Oberman et Rees profitent pleinement de leurs opportunités, et le tailleur gentleman sobre de Bertenshaw offre un point de repos bienvenu et une retenue soigneusement contrastée.

La soirée est continuellement stimulante, visuellement spectaculaire et hautement ingénieuse en intégrant le design, la musique, la danse et la caractérisation pour donner un portrait aussi détaillé que possible des sources de la créativité de McQueen. Certaines parties sont à la fois étonnamment drôles et réellement émouvantes aussi. Mettre le processus créatif d’un artiste lui-même sur scène est une affaire délicate - ces derniers temps, peut-être Dimanche au parc avec George est le seul exemple entièrement réussi. En dehors d’un traitement musical ou opératique de la vie de McQueen - quelque chose qui pourrait encore valoir la peine d'être fait compte tenu de la portée que le sujet offre à tous les arts théâtraux - cette pièce se dresse comme un portrait artistique audacieux et largement réussi.

La pièce récupère et réaffirme triomphalement le credo de McQueen selon lequel le design est, à son meilleur, un acte d’amour de la personne – une synthèse de qui cet homme ou cette femme était, est et peut devenir – et réside donc, paradoxalement, autant dans l'esprit que dans le sens purement visuel. C'est pour cette raison qu'Alexander McQueen a choisi la phrase de Shakespeare en tête de cette critique pour porter en tatouage, qu'il portait comme un tatouage.

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