CRITIQUE : Mary, Théâtre de Hampstead ✭✭✭

Notre propre theatreCat Libby Purves critique la pièce Mary de Rona Munro au Hampstead Theatre.

Douglas Henshall, Rona Morison et Brian Vernel. Photo : Manuel Harlan Mary

Hampstead Theatre

3 Étoiles

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Depuis quatre cents ans, la réputation de Marie, reine des Écossais, fait débat : on l'a qualifiée de victime et de prostituée, de meurtrière et d'héroïne, fantasque et héroïque. Le romantisme fleurit dans le drame et l'opéra : elle était une jeune mère, belle, emprisonnée, finalement exécutée par sa cousine Élisabeth Ière. Les dramaturges se concentrent généralement sur cette dernière période et les rencontres imaginaires entre les deux femmes. Mais Rona Munro se concentre ici sur un autre point de la vie de Marie, avec un regard moderne et féminin. Sa passion historique a illuminé l'Écosse puis la scène du National Theatre il y a quelques années avec les trois « James Plays », sur les trois premiers rois de ce nom au 15e siècle (il y a une quatrième pièce, pas encore venue au sud).

Rona Morison dans le rôle d'Agnes. Photo : Manuel Harlan

Mais dans ces 90 minutes statiques mais puissantes, où la Reine elle-même est hors scène sauf pour deux aperçus, Munro se concentre sur la période avant son abdication forcée en 1567. Son mari Darnley a été assassiné par le comte Bothwell. Mais en quelques semaines Marie - catholique, ce qui était source d'inquiétude dans l'Écosse nouvellement protestante - l'épouse sous des rites protestants. Brièvement, cela lui conféra le pouvoir avant qu'il ne soit renversé. La pièce s'ouvre sur un serviteur de la cour, Thompson, qui vient juste d'être battu par Bothwell tandis que le vieil conseiller paternel de la Reine, Melville (Douglas Henshall), dit au jeune homme de se nettoyer et de ne pas l'effrayer, car elle est déjà effrayée. Le troisième personnage dans la pièce est Agnes, une protestante fervente qui n’a que peu de temps pour Marie.

Nous les retrouvons des mois plus tard après la chute de Bothwell, au palais de Holyrood pour une longue et parfois épuisante attaque argumentative de style judiciaire sur Melville par Thompson et Agnes (personnages imaginés, mais représentant les passions politiques et religieuses de l'époque). Ils ont besoin de sa signature pour l'abdication et la disgrâce de Marie, impliquant que le mariage avec Bothwell soit qualifié de trahison lascive et de culpabilité pour la mort de son mari.

Brian Vernel et Rona Morison. Photo : Manuel Harlan

Melville, qui était proche de sa cour à l'époque de son enlèvement, est convaincu qu'elle a été violée, jamais consentante, agressée et forcée au silence. Agnes de Rona Morison, pilier du jugement inflexible et de la rectitude, jette un mépris féminin sur l'absente Marie, estimant que même si elle a été violée, elle a fini par apprécier et a consenti. Thompson, interprété par Brian Vernel, est tout politique, staccato, repoussant l'argument de plus en plus perturbé et défensif de Melville, demandant des détails comme un procureur. Le vieil homme, détestant raconter l'histoire de la jeune fille qu'il connaissait depuis l'enfance, est poussé à décrire l'agression - publique, devant des nobles hurlants, entendue par lui dans la pièce à côté. Et, de manière accablante, à admettre son calme après : ne pas appeler à l'aide, ne pas être visiblement indignée. Cela, dans la montée de l'argument, lui est bien sûr reproché.

Rona Morison, Douglas Henshall et Brian Vernel. Photo : Manuel Harlan

Munro fait un point très moderne sur le traumatisme auto-infligé de telles agressions. Melville sait ce qu'il sait, mais s'efface lentement dans sa détermination : Munro a dit qu'elle voulait dépeindre les hommes qui laissent ces choses impunies, et les dernières minutes de cette scène le montrent certainement. L'attitude subtilement honteuse de Henshall est finement présentée. Mais il est homme politique et patriote : l'avenir de l'Écosse, la paix potentielle sous une régence, est en jeu. Au contraire, plus Agnes entend ce qui est presque certainement arrivé à une autre femme, plus son esprit change dans l'autre sens. Et elle ajoute avec honte un horrible souvenir de sa propre volonté de rester en retrait lorsque Marie a été emprisonnée et pleurait, échevelée, depuis une fenêtre au milieu de ses ravisseurs masculins. Morison ici est terriblement puissante.

C'est un bon thème, et l'écriture est tendue. Mais c'est une longue combustion lente, statique, peu dramatique jusqu'au dernier tiers. Le public était tendu et silencieux, toutefois, choqué. C’était, je suppose, le but. Le dénouement est soudain et dramatique : soudain, un chœur - crédité au programme - nous rappelle qu'au-delà des arguments serrés dans de petites pièces, il y a un sentiment populaire confus et en colère et un pays à sauver.

Jusqu'au 26 novembre. Hampsteadtheatre.com