CRITIQUE : Marsha - Une Fille Qui Fait des Bêtises, Arcola Theatre ✭✭✭

Marsha - Une Fille Qui Fait de Mauvaises Choses

Arcola Studios 2

13/08/15

3 Étoiles

À notre arrivée pour cette dernière édition du Festival Grimeborn, on nous remet un masque portant l'empreinte du visage d'une fille dessinée grossièrement et on nous demande de le porter pendant la représentation, et aussi de dire « Bonjour à Marsha » si elle s'approche de nous. À l'intérieur du studio de théâtre, un certain nombre d'acteurs sont déjà disséminés dans les sièges, portant différents masques, et le mur du fond est tapissé de portraits naïfs identiques de la même petite fille. L'actrice qui la représente, dos tourné, est occupée à les colorier avec des crayons. Sommes-nous dans une représentation simple de l'enfance, une version féminine d'Adrian Mole, ou quelque chose de très différent des deux?

Les lumières s'éteignent, nous enfilons nos masques et Marsha (Tilly Gaunt) déroule une pelouse artificielle. Elle se présente avec un accent rural (Devon?) et ce qui suit pendant la première demi-heure est une série de rencontres narratives apparentes dans un village idéalisé - voire un village de dessin animé - d'abord avec Mme Hoare (Victoria Gray), la commerçante locale, puis avec un fermier grincheux, M. MadDonald (Jessica Gillingwater), suivi d'une mère, Susan (Kerri-Lynne Dietz), qui ne veut pas que Tilly s'approche trop de l'enfant dans son landau, et enfin avec Susan, son mari Jonny (Sarah Baillie) et Mme Hoare alors que les premiers se préparent à quitter la ville pour des vacances en plaçant leur enfant sous la garde de Mme Hoare. Tout au long de l'action, une licorne - ou du moins un acteur (Rachel Baynton) en costume blanc portant une tête de licorne très bienveillante - est assis placidement d'un côté de la scène, comme si il veillait sur la sécurité de Tilly.

Et pourtant, tout n'est pas ce qu'il semble être dans cet idyllique bucolique délibérément banal et naïf. Une variété d'effets de distanciation sont présents dès le début. Seule Marsha parle – tous ses interlocuteurs chantent sous forme de récitatif élevé qui se nuance parfois en arioso sans jamais se développer en pleine invention mélodique. Une bande sonore de fond fournit une variété de bruits adéquats comme accompagnement de chaque épisode, et une série de projections visuelles, dans le même style faux-naïf que le décor, fournit une énonciation littérale utile des actions en jeu à travers la parole et la vocalisation. Enfin, les masques offrent un renversement des modèles du théâtre grec – au lieu de nous transmettre la nature des personnages représentés, ils offrent à Marsha une image confrontante d'un monde entièrement devenu à son image.

Des fissures apparaissent dans ce monde trop parfait. M. MadDonald n'est certainement pas l'archétype joyeux de M. MacDonald que nous connaissons du monde de la comptine, la licorne est peut-être morte ou non, Susan craint que Tilly ait un intérêt obsessionnel pour son nourrisson, et Mme Hoare pourrait avoir causé la disparition d'enfants. Petit à petit, notre confiance est sapée sur qui et quoi croire. Où peut-on trouver le narrateur fiable? Est-ce que tout le monde dans la pièce (et par implication dans la vie) se cache simplement derrière les types de masques que nous portons nous-mêmes?

Le ton s'assombrit soudainement de manière marquée à mesure que nous entrons dans les vingt dernières minutes de la pièce. Dans un blackout, les autres personnages changent soudainement de vitesse et révèlent leurs craintes de Marsha en tant que figure maligne et non pas incarnation d'innocence sans malice. Lorsque les lumières réapparaissent, Marsha n'est plus physiquement comme elle était avant, et pour le reste du spectacle, nous sommes invités à repenser tout ce que nous avons vu jusqu'à présent. La première moitié était-elle une projection ou un fantasme ou une mémoire embrouillée? Est-ce que Marsha est en liberté ou en détention suite à un crime? Est-ce que les repères de l'histoire dont nous avons besoin pour nous situer dans un récit sont ce qu'ils semblaient être? Et sinon, est-ce que tout ce que nous savons est à remettre en question, sans résolution finale? Quel 'message' ou contenu devons-nous retenir du spectacle dans son ensemble?

Ce sont des eaux profondes dans lesquelles patauger, et tout comme Marsha raconte un épisode où elle nage paisiblement dans un lac avant que le temps et les poissons autour d'elle ne se détériorent, le public se trouve lui aussi dans un état de confusion à la fin. Nous avons applaudi une performance centrale de bravoure sans savoir vraiment ce que nous applaudissions d'autre. En effet, le formulaire de 'retour' avec lequel nous avons été expédiés impliquait que c'est encore beaucoup 'travail en cours' qui doit prendre forme finale, et qui nécessite peut-être plus de temps à l'atelier avant d'être exposé au public.

Cependant, il ne fait aucun doute que ce spectacle d'une heure nous a tous fait réfléchir sérieusement sur des questions qui comptent dans l'opéra contemporain, tant techniques que philosophiques. Tout d'abord, il y a la question de savoir si c'est un opéra du tout, et donc ce que l'opéra signifie désormais. Les personnages qui chantent à Marsha semblent plutôt avoir échappé de Peter Grimes ou Turn of the Screw de Britten. Les réglages hiératiques, mélismatiques et sans accompagnement suggèrent une sous-couche de bizarrerie et de vice non spécifié derrière une idyllique rurale bienveillante de premier plan, mais nous parlons ici beaucoup plus d'une sous-couche que d'une partition, une intensification d'ambiance comme en musique de film, plutôt que du passage inévitable, nécessaire des mots à la musique qui me semble essentiel dans toute définition de l'opéra, tout comme il est vital dans toute forme de théâtre musical. À l'heure actuelle, nous parlons encore d'une 'histoire avec musique'. Ensuite, il y a la question du sens. Le directeur Martin Constantine et l'écrivain Alan Harris présentent cette soirée comme une méditation sur la signification de la beauté et de l'innocence en suggérant que nous glissons trop facilement dans les préjugés envers ceux que la société définit conventionnellement comme laids ou coupables; alors que la beauté et la vérité peuvent être trouvées dans de nombreux endroits inattendus, même - et parfois tout autant - dans les perspectives embrouillées des malades mentaux ou des handicapés physiques. C'est un travail contre-intuitif important et stimulant - en fait juste le genre de terrain que l'opéra contemporain devrait explorer. Mais il ne me semble pas que Marsha dans sa forme actuelle soit suffisamment tridimensionnelle pour nous emmener loin sur cette voie de (re)-découverte. Les effets de distanciation, aussi intelligents et stimulants soient-ils, rendent le produit final trop bidimensionnel, littéralement un jeu de masques. Pour penser à ces sujets difficiles, nous avons besoin de les sentir aussi : ce moment dynamique, transformateur est la contribution unique du théâtre et la justification de rassembler toutes les formes d'art en collaboration dans l'opéra - ce que Wagner réclamait dans son 'œuvre d'art totale'. Finalement, nous n'avions pas assez de complexité de caractère et de détail pour nous soucier suffisamment de Marsha et de son histoire en tant qu'histoire plutôt qu'en tant que concept.

Bien que ce soit une soirée stimulante au théâtre dans le meilleur sens, elle reste incomplète et non finie et invite à une nouvelle révision et réflexion de la part des artistes très capables et des créateurs hautement réfléchis.

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