CRITIQUE : L'Homme et le Surhomme, Théâtre Lyttelton ✭✭✭✭✭

Ralph Fiennes et Indira Varma dans Man and Superman de Shaw au National Theatre. Photo : Alastair Muir Man and Superman

Théâtre Lyttelton

26 février 2015

5 étoiles

La seule chose que l'on peut attendre d'une pièce écrite par George Bernard Shaw, c'est au moins la promesse de prolixité. Le grand dramaturge n'est pas connu pour sa faculté à exposer de manière succincte. Une enquête auprès du personnel de la billetterie a suscité le conseil prudent que la représentation au Lyttelton devait durer "environ trois heures et quarante minutes. C'était quatre heures à l'ouverture mais ils ont coupé vingt minutes." Ce n'était donc pas surprenant que la première moitié de la production ait duré un peu moins de deux heures.

Ce qui était inattendu, c'est à quel point ce temps a été rempli de rires et de bonne humeur et comment il semblait n'avoir duré que vingt minutes. La production époustouflante de Simon Godwin de Man and Superman, actuellement au Lyttelton Theatre dans le cadre de la saison d'adieu de Nicholas Hytner au National, fait éclater la pièce en quatre actes de Shaw, vieille de 112 ans, comme un match de tennis philosophique d'idées et d'idéaux, plein d'esprit, d'innovation et de pur délice.

La production de Godwin contraste fortement avec l'autre pièce "grandes idées" actuellement à l'affiche au National : The Hard Problem de Tom Stoppard. La production est bien supérieure, le casting presque parfait et la présentation du texte plus vivante, captivante et absolument envoûtante. Mais, plus que cela, la compétence de Shaw dans Man and Superman réside dans sa capacité à créer des personnages avec lesquels il est possible d'empathiser, qui semblent réels (Lucifer lui-même y compris) et pour lesquels nous nous soucions. Shaw amène Stoppard à son propre jeu. Godwin vous montre pourquoi.

La pièce de Shaw se compose de quatre actes. Le troisième contient une section souvent coupée, parfois jouée seule, sous le titre Don Juan au paradis. Dans la version intégrale en quatre actes, cette séquence apparaît comme un rêve du personnage principal, Jack Tanner. Elle se déroule en enfer et implique le diable et trois des personnages principaux (en quelque sorte) du Don Giovanni de Mozart. Une des idées inspirées de Godwin ici est de ne pas diviser les moitiés de cette production selon les actes de Shaw. La première moitié continue ainsi jusqu'au troisième acte de Shaw, se terminant peu après que le rêve de Tanner commence.

Le résultat est extrêmement efficace. Les premier et deuxième actes se déroulent dans et autour d'une grande maison anglaise ; le troisième commence en Sierra Nevada, exotique mais grandiose, mais le rêve a lieu en enfer. Le changement est soudain, inattendu et transparent (grâce au savoureux décor de Christopher Oram). Nous voyons Tanner enfiler les bottes et le manteau d'époques révolues, mais nous ne savons pas pourquoi. Il semble malheureux et ses environs sont maintenant simples, sans caractéristiques, une boîte blanche représentant le néant sans fin. Une vieille femme est également présente. Elle demande à Tanner, étrangement vêtu, où ils se trouvent. Il répond "Enfer", et le noir signalant l'entracte intervient.

C'est à la fois remarquablement captivant et habilement intelligent. Quiconque dont la capacité d'attention moderne est mise à l'épreuve par le temps déjà passé dans le théâtre est secoué hors de sa complaisance. Deux questions éclatent - Que diable vient-il de se passer? et Que va-t-il se passer?

Aussi loin que j'ai pu voir, personne n'est parti à l'entracte. La stratégie de Godwin était trop alléchante.

La production n'est pas tellement une robe moderne qu'une modernisation – les costumes d'Oram ont l'esprit du temps de Shaw tout en étant plus actuels. Cela souligne le point de Godwin : les questions qui engageaient l'esprit et l'esprit de Shaw à l'époque ont une application tout aussi pertinente aujourd'hui. Il pourrait y avoir des téléphones portables en 2015 mais le débat philosophique est toujours incroyablement pertinent, les différences de classe toujours profondes, les riches oisifs sont toujours oisifs et riches. La modernisation de la production met en avant l'esprit et l'actualité de l'écriture de Shaw de manière simple, directe et sans fioritures. C'est inspiré.

Le casting l'est presque tout autant.

Au premier plan, supportant une charge de travail herculéenne de dialogues compliqués et denses, Ralph Fiennes est en pleine forme. Il a une énergie inépuisable et bien qu'il fasse claquer le texte à une vitesse remarquable, il donne de la valeur à chaque mot et rend chaque passage clair et simple. Il est phénoménal, comme un éclair confiné à la scène. Vers la fin de la pièce, alors que la comédie prend le pas sur la discussion philosophique, Fiennes canalise son James Stewart intérieur avec un grand effet, complet avec une expression canine et une physicalité contorsionnée.

Fiennes a une voix glorieuse et sait comment l'utiliser au mieux, énergisant tout ce qu'il fait. Et il crée clairement, brillamment, un personnage différent dans la séquence du rêve en enfer, un personnage qui est absurdement drôle et magnifiquement déprimé, comme le sont tous les penseurs engagés. Fiennes est le Superman dans cette production.

Tim McMullan, dans la performance de sa carrière, est tout simplement glorieux en tant que brigand philosophique, Mendoza, puis monte d'un cran pour livrer un diable suave, scélérat et sublimement drôle dans la séquence en enfer. Son entrée comme le diable, avec une table à boissons exquise et bien garnie, est l'une des plus nettes et des plus drôles que j'aie vues sur la scène du Lyttelton. McMullan incarne la décadence comme le diable ; c'est un cours magistral de séduction vocale.

Son brigand est également joyeux – et fournit un contrepoint frais et drôle à l'autre théorisation dans laquelle s'engage le Tanner de Fiennes. Nicholas Le Provost incarne la moralité de haute volée de la classe moyenne anglaise avec une précision sans faille sous les traits du délicieusement nommé Roebuck Ramsden. Son indignation éclatante face aux pensées douteuses de Tanner est délicieusement jugée et il travaille merveilleusement bien avec Fiennes dans les pièges et jeux de mots tendus par Shaw dans le premier acte.

Le Provost parvient également à incarner un personnage entièrement différent dans les scènes en enfer et il est peut-être à son meilleur en elles. Il donne vie au Commandant (tué par Don Giovanni/Juan) avec un humour espiègle et vif et vêtu d'une redingote mozartienne toute blanche (complète avec des ailes célestes) prouve être absolument irrésistible : le joyeux farceur qui, fatigué de l'ennui du paradis, opte pour une vie de truant en enfer. Ses arguments pour agir ainsi sont habilement livrés. C'est une performance délicieuse et astucieuse.

Ferdinand Kingsley, en tant que Ricky Ticky Tavy, a le rôle le plus difficile : il est très difficile de jouer quelqu'un qui est perpétuellement mou. Mais Kingsley y parvient joliment, avec un jeu doux et très attachant. Shaw semble suggérer que le personnage est secrètement gay, et Kingsley garde cette possibilité ouverte. Très intelligent.

Faye Castelow est superbe dans le rôle de la déterminée et fougueuse Violet et Christine Kavanagh est tout aussi superbe en tant que mère fatiguée de deux enfants qui souhaiterait que d'autres soient ses enfants. Corey Johnson est parfait, tout à fait parfait, dans le rôle de l'Américain fortuné, bruyant, odieux, hautement stressé, dont le mépris pour la classe moyenne anglaise est volcanique et montagneux. Nick Hendrix est étonnamment beau, mais un peu unidimensionnel, dans le rôle du fils américain viril prêt à tout perdre pour Violet.

Il y a une performance merveilleuse de l'exceptionnel Elliot Barnes-Worrell dans le rôle d'Enry Straker, le chauffeur et rappel à la réalité de Tanner. La relation entre langue, classe et société serait explorée plus en détail par Shaw dans le célèbre Pygmalion, mais Enry est une création délicieuse qui, comme le dit Tanner :  "prend plus de peine à faire tomber ses h que jamais son père n’a fait pour les ramasser. C'est un signe de caste pour lui. Je n'ai jamais rencontré quelqu'un d'aussi gonflé de fierté de classe qu'Enry."

Indira Varma incarne Ann, la némésis de Tanner. Elle est belle et fougueuse, une faiseuse de méfaits complètement trompeuse. La performance fonctionne à moitié, mais elle est épuisante par sa stridence à intervalles réguliers et manque du charme génial et attrayant que quelqu'un qui est connu pour être un menteur et un manipulateur doit posséder pour se tirer d'affaires. Le meilleur travail de Varma a eu lieu dans la séquence en enfer, où son personnage est confus face aux attitudes des autres qu'elle y rencontre. Ann de Varma n'est pas une catastrophe, mais elle ne fonctionne pas aussi exceptionnellement que toutes les autres performances principales.

Simon Godwin a réalisé ici quelque chose de presque miraculeux. Cette production de Man and Superman de Shaw établira une référence pendant des décennies. Elle est vivante de toutes les manières possibles, débordante de style, de sens et de sensibilité. Avec Fiennes, McMullan et Le Provost en grande forme, c'est une soirée ensorcelante et séduisante au théâtre, qui vous laissera réfléchir à des questions sérieuses avec le sourire aux lèvres.

Man and Superman est à l'affiche au National Theatre jusqu'au 17 mai 2015