CRITIQUE : Mack And Mabel, Théâtre du Festival de Chichester ✭✭✭✭

Rebecca LaChance dans le rôle de Mabel et Michael Ball dans celui de Mack. Photo : Manuel Harlan Mack et Mabel

Théâtre du Festival de Chichester

17 juillet 2015

4 étoiles

Lorsque Mack et Mabel de Jerry Herman (livret de Michael Stewart, musique et paroles de Herman) a ouvert en 1974, au Kennedy Centre avant son transfert à Broadway, Richard Coe du Washington Post a opiné qu'il "a atterri avec tout le panache d'un flétan très mort et mouillé". Cette première production à Broadway, malgré la présence de Robert Preston et Bernadette Peters, a duré 66 représentations et a été généralement considérée comme un échec.

Actuellement en avant-première au Théâtre du Festival de Chichester, c'est la reprise de Mack et Mabel par Jonathan Church (avec des révisions du livret par Francine Pascal), avec direction musicale de Robert Scott, chorégraphie de Stephen Mear, et décors et costumes de Robert Jones. Scott, Mear et Jones jouent un coup de maître ; Church, pas tellement.

Ce musical est quelque peu une rareté dans le répertoire de Herman : c'est une tragédie musicale plutôt qu'une comédie musicale et il se concentre sur un homme, plutôt que sur une femme ou un couple.

L'homme en question est Mack Sennett, une légende du cinéma muet dans la vraie vie, et la comédie musicale traite d'une histoire réelle : la montée et la chute de Mack Sennett. Clé de tout cela, c'est l'implication de deux femmes dans sa vie, Lottie Ames, une "vieille danseuse" qui fait partie de sa 'famille' cinématographique, et Mabel Normand, une jeune employée de charcuterie qui arrive par hasard sur un plateau sonore de Sennett et change leurs vies.

Raconté en flashback, avec un Sennett défait, en faillite et sur le point de perdre son studio, se remémorant son temps sur les plateaux où il pratiquait son art comique, le récit est sans compromis. Sennett n'est pas un personnage particulièrement chaleureux, mais il est animé par une passion pour les films muets qui font rire les gens. Son objectif est de faire rire, à l'exclusion de presque tout et de tous les autres, et des besoins de quiconque. Il n'est pas motivé par l'argent, mais par le désir de faire rire. C'est un tyran et un menteur, mais ceux qu'il trahit lui restent malgré tout fidèles, malgré ses défauts (qui incluent le non-paiement de ses travailleurs).

Sennett dit au public dès le début qu'il s'est rendu compte des années après être tombé amoureux de Mabel que c'est arrivé. Ce n'est pas une histoire d'amour traditionnelle. Sennett précise qu'il ne sera jamais romantiquement enclin envers Mabel, qu'elle sera toujours un second lointain par rapport à son travail. Elle accepte cela, au début, mais trouve son indifférence et son intransigeance difficiles à supporter. Elle part, s'implique avec un producteur rival et est consumée par une addiction à l'alcool et aux drogues.

Lorsque Sennett est indigné par la manière dont les journaux parlent de Mabel, son vieil ami, Frank (Kapra) doit lui faire face à la vérité : Mabel a été poussée à la cocaïne par Sennett ; la consommation était le seul moyen pour elle de faire face à son emploi du temps de tournage punitif. Mack va la sauver, l'épouser, mais il est trop tard.

Opposée à cette histoire triste, se trouve parmi la musique la plus vitale et revigorante de Herman. La partition est riche en mélodies et il y a de nombreux numéros lumineux et joyeux. Le truc de mise en scène avec Mack et Mabel est de naviguer entre la partition exubérante et le récit tragique pour que l'ensemble de l'œuvre ait un sens dramatique. La clé de tout cela est le choix du casting et le jeu du rôle de Mack.

Le choix de Church pour Mack est Michael Ball. Lorsque cette décision a été annoncée pour la première fois, je l'avoue, j'étais perplexe. Michael Ball est un artiste accompli et talentueux, il avait été le meilleur Edna Turnblad que j'avais jamais vu dans Hairspray, mais Mack semblait un rêve impossible. Sur la force de la performance de ce soir, mes craintes étaient totalement infondées.

Photo : Manuel Harlan

Ball est un Mack exceptionnel, absolument convaincant. Il entre totalement dans la peau du personnage, trouvant exactement le bon niveau pour chaque moment de colère, de détermination acharnée et d'insensibilité désinvolte. La passion pour faire des films comiques qui peuvent faire rire des gens de toutes races et croyances, en tout lieu sur la planète, est l'épine dorsale de la caractérisation de Ball. Il est entièrement dépourvu de sentimentalisme dans son interprétation et ne cherche jamais à obtenir l'approbation du public. C'est très intelligent ; le public voit le respect et la loyauté que Mack suscite, et grandit pour l'aimer malgré ses comportements occasionnellement à la Blofeld. De même, ses moments de réflexion honnête sur ses défauts sont splendidement exécutés.

Musicalement, Ball est exceptionnel. Il utilise sa voix grande et lumineuse avec adresse, produisant des notes claires et fortes, des phrases retentissantes de grande couleur et des passages parfaitement soutenus de chant doux et délicat. Son travail dans "Films étaient des films", "Je n'enverrai pas de roses", "Je veux faire rire le monde" et, surtout, "Je te promets une fin heureuse" est remarquable, et le voit testé vocalement de différentes manières. Délicat ou tonitruant, chaque mot est clair et chaque note est juste, beaucoup d'entre elles sont palpitantes à entendre en direct. Il n'est pas en reste dans le département de la danse non plus, étonnamment agile et énergique en ce qui concerne le mouvement.

C'est une performance incroyable, intransigeante et exceptionnelle, une qui fixera un point de référence pendant longtemps. Ball pourrait jouer ce rôle à distinction à Broadway. Cela vaut la peine de voir cette production simplement pour voir Ball déployer son talent. Pur or.

Les autres véritables étoiles de cette production sont le soutien orchestral méticuleux et judicieusement cuivré de Robert Scott, son attention rigoureuse au détail des harmonies et mélodies et la manière dont l'ensemble attaque le chant, les chorégraphies inventives et incessamment captivantes de Stephen Mear, et le design de scène simple, mais très efficace, de Robert Jones ainsi que les costumes souvent spectaculaires, parfois glorieux et glamour ou outrageusement désuets.

Le chant d'ensemble est formidable tout au long, avec diction, précision et énergie les marques de fabrique. À peine une consonne est perdue par l'ensemble, et il y a une richesse et une assurance solide dans les grands numéros qui en font des bijoux pour les oreilles. Certains des tempi sont légèrement trop lents, mais cela devrait s'améliorer à mesure que le spectacle s'installe. À juste titre, la danse de Mear ne prend jamais le pas sur la musique ; selon sa volonté, il a calibré la chorégraphie pour compléter et rehausser le chant plutôt que de la détourner.

Il y a tellement de routines excellentes, mais les exceptionnelles se concentrent autour de "Big Time", "Hundreds of Girls", "When Mabel Comes In The Room" et "Tap Your Troubles Away". Chacune est effervescente, fluide et très engageante ; dans plusieurs cas, Mear construit des couches dans les routines, démarrant par une ligne et en ajoutant de plus en plus par la suite. C'est une technique parfaite pour ce spectacle.

"Hit 'Em On The Head", un hommage musical aux célèbres Keystone Cops, est exactement ce qu'il faut pour évoquer le sens de ces héros du cinéma muet ; parfois il est difficile de croire que l'on ne regarde pas une version en couleur de l'une de leurs chefs-d'œuvre burlesques. Il y a d'autres excellents moments également – la danse douce en arrière-plan à l'endroit chic où Mabel rencontre pour la première fois le producteur rival, WD Taylor, offre un contexte séduisant et décadent à la rencontre ; le moment où un danseur en maillot de bain (Ashley Andrews – juste formidable) surfe sur trois grands ballons de plage avant de se relever et de repartir sans broncher est un moment Wow! puissant. Mear saisit chaque opportunité d'utiliser le mouvement pour améliorer les événements et il réussit avec une précision infaillible.

Les costumes de Jones sont magnifiques et parfaitement adaptés à l'époque. Ball est habillé de costumes trois pièces flatteurs et très beaux. Mabel a la chance d'avoir des tenues superbes, avec une attention aux détails immaculée dans les dizaines et dizaines de costumes que l'ensemble porte, allant des maillots de bain aux tenues chiques avec des uniformes de police et de serveur le long du chemin.

Étant donné que la pièce est fondamentalement connectée à la réalisation de films, il est inspiré d'utiliser si adroitement des projections en arrière-plan pour établir l'ambiance et le décor. Les éléments de décor rares sont tous ingénieux et fonctionnent bien, créant des notions efficaces de wagons de chemin de fer, de lieux glamour de boutique, et de paquebots de croisière internationaux, ainsi que de l'empire studio qui est celui de Sennett. Tout sur l'aspect et la sensation des décors et costumes fonctionne, et l'éclairage de Howard Harrison est merveilleusement en accord avec l'ambiance – froid pour Sennett, chaud pour Mabel.

Photo : Manuel Harlan

Ball bénéficie d'un soutien formidable. Gunner Cauthery est splendide en tant que Frank, l'assistant de bureau contraint à une carrière d'écrivain par Mack, qui porte une torche pour Mabel mais accepte son indifférence envers lui d'un point de vue romantique. Cauthery est naturel et crédible en tant que Frank, offrant une performance finement jugée qui est uniquement améliorée par son excellent chant. En tant que Fatty, la star comique du film muet, Jack Edwards est formidable et véritablement drôle. Mark Insoe dégage du charme à chaque pore en tant que WB Taylor parvenant à un mélange parfait de faux sophistication mielleux et de prédateur rusé avec une aisance consommée.

Alex Giannini et Timothy Quinlan sont parfaits en tant qu'hommes d'argent, Baumann et Kessell, qui gardent Sennett aussi honnête que possible concernant le profit et la perte. Michelle Francis (Iris), Andrew Waldron (Andy, le Grip) et Joseph Prouse (Eddie) se distinguent tous.

Là où Church trébuche, et sérieusement, c'est dans le casting et l'interprétation des deux femmes clés du spectacle : Lottie et Mabel.

Lottie a deux personnalités distinctes - son actrice à l'écran et la Lottie du monde réel. La première est une caricature ; la seconde doit être différente, réelle, loyale et chaleureuse. C'est, après tout, Lottie qui finit par convaincre Mack qu'il a besoin de Mabel et dont la défection à un studio rival le blesse profondément. Pour que ces moments fonctionnent correctement, la Lottie hors écran doit avoir du cœur et un charme naturel.

C'est vrai aussi en ce qui concerne la livraison de la musique. "Big Time" fonctionne mieux si Lottie mène avec véritable excitation, une chaleur authentique et un espoir contagieux. Bien sûr, il doit être cuivré et chanté à plein poumon, mais il doit également être exaltant excite : froide, coupe de verre précise ne suffit tout simplement pas. "Tap Your Troubles Away", le numéro de onze heures ici, est une chance pour Lottie, libérée de la tyrannie de la prise directe de Sennett, de s'épanouir et de fleurir, de laisser son personnage de scène être consommé par sa joie réelle et cœur. De même que le départ de Mabel détruit Mack, le départ de Lottie le transforme et le libère.

Church laisse ces moments passer sans rien. Anna-Jane Casey est une danseuse formidable et profite de pouvoir montrer ses jambes agiles en tant que Lottie. Elle est formidable dans