CRITIQUE : Peines d'amour perdues, Royal Shakespeare Company ✭✭✭✭

Peines d'amour perdues. Photo : Alastair Muir Peines d'amour perdues

Théâtre Royal Shakespeare

15 novembre 2014

4 Étoiles

Je pense qu'il est sûr de dire que le design délicieux et superbement beau de Simon Higlett pour la production de Christopher Luscombe de Peines d'amour perdues de Shakespeare, actuellement en représentation au Théâtre Royal Shakespeare de Stratford-upon-Avon, est la combinaison de décor et de costumes la plus ambitieuse, la plus évocatrice et la plus réussie depuis la réouverture du théâtre rénové. C'est un triomphe visuel et il fournit l'environnement parfait pour le texte.

Basé sur le véritable Charlecote Park (où Dame Judi Dench et Shakespeare ont, à des siècles différents, été impliqués dans des accusations de braconnage de cerfs), le décor utilise un énorme camion de voyage, une trappe qui permet à un magnifique toit décoratif d'émerger de sous la scène et deux tours imposantes de pavillon d'entrée ; il y a une bibliothèque merveilleuse et une belle pelouse anglaise ainsi que d'autres délices. Avec les costumes délicieux, l'effet total est glorieux - un été anglais déclinant d'un temps lointain.

Une partie de l'astuce ici est que ce décor est aussi utilisé dans la production de Luscombe de Beaucoup de bruit pour rien, que Gregory Doran a renommée Peines d'amour gagnées pour cette saison du RSC, donc, présumément, il a deux fois le budget d'une production unique. Néanmoins, c'est un triomphe absolu du design ; compétence, ingéniosité et praticité en parfaite harmonie.

Peines d'amour perdues est souvent comparée défavorablement à Beaucoup de bruit pour rien mais il n'a jamais été facile de comprendre pourquoi. Les deux mettent en scène deux couples centraux qui flirtent et se disputent, les deux comportent des échanges verbaux aigus entre l'un de ces couples, les deux sont pleines de malentendus et impliquent le bris de vœux et les deux comportent une intrigue secondaire impliquant un personnage masculin étrange poursuivant ses propres fins. L'une se termine plus heureusement, dans le sens conventionnel, que l'autre, mais l'indication est dans le titre - Peines d'amour perdues. Même alors, les travaux ne sont pas perdus, simplement différés, du moins en théorie.

Vu de cette manière, la décision de Doran de renommer Beaucoup de bruit pour rien prend sens. Les deux pièces ont de grandes similitudes mais des résultats différents. Cela semble être un couplage naturel. Et si cela était l'étendue de « l'intervention », il y aurait peu de quoi se plaindre.

Mais Luscombe semble peu disposé à laisser le texte faire le travail, imposant une sensibilité d'opérette à la pièce qui, au début, semble étrange mais charmante, mais qui plus tard, dans le deuxième acte, devient trop compliquée, légèrement contre-productive et totalement incongrue. Et puis, sans artifice et vraiment à l'encontre de l'esprit de la propre fin de Shakespeare, les quatre hommes courtisants (le Roi de Navarre et ses camarades étudiants) apparaissent en uniforme, saluent leurs dames et amis et partent pour la Première Guerre mondiale - et une probable mort. Évidemment, l'insertion du motif de guerre sert à aider l'ensemble de la saison, avec une pièce se déroulant avant-guerre et l'autre après, mais cela semble plus maladroit et plus discordant qu'un des mots d'esprit mal composés de Don Armado.

Heureusement, à la plupart des autres égards, la production est bénie avec un bon jeu d'acteurs, un timing impeccable et un sens du style, de la malice et de l'assurance qui accentue ses points forts. Beaucoup de bruit pour rien est souvent décrit comme le sommet de l'escrime verbale de Shakespeare, mais, en vérité, Peines d'amour perdues a cet honneur. Presque tout le monde essaie de surpasser tout le monde avec un arsenal de répliques, de quolibets et d'apartés quizzicaux et, heureusement, Luscombe cherche à en tirer le meilleur parti.

De loin la plus glorieuse dans cette repartie acérée est Michelle Terry, dont Rosaline scintille et tranche comme le diamant multifacette qu'elle devrait être. Terry est douée et accomplie, chaque coup verbal parfaitement délivré est un plaisir à entendre. Elle manipule les passages rapides avec une aisance consommée, est la camarade parfaite de ses sœurs en cour enjouée et, impeccablement, fait trébucher Berowne, son ardent admirateur, alors que sa langue le fait vaciller. Terry est un pur régal à regarder.

Sam Alexander est merveilleux en tant que Roi de Navarre légèrement pompeux, légèrement obtus, mais entièrement charmant. Il a une expression attachante de chiot perdu dans un brouillard qui est séduisante et, en même temps, peut produire une détermination d'acier en un instant. C'est une interprétation royale convaincante et un délice à regarder et à écouter, tant son jeu est imprégné de joie et d'esprit. Il s'est lancé dans la routine de danse moscovite (lorsqu'il et ses compagnons essaient de faire des farces avec leurs amours) avec une irrépressible sincérité. Vraiment impressionnant.

En tant que Princesse de France, Leah Whitaker est l'élégance et la régence personnifiées. Une certaine arrogance, légère et éphémère, imprègne chacun de ses gestes et phrases et vous sentez qu'elle est à la fois dorlotée et précise. Elle s'anime avec une sorte d'enthousiasme de fille de hockey pour les machinations, mais maintient constamment une distance avec ses sujets, exactement comme le fait le Roi d'Alexander. Ils semblent parfaitement assortis. Lorsque la nouvelle de la mort de son père arrive, Whitaker est immaculée - elle transmet parfaitement le sens de sa perte personnelle, de son devoir envers son pays et son défunt père et, doucement mais fermement, refuse la main d'Alexander jusqu'à ce que la période de deuil de 12 mois soit passée. C'est un moment dévastateur, magnifiquement jugé.

Berowne est le rôle que l'on soupçonne Shakespeare d'avoir écrit pour lui-même et c'est un cadeau ; une combinaison merveilleuse d'échanges rapides et spirituels, de bouffonneries franches, de répliques glorieuses, de monologues enchanteurs et poétiques et de moments de clarté haletante sur la condition humaine. Edward Bennett fait un bon Berowne - sa clarté et sa sûreté rendent les passages rapides amusants et sa maîtrise de la langue et de la technique assure que ses discours, notamment celui visant à inspirer ses camarades à la fin du premier acte, sont ravissants, inspirants et assez beaux. Mais il pourrait être plus malicieux, plus assuré, plus déterminé quant à ses propres capacités et talents, car c'est de ce sens de lui-même que beaucoup d'hilarité peut être extraite.

Don Armado peut être un rôle fastidieux ; il nécessite un acteur comique approprié avec une technique précise et un sens vivace de l'autodérision. Il y a beaucoup de lignes absurdes et de blagues codées à rendre fonctionnelles, et John Hodgkinson fait un travail superbe en tant que ce clown à l'accent ridicule. Il a une assistance particulièrement merveilleuse de Peter McGovern en Moth, un groom aussi vif qu'une aiguille, doté d'un esprit vif, d'une disposition joyeuse et d'une belle voix chantante. McGovern dynamise chaque scène où il entre et son Moth est parfait, bourdonnant autour de la flamme du farfelu Don Armado.

David Horovitch est tout à fait merveilleux en maître d'école succinct, loquace et prétentieux, Holofernes ; Jamie Newall rend Boyet un ambassadeur amateur de champagne d'une grâce et d'un style formidables ; Tunji Kasim est un délice en Dumaine obsédé par l'ours en peluche (dans un clin d'œil humoristique à Brideshead Revisited) qui peut aussi bien glousser qu'il peut courtiser ; et Roderick Smith annonce la mauvaise nouvelle au sujet du père de la Princesse avec une précision sombre.

Nick Haverson (Costard) et Emma Manton (Jacquenetta) en faisaient un peu trop avec leurs personnages rustiques stéréotypés ; aucun d'eux n'était aidé par la fausse folie de Gilbert et Sullivan que Luscombe a greffée aux événements. Sinon, le reste de la distribution ici réunie est en bonne forme et aide les événements à atteindre une impression générale de joie constante.

Nigel Hess fournit une musique incidentale agréable mais aucun des arrangements des chansons que Shakespeare a écrites dans la pièce ne transcende les plaisirs futiles. Oliver Fenwick éclaire tout de manière experte, faisant étinceler le décor et les costumes, et il y a des tableaux assez transfixants impliquant les quatre couples d'amoureux. Il y a un excès de talent impliqué pour rendre cette production aussi belle qu'elle l'est.

Il y a tellement de choses à aimer et à apprécier ici. Luscombe a réuni une distribution et une équipe exemplaires pour ce projet. Se concentrer sur le texte, cependant, plutôt que sur les détours dans l'opérette aurait donné de meilleurs résultats. Mais, sans aucun doute, quand les derniers saluts se terminent ici, vous souhaitez voir cette compagnie dans la pièce complémentaire, Peines d'amour gagnées.