CRITIQUE : L'Amour dans l'Oisiveté. Apollo Theatre ✭✭✭

Eve Best (Olivia Brown) et Anthony Head (Sir John Fletcher). Photo : Catherine Ashmore Amour en Idleness

Apollo Théâtre

18 mai 2017

3 Étoiles

Réservez vos billets Récemment, on a constaté un regain d'intérêt pour le chef-d'œuvre de Terence Rattigan, « The Deep Blue Sea », avec des reprises prestigieuses, un nouveau film, et même une nouvelle pièce brillante, « Kenny » de Mike Poulton, basée sur les événements réels qui l'ont inspirée et aussi sur le drame minutieusement conçu qui en a découlé. Il était donc probablement temps que quelqu'un ressorte sa collection de croquis pour la pièce ultérieure, bien plus pleinement réalisée et couronnée de succès, l'œuvre qui est connue par une référence particulière au « Songe d'une nuit d'été » de Shakespeare, qui se retrouve désormais à passer du Menier Chocolate Factory dans cette relocalisation du spectacle sur Shaftesbury Avenue.

Présentée – dans le graphisme soigneusement arrangé de Bob King - comme un triumvirat entre un jeune homme, Michael Brown, une femme dans la fleur de l'âge, Olivia Brown, et un homme plus âgé, Sir John Fletcher, la pièce propose une simple histoire de basculement d'une liaison adultère par le retour, après des années d'absence, du fils désormais beaucoup plus adulte et problématique de la dame. Le fait que l'ancien amant (marié) soit également ministre dans le cabinet de guerre de Churchill, et que sa maîtresse soit une socialite habilement efficace, rend difficile la compréhension de la facilité avec laquelle leur arrangement est perturbé par un jeune Canadien de 17 ans de retour d'évacuation, ne supportant qu'un examen passager. Mais ce n'est que la première et principale de littéralement des dizaines de faiblesses dans le script. C'est une véritable boîte à malice, assemblée peut-être à la hâte par le habituellement beaucoup plus soigneux Rattigan, où à chaque page ou deux, nous voyons un nouveau style, une nouvelle « influence » (ou emprunt). Dans le monde du divertissement léger du West End, on pourrait prétendre que de telles critiques n'ont pas d'importance. Mais cela n'est vrai que si rien d'autre à propos de la pièce n'a d'importance non plus. Et, si c'est le cas, pourquoi la monter ?

Eve Best (Olivia Brown), Anthony Head (Sir John Fletcher) et à l'arrière-plan Edward Bluemel (Michael Brown). Photo : Catherine Ashmore

Eh bien, je pense connaître la réponse à cette question. Cela donne libre cours à trois acteurs talentueux pour montrer ce qu'ils savent faire. Dans le cas des hommes, un jeune premier charismatique et agréablement formé a l'occasion de parader sa stature impériale, et un contrepoids plus digne est apporté par un acteur de caractère aux cheveux gris, qui nous rappelle que dans les affaires de cœur, l'expérience compte bien plus que toute l'impulsivité ou les caprices de la jeunesse. Entre ces deux pôles audacieusement dessinés, la dame en question, tiraillée de tous côtés comme une marionnette œdipienne par la mécanique de l'intrigue, a deux options : soit elle tente l'impossible et essaie de synthétiser une sorte de « caractérisation » cohérente à partir des bribes proposées par le rôle construit par l'auteur, soit - et c'est ce qui se passe ici - elle est une forte personnalité avec des adeptes loyaux et dévoués capables, par sa seule force de volonté, de surmonter les innombrables contradictions et non-sens semés sur son chemin par l'auteur et de tracer un chemin jusqu'à la ligne d'arrivée, faisant croire au public qu'ils n'ont pas entièrement gâché le prix du billet.

Dans ces circonstances, rendons grâce à ce casting. Le jeune homme est joué avec une énergie débordante par le nouveau venu à la chevelure abondante, Edward Bluemel, le gentilhomme senior est interprété avec une compétence exceptionnelle par l'expert patricien Anthony Head, et la femme qui doit naviguer entre eux - si vous me pardonnez l'expression - n'est autre qu'Eve Best, qui ici livre un exemple parfait de la façon dont un « tour » en fonte peut sauver une pièce de l'oubli. Émerveillé par la pure détermination de ces trois acteurs à faire triompher leur professionnalisme face au manque d'application de l'auteur dans ce domaine, le public à la conclusion des quatre scènes spacieuses (dans tous les sens du terme) qui composent ce récit s'est levé d'un bond - non, pas dans l'empressement de prendre son train de retour mais dans l'admiration honnête de ce qu'ils venaient de voir : la transformation d'une oreille de truie en un sac de soie.

Eve Best (Olivia Brown) et Edward Bluemel (Michael Brown). Photo : Catherine Ashmore

Dans cet effort titanesque, les acteurs sont soutenus et encouragés par l'un des metteurs en scène les plus expérimentés du pays : Trevor Nunn. Peu de gens peuvent en savoir plus que lui sur la façon de dissimuler les défauts de construction, les erreurs de psychologie, les fautes de registre, le cliquetis métalliques de dialogues inachevés ou l'abandon désinvolte de la logique qui encombrent ce script comme des tas entassés de décombres de versions antérieures bombardées. Les premières pages ne sont pas trop mauvaises, très à la manière de Noel Coward, avec juste une touche de Somerset Maugham. Avec l'entrée du jeune homme, cependant, on bascule dans un territoire sous-freudien à la Graham Greene, une maladroite « variation » sur « Hamlet », et le décor - solidement construit selon les plans sérieux de Stephen Brimson Lewis - commence véritablement à vaciller sous nos yeux. Avec des grincements audibles, nous commençons à avancer péniblement dans le pays de John Drinkwater, puis sommes transportés sur un plateau de tournage de Powell et Pressburger, ou serait-ce Basil Dearden. Et on se demande : pourquoi ?

Edward Bluemel (Michael Brown) et Anthony Head (Sir John Fletcher). Photo : Catherine Ashmore

Peu importe. Lewis permet à Miss Best d'être ravissante à tout moment, dans une série de robes exquises, bien qu'il surpasse tous les designs en la plongeant dans un look extrême à la Googie Withers « véridique » pour le tableau final. Néanmoins, elle surpasse toujours la concurrence plus habillée : Charlotte Spencer dans le rôle de la tête en l'air Diana Fletcher (l'épouse chercheuse de richesses de son amant), ou Nicola Sloane dans celui de la Miss Wentworth aux atours criards. Sloane et Vivienne Rochester jouent également - brièvement - deux autres femmes de la maison Fletcher, la bonne Polton et la secrétaire Miss Dell, deux rôles négligemment sous-écrits et jetés par un auteur apparemment uniquement soucieux de donner autant de temps de scène que possible à ses vedettes.

Tandis que cela se produit, Paul Pyant s'assure que les lumières s'allument - et s'éteignent - aux moments appropriés ; Gregory Clarke veille à ce que l'on entende une radio et, au début du spectacle et lors des changements de scène, un journal télévisé tonitruant ; et Duncan Mclean sert les fameuses séquences cinématographiques pour essayer de donner une crédibilité à ce qui se passe entre-temps. Tout cela est très beau - même les murs de prison qui semblent entourer l'intérieur sobrement meublé de la maison de Sir John. Si vous sentez que vous devez ajouter cela à votre liste de redécouvertes de pièces justifiées obscures et oubliées, au moins cela ne vous fera pas de mal - visuellement - de faire un tour.

Quoi que vous fassiez, ne vous attardez pas sur le fait qu'il y a beaucoup, beaucoup de meilleures pièces qui auraient pu être choisies, et à qui toutes ces ressources auraient été consacrées, et ne l'ont pas été. Si vous souhaitez vous renseigner sur pourquoi cela s'est produit, veuillez adresser toute correspondance à ce sujet aux producteurs.

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