CRITIQUE : Little Miss Sunshine, Théâtre Arcola ✭✭✭

Julian Eaves critique Little Miss Sunshine, la comédie musicale, qui se joue actuellement au Arcola Theatre avant une tournée au Royaume-Uni.

De gauche à droite à l'avant : Lily Mae Denman, Sev Koeshgerian, Laura Pitt-Pulford, Derrière : Paul Keating, Gary Wilmot, Gabriel Vick. Photo : Manuel Harlan Little Miss Sunshine

Arcola Theatre,

1er avril 2019

3 Étoiles

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Alors que les files d'attente s'étirent autour de l'Apollo Theatre, Shaftesbury Avenue, composées de jeunes passionnés de théâtre et de leurs familles obéissantes, venus adorer le sanctuaire de celui qu'on appelle 'Jamie', les directions à travers le pays recherchent leur propre version du Saint Graal de la comédie musicale : un succès garanti de dimensions comparables.  Selladoor Productions, en collaboration avec le Arcola Theatre, croit peut-être avoir trouvé la leur dans ce lancement européen d'une création de Sundance-La-Jolla-Off-Broadway vieille de près de 10 ans, sur une petite fille du Nouveau-Mexique piquée par le virus du showbiz, qui entraîne toute sa famille à l'accompagner à un concours de beauté pour enfants en Californie lointaine.  À la fois spectacle de famille excentrique, road movie et conte de fée, c'est une fusion de 'Annie' rencontre 'Gypsy' rencontre 'Matilda'.  Avec un livre de James Lapine et une partition de William Finn - un duo qui a connu un énorme succès avec 'The 25th Annual Putnam County Spelling Bee' - cela promet beaucoup.  Le directeur, fondateur et chef du Arcola, Mehmet Ergen, a un long parcours à faire des merveilles avec des comédies musicales inhabituelles et stimulantes : ce qui promet encore plus.  Une compagnie assez importante a été réunie pour entreprendre une tournée nationale significative (y compris quatre enfants, tous devant être répartis en triple distribution et chaperonnés), embrassant des lieux assez importants (c’est-à-dire spacieux).  L'ensemble de la compagnie comprend certains des meilleurs acteurs de comédies musicales du pays.

De gauche à droite à l'avant : Laura Pitt-Pulford, Gabriel Vick, Gary Wilmot, Paul Keating, Lily-Mae Denman et Sev Keoshgerian. Photo : Manuel Harlan

En parlant de cela, je pense que la joie éclatante de cette production doit être le casting.  Bien qu'une grande partie de l'instinct naturel du public le pousse à sympathiser davantage avec la figure principale, et le trio d'enfants terribles qui se regroupent autour d'elle, vous devez vraiment aimer les automates de poupées mécaniques de produits d'école de théâtre pour vous réchauffer à eux.  Personnellement, je le fais : en fait, j'adore particulièrement les trois intimidateurs ressemblant à des gremlins, les 'Mean Girls' (et oui, c'est bien le titre d'un autre spectacle), qui taquinent et terrorisent l'optimiste imperturbable de la mignonne idéaliste Olive (Lily Mae Denman, Evie Gibson et Sophie Hartley-Booth), la star potentielle du concours de beauté.  Les airs heureux-écrits par William Finn semblent convenir à ces personnalités, et je pense que le spectacle est à son apogée lorsqu'elles sont au centre de la scène.

Lily-Mae Denman et les Mean Girls dans Little Miss Sunshine. Photo : Manuel Harlan.

Le reste de la famille nous offre de la viande assez forte, exigeant un estomac beaucoup plus résistant et - très probablement - un score différent, voire un spectacle différent.  En tant que mère souffrante, Sheryl Hoover, le seul membre de la troupe qui semble avoir la plus ferme emprise sur la réalité, Laura Pitt-Pulford propose une autre caractérisation brillamment réalisée, remplie des moindres détails et bizarreries les plus révélateurs, qui nous rappellent ses qualités remarquables en tant qu'actrice chanteuse : un visage ridé, des yeux perçants, humain et tendre, et la première à affronter les dangers auxquels sa famille est confrontée, quand tout le monde semble les fuir.  Jouant en face d'elle, comme mari rêveur, Richard, Gabriel Vick - plus costaud et plus solide que je ne l'avais vu la dernière fois - convainc en tant que type qui conduirait un van VW (plus à ce sujet dans un instant) et voudrait changer le monde, tout en devenant de plus en plus conventionnel et ennuyeux.  Ils ont un autre enfant, le fils de Sheryl d'un mariage précédent, le mutisme électif, Dwayne, qui lit (évidemment) Nietzsche, et est ici doté d'une puissance remarquable par le nouveau venu Sev Keoshgerian.  L'ombre projetée par cela est cependant fugace : le cœur du spectacle - comme celui de la plupart des comédies musicales - est vraiment fermement dans les mains de Williams James et du positivisme.  Aucune meilleure illustration de cela, sûrement, ne pourrait être imaginée que la grande gloire des Hoover, le grand-père débauché et héroïnomane, joué avec un jugement parfait et une compétence impeccable par Gary Wilmot : son numéro signature, 'La plus belle fille dans le van' est un chef-d'œuvre d'artisanat de théâtre musical et le seul numéro qui capture vraiment les cœurs du public.  Il est un délice.

Paul Keating dans Little Miss Sunshine. Photo : Manuel Harlan

Également le long de ce trajet, toutefois, se trouve l'incarnation frappante de Paul Keating en tant que frère gay suicidaire et ex-académique de Sheryl, Frank, dont la voix seule trahit la chaleur éblouissante de son âme.  Dans l'une des scènes les plus rajoutées du scénario, en route Frank rencontre juste par hasard quelques figures de son passé :  son ancien inamorato, Joshua Rose de Matthew Macdonald, et le concurrent qui l'a volé, Larry l'oléagineux d'Ian Carlyle (tous deux jouent d'autres rôles : le cozy Kirby, et l'hôte criard du concours, Buddy).  Nous avons également une série de rôles de l'Imelda Warren-Green de plus en plus intéressante : le 'facilitateur de deuil' grimant - si je l'ai bien saisi - Linda, et la Miss California maladroitement terne.

Gary Wilmot, Laura Pitt-Pulford, Gabriel Vick et Paul Keating dans Little Miss Sunshine. Photo : Manuel Harlan

Il y a un autre personnage, bien sûr : le van qui transporte les Hoover à travers plusieurs lignes d'états.  Maintenant : les spectacles qui présentent des véhicules, et qui sont des pièces réussies de mise en scène, les utilisent généralement avec parcimonie, pour qu'ils évitent de devenir une distraction ou un fardeau.  Même le personnage principal dans 'Chitty-Chitty-Bang-Bang', par exemple, n'est en fait pas très souvent sur scène.  Dans 'Oklahoma', cette calèche avec la frange sur le dessus ne fait qu'une apparition, et à la toute fin.  Dans 'Ragtime', la voiture de Coalhouse Walker Jnr - un composant vital du drame - n'a qu'une scène.  Brad et Janet ne passent pas plus d'une scène brève dans leur voiture en route vers la maison de Frankenfurter.  Et ainsi de suite.  Dans d'autres spectacles, le véhicule est soit si grand que vous ne remarquez guère sa présence ('Titanic', 'Retour à la planète interdite'), soit il rend les transitions interminablement intrusives et maladroites entre les morceaux ('On The Twentieth Century').  Je pense qu'il pourrait y avoir une leçon très importante ici.  Comme dans le récemment vu 'Violet', lorsque une grande portion du spectacle est consacrée à regarder des gens assis dans un véhicule sans vraiment faire autre chose, le casting a une sacrée difficulté à essayer de retenir l'attention du public.  Et ainsi cela se confirme ici.

Le design de David Woodhead enveloppe la scène d'une carte routière du sud-ouest, ce qui évoque l'échelle et l'ampleur du voyage à entreprendre, et d'une certaine manière, j'aimerais qu'il se soit arrêté là et nous ait permis de laisser parler notre imagination.  Mais non.  Nous devons avoir un châssis escamotable sur lequel positionner des chaises de cuisine pour 'devenir' le bus : ainsi il n'est vraiment ni l'un ni l'autre.  Heureusement, le second acte s'en débarrasse complètement, mais seulement après la conclusion étrangement morose et désinvolte de Lapine pour le premier 'acte'.  Vous ne pouvez vraiment pas appeler cela une 'fin'.  Plus d'étrangetés structurelles se présentent à nous : il y a un flashback, un seul, pour le couple marié, dans la première moitié.  Personne d'autre n'est béni de tels souvenirs, ni ne revisite jamais M. et Mme Hoover.  Cela n'a jamais été clair pour moi pourquoi.  Puis, Olive est harcelée par un trio de commentateurs mozartiens, les Mean Girls, qui surgissent et envahissent les scènes d'autres, inaperçus de tout le monde sauf notre héroïne.  Cependant, leur capacité à faire cela est limitée au premier acte : par la suite, elles doivent devenir des concurrentes 'réelles' dans le concours, restreignant leur liberté d'agir comme un chœur.  En fait, leur apparition réelle dans leur fonction dans le monde réel est à peu près le point culminant de tout le spectacle : c'est le moment où Olive a enfin atteint son Oz, la destination où elle doit faire ses preuves.  Cela appelle bien entendu un numéro musical.  Et pensez-vous que M. Finn entend ces appels ?  Non, il ne le fait pas.  (Ou, s'il l'a jamais fait, alors quelqu'un d'autre a décidé que nous ne les entendrions pas.)  Les autres numéros musicaux sont placés de manière désordonnée d'une manière qui permet à un personnage, ou deux, ou trois, voire plus, d'exprimer leurs émotions, sans autre objectif ou but en tête.  Les chansons ne nous emmènent nulle part, en général, elles nous arrêtent.  C'est bizarre dans un spectacle de 'road movie'.  Oh, mais il y a plus.  L'ouverture, si on peut vraiment l'appeler ainsi, est un peu un hymne flegmatique, 'The Way of the World', qui fixe un ton morose et arrogant que le casting doit combattre.  Gentil de la part des auteurs de faire ça.

Ian Carlyle, Imelda Warren-Green, Lily-Mae Denman et les Mean Girls. Photo : Manuel Harlan

Comme je suis sûr que beaucoup d'autres l'ont déjà remarqué, le spectacle n'a pas joué très longtemps à New York.  Beaucoup de travaux ont été effectués tout au long, de nombreuses réécritures ont été prodiguées dessus, mais à aucun moment, assez de personnes ne semblent s'être mises d'accord sur le genre de spectacle qu'il est censé être.  C'est un spectacle pour enfants ; c'est un spectacle pour adultes.  Mais ce qui doit vraiment être enregistré, c'est que c'est une dramatisation du choc des cultures entre l'amoralité choquante des Hoover, dont le patriarche drogué initie l'innocente (et manifestement mal supervisée) Olive à performer avec des gestes monstrueusement inappropriés pour son âge - une claque au visage de la conformité étouffante et de l'ennui du défilé de beauté robotique.  C'est en fait ce qui se trouve au cœur de cette histoire, et Lapine l’esquive presque au point de le faire disparaître.  Incapable de le faire disparaître complètement, cependant, il finit par nous donner une histoire sans cœur.  Son scénario est une capitulation et, finalement, il déçoit.

Ian Carlyle et Matthew McDonald. Photo : Manuel Harlan

Pendant ce temps, les lumières vives de Richard Williamson éblouissent ; le design sonore bruyant d'Olly Steel fait de son mieux dans l’acoustique délicate de l'Arcola pour équilibrer une douzaine de voix très différentes et le groupe de cinq musiciens ; la chorégraphie d'Anthony Whiteman, travaillant avec un casting d'acteurs-chanteurs plutôt que de danseurs, fait ce qu'elle peut pour dynamiser les nombreux moments de stase reflective du spectacle ; la direction musicale d'Arlene McNaught fait résonner les arrangements de Mark Crossland de manière douce et réconfortante, comme une comédie musicale de Broadway à l'ancienne, ponçant toute arête ou morsure abrasive qu'elle aurait pu avoir auparavant.  Beaucoup de bonnes personnes ont mis beaucoup de sincérité dans de nombreux départements, dans leur effort pour tirer le meilleur du spectacle.  Mais le fait reste que cela a duré seulement deux mois (y compris les prévisualisations) au Second Stage Theatre, et je ne suis pas du tout sûr qu'il jouera mieux ici.  Au-delà du Jamie-Grail, et tout ça.  Mais nous devrons voir.

PROGRAMME DE LA TOURNÉE LITTLE MISS SUNSHINE