CRITIQUE : The Last Ship, Théâtre Neil Simon ✭✭✭✭✭

La distribution de The Last Ship. Photo : Joan Marcus. The Last Ship

Théâtre Neil Simon

31 octobre 2014

5 Étoiles

C'est Halloween à Broadway. Un homme avec un masque de tête de cheval s'assoit trois rangées devant. La femme derrière lui lui demande s'il va le retirer pour la représentation. Son ami lui répond sèchement que M. Ed était fictif et que les chevaux ne peuvent pas parler. L'une des trois Elphabas assises à côté de la femme rit. L'ambiance dans l'auditorium est joviale mais incertaine - après tout, c'est un nouveau musical. Sera-t-il un plaisir ou un piège ?

Avançons jusqu'au salut final, et alors que l'enthousiasme du public pour les applaudissements commence à diminuer, une silhouette solitaire, entièrement vêtue de noir, chauve, mais avec deux cornes noires parfaites ornant son crâne brillant, un verre de whisky à la main, monte depuis la fosse. Il porte un toast au public. C'est Sting. Un vrai régal d'Halloween.

Il est là parce qu'il est le compositeur et parolier de The Last Ship, un nouveau musical avec un livre de John Logan et Brian Yorkey, maintenant dans sa première saison à Broadway au Neil Simon Theatre. La production est dirigée par Joe Mantello et chorégraphiée par Steven Hoggett.

Si vous êtes du genre à aimer uniquement les éclatantes paillettes avec de la grande danse et des airs qui résonnent fortement, The Last Ship ne sera pas votre tasse de thé. Si vous aimez les effets flamboyants, les airs rock assourdissants et les intrigues qui ne nécessitent pas d'attention, The Last Ship ne sera pas votre tasse de thé. Si vous aimez les comédies musicales qui privilégient la comédie, idéalisent la romance et ont de grandes fins heureuses, The Last Ship ne sera pas votre tasse de thé.

Mais

Si vous êtes du genre à croire que le théâtre musical est capable de tout entre de bonnes mains ; si vous aimez les thèmes difficiles et les personnages complexes ; si vous appréciez les chansons qui illuminent les personnalités, les relations et les sentiments des personnages qui les chantent; si les thèmes sombres et graves qui reflètent la réalité ne vous dérangent pas ; si vous appréciez l'analyse des questions difficiles, une mise en scène inventive, une partition qui a une force et une cohérence musclée ; si vous aimez vos comédies musicales interprétées par des artistes réellement capables de jouer leurs rôles et de chanter leurs chansons ; si c'est vous, alors The Last Ship est un tour remarquable : un vrai régal de Broadway sous une forme totalement inattendue.

Au cœur de son récit, The Last Ship parle d'amour, d'identité et d'acceptation. Une petite ville anglaise construite autour du commerce de la construction navale, où des générations ont construit des navires pour des acheteurs du monde entier, sert de décor. Un jeune garçon têtu refuse de suivre son père dans la construction navale et décide de voir le monde, en tant que marin. Il veut que sa petite amie vienne aussi, mais elle refuse, incertaine que ce soit la vie qu'elle souhaite. Il promet de revenir pour elle. Ce qu'il fait... quinze ans plus tard. (Idiot.)

À son retour, son père a été enterré, le chantier naval est fermé, les hommes de la ville refusent d'abandonner leur vocation de constructeurs de navires, et sa petite amie vit heureusement avec un autre homme (un renégat des gens du chantier naval) qui l'a aidée à élever son fils, celui qu'elle a eu après le départ du jeune marin, le fils qu'il n'a jamais su avoir.

Le récit se concentre sur la possibilité de réunir le marin et son ancienne petite amie, sur l'acceptation par un fils de son père (les deux pères), et sur la capacité de la ville à se redéfinir après avoir perdu le moyen de subsistance qui a soutenu des générations. C'est une histoire sombre, pleine de courage et captivante, qui, si on l'embrasse, est perspicace, palpitante et inoubliable.

Mantello et Hoggett mettent en scène l'action avec imagination et un grand sens de la fluidité ; les scènes s'enchaînent, comme les personnages. L'éclairage exceptionnel de Christopher Akerlind améliore la mise en scène de manière incommensurable. Naturellement, la pièce a une sensibilité très masculine, avec des bagarres de bar, des conflits syndicaux, la solidarité entre travailleurs et un prêtre qui peut boire avec les meilleurs d'entre eux. Le mouvement de Hoggett reflète cela ; il y a beaucoup de piétinement, de frappes et de bousculades, qui sont tous très efficaces.

Et tout cela contraste délicieusement avec les moments plus intimes - les transitions de l'adolescent à l'adulte, les décisions à prendre à propos de l'avenir, un enterrement, la scène où le père absent enseigne la danse à son fils, les réminiscences poignantes de la mère.

De plus, le décor merveilleusement versatile de David Zinn permet d'obtenir plus d'une douzaine d'emplacements avec facilité et style, et l'image finale du navire s'éloignant est aussi puissante et excitante que possible. Tout cela est fait très simplement, le sens du lieu, comme un personnage, étant établi autant par la façon dont les acteurs interagissent avec le décor que par le design lui-même.

L'aspect le plus intéressant de tout cela est que, malgré un manque distinct de femmes impliquées dans l'équipe de production (la distribution semble être l'une des exceptions), ce sont les personnages féminins qui sont les plus ronds, les plus complexes et les plus exceptionnellement interprétés. En effet, peu importe comment cela peut sembler, tout le spectacle tourne autour de Meg Watson ; elle est abandonnée et le prêtre prend soin d'elle ; les hommes qu'elle aime viennent tous du monde de la construction navale ; le triangle entre les trois hommes les plus importants de sa vie la place au centre ; elle travaille au pub et vit dans la ville. D'une manière ou d'une autre, chaque aspect de The Last Ship tourne autour de la femme remarquable qu'est Meg.

Rachel Tucker est spectaculairement impressionnante en Meg Dawson, la fille laissée derrière par Gideon incarné par Michael Esper. Elle a une façade dure et pragmatique qui cache un cœur brisé, voire fracassé. Mais, comme une tigresse, elle ne tolérera aucun mal venant à son fils. Son chant est phénoménalement bon, qu'elle interprète l'amusante "If You Ever See Me Talking To A Sailor" ou les ballades "When We Dance" et "It's Not The Same Moon" avec élégance.

Elle transmet parfaitement la confusion attendue lorsque quelqu'un que vous avez aimé, le père de votre enfant, réapparaît soudainement dans votre vie déclarant son amour éternel. Son amour protecteur farouche pour son fils est clair comme de l'eau de roche et l'honnêteté dans sa décision et sa confusion sont magnifiquement dépeintes. Cette Meg est une femme dure, complètement réelle, qui a enduré une vie difficile avec grâce et compassion.

Sally Ann Triplett a une voix fabuleuse en Peggy White, la femme inébranlable de Jackie, qui dirige les constructeurs de navires. Son interprétation de Sail Away est exquise. Elle est, clairement, l'un des piliers de la communauté et le cœur qu'elle apporte au rôle est vital et palpitant. Elle est à son meilleur lorsqu'elle mène les pleureuses d'un enterrement dans un hymne entraînant qui est palpitant et affirmant la vie : Show Some Respect.

Shawna M Hamic s'amuse beaucoup avec la tenancière de pub tenant une batte de cricket qui peut affronter n'importe quel homme ivre qui croise son chemin et Mrs Dee's Rant lance le deuxième acte avec un grand bang. Et il y a un excellent travail de Dawn Cantwell qui joue Meg en tant que jeune fille; une performance soigneusement jugée et attachante qui donne le ton pour toute la soirée.

Dans le rôle double du jeune Gideon qui est parti en mer et de Tom, le fils de Meg, Collin Kelly-Sordelet, lors de ses débuts à Broadway, est délicieux à tous égards. Son rôle est complexe - il doit montrer les traces de l'homme que Gideon sera et ensuite montrer les traces de l'homme que Gideon a créé. Il le fait très bien, avec beaucoup de charme et cette rébellion maladroite qui est l'épicentre de l'adolescence. The Night The Pugilist Learned How To Dance, le duo et la danse de Tom avec Gideon, est une pure magie, tout comme les ballades à travers lesquelles ils trouvent la paix : Ghost Story et ensuite August Winds.

Il y a un chant extraordinaire de Jimmy Nail qui, il faut le dire, cloue le rôle de Jackie White, la montagne d'homme qui dirige les constructeurs de navires. Il produit un personnage dur et inflexible, mais impossible à ne pas aimer, et l'image évocatrice finale du spectacle fonctionne bien en grande partie grâce à sa solide prestation. Sa voix est comme un cor de brume, une merveille et une force brute.

Fred Applegate doit être un candidat probable pour un Tony Award pour sa superbe interprétation de Père O'Brien, le guide spirituel de la communauté, qui prend soin de son troupeau avec passion et irrévérence qui, à certains yeux, pourrait sembler voire sacrilège. Il boit, fume, n'est pas au-dessus de petites malversations quand une bonne cause est en jeu et il est la boussole morale pour tous ceux qui le rencontrent. C'est une performance riche, amusante et intensément émouvante. Et la voix d'Applegate est en excellente forme, un son tenor glorieux d'une grande attractivité et force. Son travail dans la chanson titre, The Last Ship, et son tendre final, So To Speak, est assez envoûtant.

Comme d'habitude, Aaron Lazar marque de façon impressionnante, sa prestation est finement évaluée et gagnante. Il joue Arthur, l'actuel petit ami de Meg et l'homme qui a élevé Tom comme son propre fils. Détesté par les constructeurs de navires parce qu'il a quitté leurs rangs, et jeté dans la tourmente par la réaction de Meg au retour de Gideon, il serait facile de rendre Arthur inutile, un homme froid et malheureux. Mais Lazar ne tombe pas dans ce piège; son Arthur est aussi complexe, chaleureux et engageant que Gideon, et il est tout à fait clair pourquoi Meg est si déchirée par le choix qu'elle doit faire. Pour couronner le tout, il chante avec un timbre masculin doré qui est un pur plaisir à entendre.

Michael Esper fait de Gideon un homme à la fois séduisant, arrogant et complètement perdu. Voyager à travers le monde ne lui a pas apporté la paix, et Esper clarifie cela de manières subtiles. C'est une prestation de grande compétence et charme, et Esper est certainement à la hauteur des importantes exigences vocales de la partition de Sting. All This Time introduit son personnage avec vigueur, mais j'ai particulièrement aimé la façon dont son chant durant le spectacle correspond aux changements de perspective du personnage. Il sera très difficile de ne pas être ému par son travail dans les dernières étapes du deuxième acte; tout est magnifiquement évalué, vrai et non-sentimental.

Il y a un excellent travail du joyeux ensemble - personne ici n'est déplacé ou pas entièrement concentré sur le succès et l'enthousiasme de ce nouveau musical.

La direction musicale de Rob Mathes est de premier ordre et l'orchestre produit la partition avec une résonance salée qui s'adapte parfaitement au livre. C'est une partition cohésive et assez mélodieuse, pleine d'énergie et d'opportunité, et Mathes la fait vibrer, doucement quand requis et avec un esprit ardent à d'autres occasions.

C'est vraiment une excellente nouvelle comédie musicale. Excellente distribution, superbe partition, grands personnages et une histoire pleine de la rudesse de la vie et de la frontière ténue entre le bonheur et la tragédie. Ce n'est pas Billy Elliot au bord de la mer ni Once avec des bateaux. C'est une vision unique, qui tourne autour de l'amour, de l'identité et de l'acceptation. Une grande soirée au théâtre.