CRITIQUE : L'Amore Dei Tre Re, Opera Holland Park ✭✭✭✭✭

Aled Hall dans le rôle de Flaminio, Mikhail Svetlov dans celui d'Archibaldo, Simon Thorpe dans celui de Manfredo et Natalya Romaniw dans le rôle de Fiora dans L'Amore Dei Tre Re (L'Amour des Trois Rois)

Opéra de Holland Park

28/07/15

5 Étoiles

Holland Park Opera a une renommée distinguée dans la réhabilitation d'œuvres du répertoire italien qui étaient autrefois célèbres et ont maintenant plus ou moins disparu de la scène. Cette année, l'accent est mis sur L'Amour des Trois Rois par Italo Montemezzi, qui a été présenté pour la première fois à La Scala en 1913, et beaucoup repris notamment au Metropolitan Opera de New York jusqu'après la Seconde Guerre mondiale. Ce n'est pas une œuvre facile à situer. La tentation est de faire une comparaison avec Puccini, étant donné le cadre temporel partagé et le focus sur le mélodrame ; mais en fait, cela n'est finalement pas utile.

Cette œuvre doit bien plus à la réception retardée de Wagner et Richard Strauss en Italie dans la première décennie du XXe siècle qu'à Puccini ou Verdi. En fait, quiconque aborde cette œuvre avec ces attentes sera inévitablement déçu. L'accent est mis sur une complexité harmonique élaborée et des mélodies courtes ou fragments qui bouillonnent et tressaillent, les uns autour des autres, dans une sophistication chromatique. Nous ne trouvons pas le genre de mélodie expansive et continue pour laquelle Puccini était célèbre.

L'orchestre est beaucoup plus en avant, et parfois dominant que ce n'est le cas dans la plupart des opéras verismo de la période, et en effet, il y a des sections dans lesquelles le compositeur semble presque citer et élaborer à partir des compositeurs allemands. Par exemple, au début de l'acte trois, il y a une réminiscence spécifique de Mort et Transfiguration de Strauss, et le duo d'amour torride au centre de l'œuvre est inimaginable sans l'acte deux de Tristan et Isolde comme précédent et modèle. Cependant, il ne s'agit en aucun cas d'une pièce dérivée une fois que la palette musicale est opposée à une intrigue mélodramatique complète à très fort élan narratif. Il y a aussi un agenda politique qui est spécifiquement italien plutôt qu'allemand, et qui est fortement mis en avant, et à juste titre, dans cette excellente production.

Simon Thorpe en tant que Manfredo et Mikhail Svetlov en tant qu'Archibaldo

L'opéra est divisé en trois actes mais comme chacun ne dure pas plus d'une demi-heure, l'équipe créative a décidé de le jouer d'une traite. Là encore, c'est une bonne décision. Il y a de puissants préludes orchestraux descriptifs avant chaque acte et ils peuvent être utilisés efficacement comme interludes pour maintenir l'action continue. L'intensité de la musique et les performances données par les quatre principaux sont telles que l'on a l'impression que l'opéra a duré beaucoup plus longtemps (dans le bon sens !) que seulement quatre-vingt-dix minutes. L'action se situe dans une Italie médiévale où quelques années auparavant, Archibaldo (Mikhail Svetlov) a envahi par le Nord et conquis Altura/Italie. Il a obligé la princesse Fiora (Natalya Romaniw) à épouser son fils Manfredo (Simon Thorpe) bien qu'elle soit déjà fiancée à un Italien de souche, Avito (Joel Montero).

L'action décrit les conséquences de ce mauvais mariage tant personnelles que politiques. La production déplace l'action dans une dictature latine contemporaine, et ne perd rien en cours de route, étant donné que les thèmes principaux de la vengeance, l'amour interdit, l'audace chevaleresque, le meurtre et le suicide désespéré ne sont guère limités par le temps ou l'espace. En l'absence de Manfredo, Fiora reprend sa relation avec Avito mais subit l'hostilité d'Archibaldo qui a deviné la vérité mais en raison de sa cécité, ne peut pas la prouver de manière concluante. Les choses se terminent mal avec une vitesse prévisible et les corps s'accumulent peu à peu alors qu'Archibaldo est puni définitivement par sa propre ruse qui a échoué. L'action prend une dimension politique alors que le chœur des citoyens s'implique dans la vengeance de Fiora et ici il y a plus qu'une trace des sympathies irrédentistes du librettiste Sem Benelli, un disciple de Gabriele D'Annunzio, déterminé à récupérer du territoire pour l'Italie à l'Autriche.

Natalya Romaniw dans le rôle de Fiora et Joel Montero dans celui d'Avito

Pour qu'une production fonctionne dans ce type de mélodrame vertigineux, tous les concernés doivent s'y engager totalement et - tout comme dans la comédie légère - croire dans ses conventions complètement pour la durée de la représentation. Il ne supportera pas l'ironie ou les dispositifs de parenthèses sans que tout l'édifice étrange ne s'effondre. La force de cette production est que l'Opéra Holland Park transmet un engagement souverain à la cause, et c'est donc un triomphe sur tous les fronts.

Le décor exige une tour de château dans laquelle Fiora réside et depuis laquelle elle doit arborer une grande bannière blanche pour faire ses adieux à Manfredo. Il doit être un symbole intimidant du pouvoir masculin et royal ainsi qu'un espace flexible. Sur ce point, le metteur en scène Martin Lloyd-Evans et son équipe réussissent principalement. Le bloc de béton qui domine la scène est à la fois intimidant et flexible. Ses meurtrières doublent de façon poignante comme lieux pour les fleurs de deuil et les escaliers extérieurs permettent à certaines des scènes les plus importantes d'être à la fois élevées et au centre - bien que j'aie eu quelques inquiétudes au sujet des implications en matière de santé et de sécurité pour les chanteurs ! Tous les acteurs sont en grande forme, avec des honneurs particuliers pour Romaniw et Svetlov, dont les scènes ensemble avaient une réelle puissance, et qui individuellement ont dû projeter au-delà de l'orchestre allant à plein régime. Thorpe et Montero ont moins d'opportunités de développer des nuances de caractère - leurs rôles sont plus fonctionnels pour l'intrigue qu'une identité distincte. Mais le compositeur offre à ces deux hommes de très beaux moments vocaux, à la fois dans des duos torrides avec Fiora et ensuite ensemble dans la scène finale de l'immolation. Ils ont pris ces moments avec flair. Les rôles mineurs ont été remplis très efficacement, et le chœur a projeté à la fois deuil et agressivité envers une puissance occupante avec une vigueur efficace et une rancœur qui couve.

L'étoile resplendissante de l'opéra était cependant l'orchestre : la City of London Sinfonia sous la direction habile et précise de Peter Robinson a eu une soirée mémorable. Les moments concertants avaient un vrai frisson et un sens du risque ; mais il y avait aussi de nombreux moments plus calmes, particulièrement avec les bois, qui ont offert un soulignement efficace et délicat du caractère et de l'émotion. Montemezzi a peut-être été quelque peu un compositeur d'une œuvre unique, mais cette performance a fait le meilleur cas possible pour son chef-d'œuvre, et nous ne pouvons qu'espérer que la réputation de cette reprise stimulera une vague de nouvelles performances à domicile et à l'étranger. Toute la soirée a montré l'Opéra Holland Park à son meilleur.