CRITIQUE : Lakmé, Opera Holland Park ✭✭✭✭✭

Lakmé

Opera Holland Park

23/07/2015

5 Étoiles

Il existe de nombreuses raisons pour lesquelles un opéra qui a connu un immense succès lors de sa création tombe dans l'oubli chez les générations suivantes. Cela peut être dû à des changements de goût, à des défis financiers et de ressources pour monter une production crédible, ou à la difficulté technique pure de trouver le bon type de voix. Ces trois éléments se cachent derrière la réputation déclinante de Lakmé par Léo Delibes, présenté pour la première fois avec des éloges enthousiastes à l'Opéra Comique en 1883. Les interprètes modernes se sentent mal à l'aise avec son orientalisme sans complexe et trouvent difficile de le jouer comme il est écrit ou de concevoir un scénario alternatif. Un cadre dans un sanctuaire de temple, avec des chœurs élaborés, un bon nombre de rôles principaux et un grand orchestre symphonique ne permet pas de réduire le budget. Et enfin, il y a le défi de la colorature du rôle-titre exigeant, dont le dernier champion reconnu était la inégalable Joan Sutherland. Cependant, l'Opera Holland Park, ici sous la direction d'Aylin Bozok, montre que ces problèmes ne sont en aucun cas insurmontables lorsque la compagnie a confiance dans la qualité de l'œuvre elle-même et la joue avec sensibilité et engagement total. Le premier et simple point qui doit être fait concernant Lakmé est que c'est une œuvre de calibre musical soutenu. Tout le monde connaît les lignes scintillantes et insidieuses du célèbre Duet des Fleurs dans le premier acte, qui semblent revenir encore et encore dans des publicités télévisées d'une improbabilité toujours croissante. Pourtant, ce n'est qu'une des séries de mélodies immédiatement mémorables démocratiquement réparties parmi les rôles principaux tout au long des trois actes. De plus, l'orchestration est à différents moments luxuriante, délicate et subtile quand il le faut, avec plus d'un changement harmonique inattendu lors de points de drame et d'angoisse particuliers. Contre la réputation, il y a peu de choses qui sont purement décoratives. Delibes a peut-être été formé par Adolphe Adam et est peut-être mieux connu maintenant comme un compositeur de ballets tels que Sylvie et Coppélia, mais lui et ses librettistes savaient bien comment développer à la fois l'histoire et les personnages à travers les pleines ressources de l'opéra dans le grand style. Au cœur de cet opéra, derrière la surface orientaliste, se trouve une histoire plus intéressante d'un choc de cultures qui anticipe les thèmes de La Route des Indes. Nilikantha (David Soar), un brahmane renégat, garde sa fille (Flur Wyn) en pure isolation dans les jardins du temple comme incarnation de la pureté sacrée. Mais un groupe de visiteurs anglais s'infiltre dans l'enceinte, et l'un d'eux, un officier de l'armée, Gérald (Robert Murray) reste, rencontre et tombe amoureux de Lakmé alors que son père est absent. L'intrigue se concentre sur le désir de vengeance de Nilikantha sur l'Anglais, sur le conflit interne de ce dernier entre son nouvel amour et son devoir envers son régiment, et sur la détermination de Lakmé à maintenir à la fois ses engagements envers sa religion et son amant. Les points culminants incluent deux scènes de foule animées et grouillantes, avec des syncopes musicales novatrices, la célèbre Chanson de la cloche dans le deuxième acte où Lakmé est forcée d'attirer son amant de retour dans le temple, et l'aria de Gérald où il explore son propre dilemme. Le choix de cadre et de décor est plus important que d'habitude dans cet opéra si l'on veut qu'il réussisse. Il doit y avoir un contraste net entre la confidentialité, l'isolement, l'intériorité et l'innocence du sanctuaire du temple de Lakmé et l'agitation du marché qui est une arène publique qui menace de violence, de désordre et de renversement des certitudes raciales, sociales et religieuses. Cela est bien accompli ici par le designer Morgan Large. La scène longue et profonde de Holland Park, qui peut être problématique dans les opéras à petite échelle avec un focus intérieur, est en fait un avantage ici. Le grand chœur a toute latitude pour se produire chorégraphiquement et développer une gamme d'humeurs de l'affaire quotidienne grouillante aux menaces violentes laides. Au centre calme de l'action se dresse un sanctuaire doré entouré d'une séquence de grandes pétales de lotus ajourées, un peu comme des mille-feuilles coincés dans une glace. Les pétales sont déplacés d'avant en arrière par les assistants du temple pour masquer ou ouvrir le centre du sanctuaire, occupé soit par Lakmé elle-même soit par un danseur de ballet qui commente et interprète le drame par intermittence. Le jeu de couleurs des costumes explore une gamme de turquoise et de bleu et ceux-ci se combinent bien avec les intérieurs dorés pour générer une tonalité de retenue fraîche et de sophistication plutôt que de bling-bling Bollywood criard. Il n'y a pas de maillons faibles dans le casting. Murray et Soar maîtrisent pleinement les défis vocaux et dramatiques de leurs rôles et les rôles secondaires des autres visiteurs anglais aux jardins du temple sont finement et distinctement caractérisés. Frédéric, l'autre officier, qui reste un modèle de conformité, est un rôle assez ingrat, mais Nicholas Lester chante et joue avec conviction. Comme Madame Bentson, Fiona Kimm est prête à s'offenser à la moindre apparente insulte à ses sensibilités culturelles, et ses deux pupilles Rose (Fleur de Bray) et Ellen (Maud Millar) tirent le meilleur parti des occasions qu'elles ont d'explorer l'Inde. Les deux serviteurs du temple Mallika (Katie Bray) et Hadji (Andrew Dickinson) sont sur scène pour une grande partie de l'action. Ils ont beaucoup à rester assis, ce qui n'est pas toujours facile à maintenir toute une soirée, mais ils l’ont exécuté avec aplomb. Le Chœur est un pilier de l'action dans chacun des actes : ils maîtrisaient pleinement leurs rôles et ont joué avec crédibilité à la fois en tant qu'individus et en tant que corps. Cependant, cet opéra tient ou tombe sur le chanteur-acteur dans le rôle-titre. Fflur Wyn, qui dirige également le casting d'Alice’s Adventures in Wonderland, était pleinement à la hauteur de la tâche. Elle possède une grâce et une tranquillité en tant qu'actrice qui ont captivé l'attention dès le début, et elle s'est parfaitement dosée face aux exigences décourageantes du rôle dans chaque acte. Particulièrement impressionnante était sa gestion de la 'Chanson de la cloche' dans le deuxième acte : c'est vraiment trois grands arias réunis, chacun avec des mélismes de ton plus stratosphériques que le précédent. Wyn a combiné pureté et maîtrise avec une projection touchante du contexte dramatique qui a commandé beaucoup de respect. Il serait facile de voir l'aria comme un simple moment de démonstration déconnecté de l'action, alors qu'en fait, c'est une projection désespérée et forcée de la condition de victime sous couvert de démonstration. Ces qualités ont été très puissamment et touchamment abordées dans sa performance.

Le chef d'orchestre Matthew Waldren a su faire monter la tempête par le City of London Sinfonia lorsque nécessaire, mais a également trouvé de l'espace pour les sonorités de chambre de nombreux solos instrumentaux délicats - surtout de la flûte et d'autres bois. C'était un réel plaisir de voir l'orchestre complet plutôt que de le perdre de vue dans une fosse conventionnelle, et l'équilibre sonore entre chanteurs et musiciens tout au long de la soirée a confirmé la sagesse de cette décision. Bien que l'Opera Holland Park ne propose jamais de reprises immédiates, il est à espérer que cette production impeccable et gracieuse ressurgisse dans les années à venir.

Pour plus d'informations, visitez www.operahollandpark.com