CRITIQUE : La Bohème, Opera Holland Park ✭✭✭

Tim Hochstrasser examine La Bohème de Puccini présentée dans le cadre de la saison 2023 d'Opera Holland Park.

La Bohème

Opera Holland Park

3 Étoiles

Site Web d'Opera Holland Park

Étant donné la (sur) familiarité de cet opéra, le défi auquel est confronté tout metteur en scène est de taille. La tentation de situer l'action aussi loin que possible du Paris de la fin du XIXe siècle est grande, mais d'un autre côté, c'est une œuvre centrale du genre « verismo », où le réalisme sombre est au cœur de son esthétique. Où se trouve le bon point de bascule?

Natascha Mitchell décide de situer cette production dans un studio de cinéma italien des années 1950 où un film d'époque dans la Belle Époque est en cours. Une version crépitante d'un morceau d'Édith Piaf donne le coup d'envoi de la soirée, et tous les personnages de Puccini sont impliqués dans le tournage - ainsi Rodolfo est scénariste, Mimi assistante de costume, Musetta chanteuse, et Marcello décorateur, et ainsi de suite. En théorie, c'est une idée astucieuse, mais pendant trois des quatre actes, cela s'avère plus distrayant qu'éclairant.

Distribution et chœur de La Bohème. Photo : Craig Fuller.

Le décor est encombré du bric-à-brac du cinéma, y compris une grande caméra qui se déplace devant l'orchestre, et peuplé de vagues d'extras et de personnel de soutien, qui à certains moments se regroupent pour former le chœur. Vous pouvez admirer l'habileté avec laquelle tous les éléments s'imbriquent harmonieusement, tout en vous demandant si c'est la meilleure ambiance pour un drame qui, en dehors de la scène du Café Momus, est principalement une série de rencontres intimes célébrant soit l'amitié, soit l'amour, soit les deux. Ici, la simplicité plutôt que l'agitation frénétique est à privilégier, même si cela risque de donner lieu à une interprétation plus conventionnelle. Lorsque la simplicité est revenue dans l'Acte 3, tout a soudainement retrouvé une netteté et une concentration dramatique captivantes.

Adam Gilbert dans le rôle de Rodolfo et Katie Bird dans le rôle de Mimi. Photo : Craig Fuller

Cela dit, le volet musical de la soirée fonctionne à un niveau très élevé. La City of London Sinfonia, sous la direction de George Jackson, se délecte des textures orchestrales savoureuses, faisant ressortir les nombreuses couches de saveur instrumentale que Puccini évoque au service du moment dramatique. Il n'y a rien de routinier dans cette performance et parce que Jackson a pris le risque de créer de vrais pianissimi sous la vaste tente de Holland Park, nous avons pu entendre les parties internes de l'orchestre qui ne sont généralement pas discernables dans le flot global du son.

De même, les rôles principaux ont été chantés au plus haut niveau. Katie Bird offre la meilleure interprétation de Mimi que j'ai entendue depuis des années. Trop souvent, les chanteurs dans ce rôle semblent penser qu'ils doivent s’effacer devant nos yeux dès la première apparition ; alors que Bird propose une véritable personnalité espiègle tout au long, des performances magnifiquement structurées des airs clés, et une superbe scène de mort dans laquelle, comme l'orchestre, elle baisse le volume jusqu'à ce qu'il ne reste qu'un fil sonore saisissant. Un finale que nous avons tous entendu tant de fois a soudainement attiré l'attention à nouveau.

Adam Gilbert, Barnaby Rea et Ross Ramgobin. Photo : Craig Fuller

Elle a bien été assortie par Adam Gilbert en Rodolfo, pleinement maître des exigences de ce rôle, et chantant sans effort. Autour d'eux se trouvait un groupe d'amis très convaincant. Marcello, Colline et Schaunard étaient tous des interprétations crédibles, pleines de chaleur, d'énergie et d'humour. En particulier, Barnaby Rea, en Colline, a livré son adieu à son manteau comme si sa vie en dépendait; et Ross Ramgobin, a transmis les changements d'humeur et de comportement de Marcello avec une crédibilité réelle. Musetta d'Elizabeth Karani l'a égalé tout du long, et a dominé le Deuxième Acte comme elle le doit toujours, avec à la fois espièglerie et cœur.

Elizabeth Karani dans le rôle de Musetta. Photo : Craig Fuller

Pour toute l'attention portée aux principaux rôles, cet opéra est celui qui repose, pour son succès, sur un effort collectif dans la représentation d'un milieu. Le chœur joue un grand rôle dans la réalisation de cela, et comme d'habitude Opera Holland Park livre généreusement dans ce département, qu'il s'agisse de camarades de table au Café Momus, ou de vendeurs de rue ou de groupes d'enfants. Des chanteurs issus de différentes organisations se sont réunis pour offrir une interprétation cohérente et saisissante de l'action de groupe, et ici le crédit revient vraiment au metteur en scène, malgré mes critiques du concept global, pour avoir fait une représentation aussi convaincante des scènes lorsque la scène était pleine de monde.

Elizabeth Karani dans le rôle de Musetta. Photo : Craig Fuller

Il reste selon moi que la metteur en scène essayait trop de greffer son grand concept sur un opéra qui fonctionne souvent mieux à une échelle intime, presque de chambre. Cependant, il ne fait aucun doute que la salle comble lors de la soirée de presse a apprécié une performance qui a offert musicalement beaucoup plus que d'habitude, nous rendant conscients à nouveau de la façon dont cet opéra est habilement construit à chaque niveau.