CRITIQUE : La Bohème, Opera Holland Park ✭✭✭

Tim Hochstrasser examine La Bohème de Puccini présentée dans le cadre de la saison 2023 d'Opera Holland Park.

La Bohème

Opera Holland Park

3 Étoiles

Site Web d'Opera Holland Park

Étant donné la familiarité (excessive) de cet opéra, le défi auquel fait face tout directeur est considérable. La tentation de déplacer le décor aussi loin que possible du Paris de la fin du dix-neuvième siècle est grande, mais d'un autre côté c'est une œuvre centrale du genre du « verismo », où le réalisme âpre est au cœur de son esthétique. Où trouver le point d'équilibre idéal ?

Natascha Mitchell décide de situer cette production dans un studio de cinéma italien des années 1950 où un drame d'époque dans la Belle Époque est en cours. Une version grésillante d'un numéro d'Édith Piaf lance la soirée, et tous les personnages de Puccini participent au tournage – ainsi Rodolfo est un scénariste, Mimi une assistante garde-robe, Musetta une chanteuse, et Marcello un décorateur, etc. En théorie, c'est une idée astucieuse, mais pendant trois des quatre actes cela se révèle plus distrayant qu'éclairant.

La distribution et le chœur de La Bohème. Photo : Craig Fuller.

Le décor est encombré de l'attirail du cinéma, y compris une grande caméra qui se déplace devant l'orchestre, et peuplé de foules d'extras et de membres du personnel en coulisses, qui par moments se fondent dans le chœur. Vous pouvez admirer l'habileté avec laquelle tous les éléments interdépendants s'écoulent sans accroc autour et entre eux, tout en vous demandant si c'est bien l'ambiance idéale pour un drame qui, en dehors de la scène située au Café Momus, est principalement une série de rencontres intimes célébrant soit l'amitié, soit la romance, soit les deux. Ici, la simplicité plutôt que l'agitation effrénée est à privilégier, même si cela risque une interprétation plus conventionnelle. Lorsque la simplicité est revenue au troisième acte, tout est soudainement redevenu net et captivant dramatiquement.

Adam Gilbert en Rodolfo et Katie Bird en Mimi. Photo : Craig Fuller

Cela dit, le côté musical de la soirée fonctionne à un niveau très élevé. La City of London Sinfonia, sous la direction de George Jackson, savoure les textures orchestrales savoureuses, en faisant ressortir les nombreuses couches de saveur instrumentale que Puccini convoque au service du moment dramatique. Il n'y a rien de routinier dans cette performance et parce que Jackson a pris le risque de créer de véritables pianissimi sous l'immense tente d'Holland Park, nous avons pu entendre des parties internes de l'orchestre qui ne sont généralement pas discernables dans le flux sonore global.

De même, les rôles clés ont été chantés au plus haut niveau. Katie Bird offre la meilleure interprétation de Mimi que j'ai entendue depuis des années. Trop souvent, les chanteurs dans ce rôle semblent penser qu'ils doivent s'effacer devant nos yeux dès leur apparition ; tandis que Bird offre une réelle personnalité gamine tout au long, des interprétations magnifiquement structurées des airs clefs, et une scène de mort superbe où, comme l'orchestre, elle réduit le volume jusqu'à ce qu'il ne reste qu'un fil de son captivant pour le cœur. Une finale que nous avons tous entendue tant de fois a soudainement commandé une attention renouvelée.

Adam Gilbert, Barnaby Rea et Ross Ramgobin. Photo : Craig Fuller

Elle était bien accompagnée par Adam Gilbert en Rodolfo, pleinement en contrôle des exigences de ce rôle, et chantant sans effort. Autour d'eux se trouvait une bande très convaincante de copains. Marcello, Colline et Schaunard étaient toutes des interprétations crédibles, pleines de chaleur, d'énergie, et d'humour. En particulier, Barnaby Rea, en Colline, a livré son adieu à son manteau comme si sa vie en dépendait ; et Ross Ramgobin, a transmis les changements d'humeur et de comportement fulgurants de Marcello avec une réelle crédibilité. Musetta d'Elizabeth Karani l'a égalé tout du long, et a dominé le deuxième acte comme elle devrait toujours le faire avec à la fois taquinerie et cœur.

Elizabeth Karani en Musetta. Photo : Craig Fuller

Malgré tout le focus sur les principaux acteurs, cet opéra repose sur la réussite de l'effort collectif pour dépeindre un milieu. Le chœur joue un grand rôle pour y parvenir, et comme d'habitude Opera Holland Park livre généreusement dans ce domaine, que l'on parle de convives au Café Momus, de marchands ambulants ou de groupes d'enfants. Des chanteurs de différentes organisations se sont réunis pour fournir un récit cohérent et captivant de l'action de groupe, et ici le mérite revient vraiment au directeur, malgré mes critiques concernant le concept global, pour avoir fait une démonstration si convaincante des scènes lorsque toute la scène était pleine.

Elizabeth Karani en Musetta. Photo : Craig Fuller

Il reste dans ma critique que la directrice essayait trop de greffer son concept grandiose sur un opéra qui fonctionne si souvent mieux à une échelle intime, presque de chambre. Cependant, il ne fait aucun doute que la salle pleine lors de la soirée de presse a apprécié une performance qui offrait musicalement beaucoup plus que d'habitude, nous rendant conscients une fois de plus de combien cet opéra est habilement conçu à tous les niveaux.