CRITIQUE : Le Roi Lear, Théâtre National ✭✭✭✭

Simon Russell Beale est le Roi Lear King Lear Théâtre Olivier, National 23 janvier 2014

Depuis 2007, il n'y a pas eu de production du National Theatre d'une pièce de Shakespeare aussi captivante, palpitante et engageante que la reprise de King Lear dirigée par Sam Mendes, actuellement au Théâtre Olivier. Sûrement, jamais auparavant un public n'avait collectivement retenu son souffle ou contemplé avec émerveillement le travail du Barde dans cet espace comme ils le font souvent ici.

Dans une large mesure, cela est le résultat direct de l'approche cinématographique de la mise en scène et du décor et des costumes remarquablement évocateurs du génie qu'est Andrew Ward, ainsi que de l'utilisation particulièrement efficace de la lumière et de l'obscurité grâce à Paul Pyant. C'est l'une de ces productions presque en costume moderne, avec des racines fermement ancrées dans les guerres mondiales du XXe siècle, mais ça fonctionne à merveille. L'ensemble de la vaste scène de l'Olivier est utilisée, et il y a des scènes épiques impressionnantes ainsi que des moments d'intimité silencieuse. C'est une vision merveilleuse de cette tragédie assez difficile.

Le plus impressionnant de tout est la directivité de la narration et les caractérisations riches, finement détaillées, données aux principaux acteurs. Ce n'est pas un Lear standard - c'est une approche unique et rafraîchissante d'une distribution solidaire. Et de loin, le meilleur casting au National depuis très longtemps.

Une partie de la beauté du langage poétique est perdue - en fait, beaucoup - mais malgré cela, il y a tellement d'engagement ici, tant de profondeur dans les interprétations, tant de certitude dans la narration que, chose rare, cela n'est pas aussi important.

Il y a de nombreux moments merveilleux qui resteront gravés dans la mémoire : la division impitoyable de son royaume par Lear, livrée avec le visage de Lear caché au public, augmentant le pouvoir et le venin des moments clés ; l'entrée de Regan et Goneril, établissant silencieusement mais parfaitement ces vils frères et sœurs ; la première apparition d'Edmund ressemblant à un employé de bureau et sa transformation en presque surhomme traitre nazi ; le regard silencieux mais captivant sur le visage de Regan alors que son mari, sa sœur et son beau-frère débattent de la stratégie ; le visage du Fool lorsqu'il est au sommet de la montagne avec Lear, faisant face aux éléments ; la première apparition sauvage et complètement nue de l'Edgar dément (Poor Tom) ; l'imitation délicieuse de Regan par le Fool ; le meurtre brutal et choquant du Fool par le Lear fou ; le regard sur le visage de Lear quand il voit son travail sanglant ; l'atrocité vicieuse et horrifique de l'aveuglement de Gloucester avec un tire-bouchon (complété par un œil éclaté) ; le dévoilement de Cordelia et de l'armée française ; la réunion tendre de Gloucester aveugle et d'Edgar ressuscité ; les hurlements anguleux de Lear lorsqu'il entre portant le cadavre de Cordelia et sa descente lente, parfaite, vers la mort ; la prière finale délicate d'Edgar.

Mendes a une vision claire pour King Lear et délivre la marchandise. La direction est vive, intelligente et éclairante. Le premier acte, d'environ deux heures, passe littéralement en un rien de temps. En termes de présentation générale et de mise en scène, c'est une production très impressionnante et glorieuse - bien au-delà de tout ce que Lord Hytner a présidé.

La meilleure performance vient de Stephen Boxer, qui est tout à fait magnifique en Gloucester. Il atteint chaque note aiguë, de drame, de vérité, de rendu poétique. Il est captivant à regarder. Impeccable.

Anna Maxwell-Martin est délicieusement Dynasty en tant que Regan avide de pouvoir. Sa robe, ses cheveux, sa façon de fumer, son air, son sens de la supériorité innée, ses yeux vicieux grand ouverts, ses discours puérils, son travail extraordinaire aux funérailles de son mari : elle est une source inlassable de joie et de répulsion. Et elle est morte magnifiquement. Sa réaction orgasmique à l'aveuglement de Gloucester était stupéfiante mais parfaitement en accord avec sa performance détaillée et intense.

Tom Brooke est merveilleux en Edgar, perdu, distant et facilement trompé ; ensuite en Poor Tom il est superbe, réussissant l'exploit de marcher sur le fil de la quasi-folie. Sa renaissance à la fin est somptueusement satisfaisante. De manière inattendue, Brooke est superbement bon à tous points de vue.

Kate Fleetwood est la personnification de l'acier féminin en tant que Goneril. Tressée et coiffée parfaitement, elle est splendidement hideuse, la trahison gravée sur chaque pore. La seule scène où elle, Regan et Cordelia parlent ensemble est effroyablement réaliste, dégoulinant de mépris venimeux.

Dans le rôle du bâtard Edmund, Sam Troughton fait le meilleur travail théâtral de sa carrière. Comme Hitler, il évolue de petit commis à maniaque puissant et est responsable de nombreuses morts et tromperies en cours de route. C'est un méchant enflammé et bruyant - mais ses meilleurs moments sont les plus calmes.

Je n'ai jamais vu Stanley Townsend meilleur qu'il ne l'est ici en tant que Kent injustement traité. Il est excellent dans tous les aspects et sa voix profonde et melliflue ajoute une texture bienvenue aux débats.

Michael Nardone est impressionnant, en mode voyou éduqué à Eton en tant que Duc de Cornwall. Il travaille bien avec Maxwell Smith et son travail avec le tire-bouchon, avant et pendant l'aveuglement sauvage de Gloucester, est impeccable. Cependant, on ne peut pas en dire autant de Richard Clothier, qui est intensément ennuyeux et inefficace en tant que Duc d'Albany. Son personnage est le seul personnage non crédible du mélange et sa maîtrise du texte est choquante.

Olivia Vinall commence mal en Cordelia - beaucoup trop de cris et bien trop peu de chaleur - mais prend son envol au deuxième acte. Son rassemblement de soutien pour son père chassé est authentique et touchant, et ses scènes post-mortem n'auraient pas fonctionné aussi bien sans l'empathie qu'elle a construite avec le public.

Le Fool est un rôle difficile à réaliser mais Adrian Scarborough réussit à être à la fois drôle et touchant, observateur et spirituel, perspicace et espiègle. C'est un mélange tout à fait délicieux. Et ça fonctionne extrêmement bien. Quand le Fool meurt de la main de Lear, vous savez que la descente aux enfers a commencé. D'une manière très palpable, Lear tue une partie essentielle de son propre moi.

Ross Waiton fait une impression significative d'abord en tant que Roi de France, puis en tant que Capitaine dans les scènes finales.

Ensuite, il y a le Lear de Simon Russell Beale.

Jamais la scène d'ouverture, où le roi vieillissant divise capricieusement son royaume et trace ainsi de profondes lignes ennemies entre ses filles, ni la scène finale, où la vie de Lear s'éteint après sa déchirante livraison du corps de Cordelia aux masses rassemblées, n'ont aussi bien fonctionné qu'ici. L'affichage brutal de pouvoir déséquilibré mène inexorablement au moment de libération déséquilibrée, son enfant unique et véritablement aimé étant mort. À ces deux extrêmes, Simon Russell Beale excelle.

Au milieu, cependant, tout n'est pas si rose. Cherchant comme s'il basait son Lear sur Ian Judge (cheveux, barbe, posture, rage) mais en même temps abordant les premières scènes presque comme s'il était Richard III (il y a le sentiment d'une bosse sur son dos, une main tenue de manière étrange, une démarche curieuse) Beale est mercuriel et souvent fascinant et captivant. Mais il livre le texte à toute vitesse, sauf pour la scène finale, et cela détourne de l'effet global. Le célèbre monologue de la tempête n'atteint pas les sommets opératiques et résonnants qu'il devrait. Il trouve l'humour, mais parfois au détriment du drame et du sens de la tragédie.

Beale aborde le rôle de manière cérébrale plutôt que personnelle ou avec une auto-justification volcanique. Bien que Derek Jacobi ait peut-être été un meilleur Lear dans la production de Donmar par Grandage (il n'a jamais perdu de vue le travail vocal), celui de Beale est certainement une interprétation intelligemment audacieuse et exécutée. Parfois, son travail est fragile et beau, voire dévastateur. Il parle avec alacrité mais avec une diction précise, presque ciselée. Parfois, cependant, plus de passion est nécessaire, plus d'intensité de confusion incrédule, plus de grandeur née du rang.

C'est une performance de Lear efficace et techniquement concentrée. Mais les décisions capricieuses, toutes coûteuses pour le personnage, sont observées plutôt que ressenties par Beale.

Ceci dit, je n'ai jamais vu une meilleure scène finale que celle-ci : son entrée avec le cadavre de Cordelia est rien de moins que miraculeuse dans sa capacité à influencer l'opinion et à refléter une douleur durcie et destructrice de l'âme.

La scène est remplie de jeunes hommes silencieux et attentifs jouant divers soldats. Les chiffres sont impressionnants, l'ambiance fumante, rancunière et volatile alors que les allégeances changent. Mendes a raison de remplir la scène de ces supernuméraires : ils donnent à la tragédie un vrai sens de cause-à-effet, et les manigances royales résonnent à travers le royaume.

Ce qui est le plus mémorable dans la vision de Mendes ici, c'est la façon dont cette pièce, souvent simplement vue comme un véhicule pour une interprétation vedette dans le rôle-titre, devient une méditation sombre sur la façon dont les pères influencent la vie de leurs enfants. Ici, les histoires de Gloucester et de Lear sont racontées en parallèle clair, chaque homme étant aussi important que l'autre : chacun a des enfants, chacun en rejette un, chacun commet des erreurs quant à l'enfant dont il attend le soutien, chacun est trahi par sa progéniture et chacun est responsable de la mort de la sienne. Cette approche rend la pièce à la fois plus intime et plus universelle, et certainement plus remarquable.

Mendes a livré une soirée de Shakespeare qui vaut la peine d'être vécue et est gratifiante à presque tous égards. Et avec plus de représentations, le Lear de Beale deviendra sans aucun doute plus cohérent, plus lyrique et plus dévastateur. Mais pour le moment, l'étoile de Stephen Boxer est la lumière brillante de ce délice théâtral somptueux.