CRITIQUE : Le Roi Jean, Théâtre du Globe ✭✭✭✭✭

Le Roi Jean

Théâtre du Globe de Shakespeare

10 juin 2015

5 étoiles

William Shakespeare a écrit dix pièces sur les monarchies tumultueuses qui ont régné sur l'Angleterre : Richard II, Henri IV (1 et 2), Henri V, Henri VI (1, 2 et 3), Richard III, Henri VIII et Le Roi Jean. Ce dernier, pensé avoir été écrit après Richard II et avant Henri IV Partie 1, est rarement joué, du moins en comparaison avec les autres. Cela suggère que la pièce a des « problèmes ». Mais en est-il vraiment ainsi ?

À en juger par la production de James Dacre, actuellement à l'affiche au Globe, la réponse est un retentissant « Non ».

Surprise, c'est la première fois que Le Roi Jean est abordé au Globe depuis son ouverture en 1997. L'attente de dix-huit ans en valait la peine. La production de Dacre pétille d'énergie, raconte l'histoire politique complexe avec clarté et humour, et se délecte des excès des personnages et des rebondissements de l'intrigue. Légèrement espiègles, des répliques sont ajoutées à la pièce de Shakespeare depuis La Réorganisation Troublante du Roi Jean, Roi d'Angleterre, une pièce peut-être écrite par George Peele. Mais ces ajouts ne sont ni choquants ni superflus, et le résultat final est une promenade à travers un moment tendu pour les relations anglo-françaises, racontée à travers le prisme très spécifique de la scission post-Henri VIII avec Rome, débordante de venin, de trahison et de stratégies.

Nicholas Hytner a célèbrement remarqué que Shakespeare pouvait être obscur : « Les cinq premières minutes sont toujours délicates » a-t-il déclaré au Festival Littéraire de Cheltenham en 2013. La production de Dacre prouve que Hytner avait tort, si besoin était. La clarté singulière dans la livraison de tous les acteurs de la compagnie fait de celle-ci l'une des productions les plus facilement compréhensibles de Shakespeare vues au Globe. Ce n'est pas seulement une question d'articulation et d'audibilité ; la compagnie ici vit et respire le langage, l'utilisant à leur plein avantage, attirant le public dans leur confiance, à leur soutien. C'est la rhétorique en pleine action.

Au fil de l'action, la pièce semble étonnamment pertinente. Le conflit entre les classes, l'incapacité du corps dirigeant à obtenir le soutien du pays, la volonté de ce corps de se retourner contre ses alliés pour des gains à court terme, les menaces des riches et des puissants pour garder le corps dirigeant en échec, les alliances malaisées et les coalitions hostiles ; ajoutez à cela des attaques personnelles venimeuses et une trahison éhontée et vous n'avez pas seulement l'essentiel du Roi Jean mais une vue d'ensemble caustique des récentes élections britanniques.

Dans le programme, le professeur Leon Black plaide pour que la pièce soit mieux considérée :

« Non lié à la double tétralogie sur les York et Lancastre, présentant peu de ressemblance avec ce que nous apprenons de Jean à l'école (la Magna Carta n'est jamais mentionnée), cela ressemble à un enfant mal aimé. Elle devrait être plus remarquée, car elle contient d'excellentes choses - entre autres, une remarquable diversité de tons, incluant le patriotique, le conspirateur, le choquant et le ridicule. Elle offre aux metteurs en scène et aux acteurs un large éventail de choix. »

Le professeur Black a tout à fait raison.

Dacre tire pleinement parti des nombreux changements d'humeur et de style de la pièce, ce qui rend la soirée tumultueuse et captivante : une sorte de montagnes russes politiques. C'est une pièce où il est difficile de déterminer qui pourrait être le véritable méchant - il y a plusieurs prétendants à cette appellation. Mais le véritable atout de la production de Dacre est que les personnages prennent toute leur ampleur, et quels personnages riches et gratifiants ils se révèlent être.

Jo Stone-Fewings est en forme spectaculaire en tant que titulaire Le Roi Jean ; je ne l'ai jamais vu mieux que ici. Il évoque subtilement le sens de la version dessin animé du personnage, le lion à la voix soyeuse de Peter Ustinov dans Robin des Bois de Disney, et est vénal, capricieux, réfléchi, majestueux, vif d'esprit, pitoyable et grotesque. Il est merveilleux à regarder et l'utilisation de sa voix richement teintée de tons sombres est magistrale - il peut passer de la comédie pleurnicharde à une rage tonitruante en un clin d'œil.

Dans l'ensemble, son Jean est plutôt comme Richard II 1/2 - un personnage qui se situe quelque part entre les extrêmes des Richards II et III, avec des caractéristiques et des attitudes communes à l'un ou à l'autre. Pourtant, le Jean de Stone-Fewings est entièrement unique en même temps ; un point de singularité qui s'illumine à sa manière. C'est un portrait puissant, captivant et totalement convaincant - qui fixera le standard pour longtemps.

Une petite critique surgit concernant la manière et la matière de la mort de Jean. Il semble ici être trop net, trop rapide et sans échelle ni niveau essentiel de hideur. Jean était, après tout, empoisonné dans la pièce ; dans la vie, la dysenterie l'a revendiqué. Dans les deux cas, ce n'était pas joli. Priver Stone-Fewings d'une mort dégradante et épouvantable par empoisonnement des intestins pourris enlève un peu de lustre à la performance. Il a travaillé si dur, rendu Jean si réel, que le dernier râle de mort sinistre ne devrait pas le voir partir avec un gémissement. Mais c'est une petite tache sur le livre de Dacre ; cela prive simplement le public de voir à quel point Stone-Fewings aurait pu être bon.

Alex Waldmann ne cesse de croître en stature en tant qu'acteur classique. Il est un merveilleux Bâtard ici - noble d'esprit, courageux, tapageur, audacieux, rapide à la langue, fougueux et audacieux. Un Bâtard de bâtard. Tout ce que le fils illégitime du croisé Richard Cœur de Lion serait censé être. Tout homme et tout bouche, rapide avec une épée, et mortel - sur le champ de bataille et en dehors. Un farceur et tout sauf une blague. Waldmann gagne facilement les faveurs du public et trace le parcours de son personnage pour égaler la chute du Jean de Stone-Fewings. C'est une performance mature, effrontée et impressionnante. Sa scène finale est magnifiquement touchante.

En tant que matriarche de toutes les matriarches, Éléonore d'Aquitaine, Barbara Marten montre une agilité d'esprit et de manœuvre qui fait vraiment se demander si James Goldman a pris son inspiration pour Le Lion en Hiver de Shakespeare. L'Éléonore de Goldman et celle de Shakespeare ont beaucoup en commun, et Marten met en chair chaque morceau du festin pour une actrice que la plume de Shakespeare offre. Régale, hautaine, manipulatrice, mais toujours électrisante, Marten se délecte des jeux dangereux qu'Éléonore incite et soutient. Ses yeux communiquent des pages de mots avec des regards rapides et pénétrants. Complètement réelle et compréhensible, l'Éléonore de Marten montre quel rôle formidable c'est pour une actrice de talent.

L'Éléonore de Marten est d'autant plus enivrante à cause de la petite scène où Marten joue un autre personnage - Lady Faulconbridge, la mère du Bâtard. Ici, Marten est complètement différente, presque comme si une autre actrice jouait le rôle. Brisée, chagrinée, rancunière, blessée, humiliée - Marten est sensationnelle. Et Lady Faulconbridge est un rayon important de la roue de la fortune en perpétuel mouvement. C'est elle qui reconnaît le père du Bâtard, malgré le coût pour sa réputation, et donc c'est elle qui met son fils sur la voie qui le verra s'élever en stature et en rang, au-delà de ses rêves.

Tanya Moodie est une Constance exceptionnelle, mère d'Arthur, le fils du frère aîné défunt de Jean, Geoffrey. La revendication d'Arthur au trône anglais est peut-être aussi tenable que celle de Jean, et Constance veut qu'il soit couronné. Moodie peut échanger des insultes avec les meilleurs et n'a pas de difficulté à égaler Marten ou Stone-Fewings épine pour épine. Elle joue Constance d'abord en tant que mère, mère de la couronne en second. En cela, elle est l'opposée d'Éléonore, pour qui le pouvoir est primordial. Le regard sur le visage de Moodie alors qu'Arthur est emmené est extraordinaire, une peinture Renaissance de dévastation ressentie honnêtement, et elle gère le lamentation sur le sort de son fils avec une intensité brutale et hérissée.

En tant que cardinal Pandulph, déloyal et déterminé, Joseph Marcell brille comme un bijou sur la main du Pape. Imperturbable face à l'indiscipline, son cardinal rusé exerce le pouvoir sans hésitation ; une excommunication ici, une excommunication là - tout pour maintenir la suprématie de Rome et réaliser la volonté du Pape. Il est hilarant que le personnage le plus machiavélique ici soit le cardinal, mais cela reflète totalement les vues de l'époque de Shakespeare et suscite des rires, à l'époque comme aujourd'hui. Dans une lecture moderne, on pourrait presque voir le cardinal comme l'incarnation de l'Union Européenne ou du monde bancaire : il est un ennemi pour certains, un ami pour d'autres, et soutenu par un pouvoir formidable et bien financé.

L'une des scènes les plus difficiles de la pièce se produit lorsque Hubert (Mark Meadows) vient aveugler Arthur (Laurence Belcher) avec des tisonniers ardents et le tuer mais le garçon réussit à le convaincre de ne pas le faire. C'est une scène difficile à faire fonctionner, à moins qu'une nuance pédophile dérangeante ne soit donnée à la procédure. Mais ici, avec les deux excellents acteurs jouant tout cela pour de vrai, avec conscience et conséquence étant les bâtons du débat, cela fonctionne spectaculairement. Vous êtes certain que le garçon sera aveuglé; puis vous comprenez pourquoi Hubert refuse de faire l'acte sombre - et cela prépare le sort final d'Arthur à être terriblement triste, plutôt que ridiculement idiot.

Il n'y a pas de maillons faibles dans la distribution et Simon Coates, Ciarán Owens et Daniel Rabin font un travail particulièrement fin et réfléchi. Tout comme Aruhan Galieva dans deux rôles très différents : elle est une mariée surprise lorsque le projecteur des négociations se tourne vers sa Blanche de Castille, une princesse espagnole ; et, plus tard, en tant que Pierre de Pomfret, étrange et légèrement farouche, elle apporte le sentiment de l'une des sorcières de Macbeth ou du devin de César aux événements.

La musique originale d'Orlando Gough fonctionne particulièrement bien et ajoute significativement à l'ambiance et au ton. Scott Ambler fournit des mouvements habiles et les séquences de combat stylisées (Rachel Bown-Williams et Ruth Cooper-Brown) sont très impressionnantes - plus impressionnantes, en fait, que toute séquence entièrement mise en scène serait susceptible d'être. La scénographie de Jonathan Fensom exploite remarquablement bien la scène, les plates-formes qu'il installe parmi les spectateurs en place, et la rampe centrale où Arthur monte enfin à Dieu, tout fonctionne bien.

C'est une production vraiment captivante, fascinante et palpitante d'un des vilains petits canards de Shakespeare. James Dacre et sa distribution exemplaire, dirigée par Stone-Fewings, Marten, Waldmann et Moodie, plaident entièrement pour que Le Roi Jean soit vu comme un véritable cygne.

Le Roi Jean se joue jusqu'au 27 juin 2015 au Théâtre du Globe de Shakespeare