CRITIQUE : Roi, Hackney Empire ✭✭✭✭✭

Julian Eaves a critiqué la comédie musicale King de Martin Smith présentée par le London Musical Theatre Orchestra à Hackney Empire.

King

London Musical Theatre Orchestra

Hackney Empire

1 juillet 2018

5 Étoiles

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Depuis qu'elle a quitté cette maison en tant que directrice artistique l'année dernière, Susie McKenna travaille comme directrice indépendante, et cette production, présentée conjointement par son ancien domicile et par l'une de ses compagnies visiteuses régulières - le magnifique London Musical Theatre Orchestra - est un triomphe éclatant.

Ayant longtemps championné le rapprochement avec de nouveaux publics sous-représentés, c'était un plaisir de voir ce magnifique lieu de 1275 places de Frank Matcham être rempli pendant deux soirées consécutives par l'un des publics de comédie musicale les plus variés que nous ayons vus depuis longtemps. Coïncidant de manière appropriée avec le 50e anniversaire du meurtre du Dr Martin Luther King, la décision de raviver l'œuvre presque complètement oubliée de Martin Smith était une décision courageuse et inspirée, et largement récompensée par l'accueil enthousiaste réservé à cette pièce quasiment inconnue.

Smith n'était pas un créateur expérimenté de comédies musicales, mais il était un débutant incroyablement talentueux lorsqu'il a écrit ceci dans les années 1980, très dans le style des bio-comédies musicales de l'époque : il met l'accent sur la création d'effets en alternant les grands numéros et les ballades puissantes, et il était assez compétent pour écrire les deux. Son langage musical ici est précisément idiomatique, reflétant souvent avec une exactitude étrange les styles du jive, du Big Band Count Basie, de Quincy Jones, de Motown, de la soul, du gospel, de l'opérette, du Country & Western et même du rap, tout en faisant référence aux techniques et aux gestes d'Andrew Lloyd Webber et de ses autres contemporains. Les qualifications de Smith en tant que compositeur signifient qu'encore aujourd'hui, bon nombre de ses numéros ont un impact considérable.

Inévitablement, comme pour tout nouveau scénariste, il y a des faiblesses, et là où Smith marque beaucoup moins, c'est dans sa capacité à créer un arc dramatique bien défini et captivant : crucialement, il est empêché par son incapacité à trouver un 'voyage' engageant pour son personnage central. Il y a une certaine compensation dans le traitement beaucoup plus réussi du rôle de l'épouse du héros, Coretta, mais tant de rôles sont utilisés uniquement pour fournir de l'exposition, plutôt que d'inviter le public à les rejoindre dans un voyage de découverte.

Néanmoins, entre des mains très habiles - comme celles proposées dans cette présentation - nous passons moins de temps à nous inquiéter des défauts techniques de la pièce et nous nous laissons emporter par sa puissance émotionnelle pure. Et nous pouvions à peine espérer un meilleur casting que celui-ci.

Cedric Neal dans le rôle-titre a impressionné à plusieurs reprises en tant qu'interprète très talentueux, mais ici, il a démontré sans réserve ses qualifications en tant que vraie star, plus que capable de porter un spectacle entier : le rôle du Dr Martin Luther King est un très, très gros défi vocal, avec une énorme série de numéros exigeants à traverser - comment cela pourrait être pratiquement possible dans le monde commercial du show business, je n'en ai pas la moindre idée - et dans cette situation de concert occasionnelle, il a pu montrer ses nombreux talents à un effet à couper le souffle : son interprétation du discours 'I Have A Dream', que Smith a partiellement musicalisé comme la conclusion du premier acte, m'a réduit en larmes, et cela - chers lecteurs - n'est pas quelque chose qui arrive très souvent. C'était la force centrale de la version de Smith de King : autrement, il était obligé de jouer ce qui était en grande partie une hagiographie, allant d'une étape de la vie du pasteur à une autre, accompagné d'un halo de suiveur de projecteur saint. Neal a réagi en sous-jouant le drame autant que possible, en réservant la passion pour des moments spéciaux. En attendant, au-delà de sa capacité étonnamment convaincante en tant qu'acteur, nous avons adoré entendre sa voix de ténor fine et lumineuse, même dans toute la gamme, avec des notes de tête simplement superbes - et beaucoup d'entre elles, ainsi qu'une diction parfaite et un phrasé cristallin soutenus par sa technique fantastique et son contrôle de la respiration. Musicalement, il a donné le ton à l'ensemble du casting.

En tant que sa femme, Coretta, Debbie Kurup (dernièrement 'La Gitane' dans 'Girl From The North Country') avait sans doute le rôle le plus dramatiquement varié et engageant... finalement ; une grande partie de la partie précédente du script ne lui donnait que peu à faire sauf sourire et saluer, mais lorsque des matières plus nourrissantes sont arrivées, elle les a saisies avidement et a maximisé l'impact dramatique. Le fait de l'avoir encadrer le spectacle avec la même scène nous a permis de voir - très clairement - quel voyage cela avait été pour elle. Encore une fois, elle est une femme de premier plan.

Sharon D Clarke, d'autre part, est une grande star. Étonnamment, nous avons la chance au Royaume-Uni d'avoir la première chance avec elle, et elle mêle une carrière dans le monde commercial avec des rôles dans les secteurs subventionnés et Off-West End. Ici, en tant que mère, Alberta King, elle n'avait pas beaucoup à faire, mais elle a rendu ces occasions merveilleuses lorsqu'elle a eu l'occasion de chanter de manière expressive. Son premier acte, 'Keep On Believing', était un succès absolu et entre les mains de Clarke, il semblait être un grand succès.

Le succès commercial, cependant, a échappé au créateur de cette œuvre, et l'une des raisons pour lesquelles il a été si difficile de la raviver est le coût purement financier d'au moins 19 solistes, plus un chœur et un orchestre, surtout lorsqu'ils doivent vraiment être castés avec des experts. Même dans les petits rôles de J Edgar Hoover (la performance exceptionnelle qui a volé la vedette de Clive Carter) jouant le Grand Inquisiteur de John F Kennedy (Alexander Hanson) le Roi Philip, vous avez besoin de qualité réelle. Vous en avez également besoin avec des personnages comme Ralph Abernathy (un Cavin Cornwall poli), ou la Rosa Parks rigide de Carole Stennett (qui a doublé beaucoup d'AUTRES rôles!), Stokely Carmichael d'Adam J Bernard et Robert Kennedy de Matt Dempsey (et d'autres rôles).

Parmi les autres autour du Docteur, Jo Servi était délicieux en tant qu'Ed Nixon, Angela M Caesar émotionnellement attachante en tant que Mère endeuillée, Alice et un ancien de l'Église, Naana Agyei-Ampadu a joué une Chaperonne de Danse Universitaire, militante des droits civiques, passagère de la liberté, dame de l'Église et activiste du pouvoir noir ; Daniel Bailey, Raffaella Covino, Adrian Hansel, Sinead Long et Olivia Hibbert ont tous joué de nombreux rôles, et certains de plus ont été fournis par le très utile et intense John Barr et aussi Johnathan Tweedie, tandis qu'Amari Small a pris le rôle du jeune Martin. Tous les précédents étaient soutenus par le Hackney Empire Community Choir et le Gospel Essence Choir, avec des arrangements choraux splendides réalisés par Joseph Roberts.

Occupant la plupart de la scène, cependant, se trouvait le toujours excellent London Musical Theatre Orchestra ; ils ont absolument glorifié les arrangements musicaux spectaculairement brillants de Simon Nathan. Nathan a parfaitement capturé les références kaléidoscopiques de la partition, et a fait en sorte que ses joueurs reflètent ces styles tout en restant toujours fidèles à l'intention de la partition. Mais c'est le directeur musical et fondateur Freddie Tapner qui a remporté les louanges les plus frappantes : si jamais une comédie musicale pouvait prétendre être le 'Mahler 8' du genre, alors c'est celui-ci, et Tapner s'est montré plus qu'à la hauteur du défi.

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