CRITIQUE : Kill Me Now, Park Theatre ✭✭✭✭

Jack McMullen, Greg Wise et Charlotte Harwood dans Kill Me Now. Photo : Marilyn Kingwill Tuez-moi maintenant

Théâtre de Park Street

27 février 2015

4 Étoiles

Le père est grand, musclé, américain. Capable. Le fils n'est pas petit, émacié, et son corps est paralysé. Ses mains, toutes deux, sont noueuses et pratiquement inutilisables pour des travaux délicats. Ses jambes sont tordues et ne soutiendront pas son poids ; il ne peut pas marcher. Son visage est contorsionné en angles étranges, sa bouche a une forme étrange sur son visage par ailleurs beau.

Le père lave le fils. Tous deux se sentent maladroits, mais pour des raisons différentes. Le fils est gêné parce que la puberté a fait son apparition et il n'a aucun contrôle sur son pénis ; le père parce que le fils se sent gêné. Il a baigné son fils presque toute sa vie, mais soudainement c'est embarrassant. Le fils se plaint d'un mal aux fesses. Le père promet d'appliquer une pommade apaisante, une fois le bain terminé. Papa nettoie les organes génitaux. Soudain, une nouvelle présence. Une érection.

Plus tard, le père raconte ce moment d'agonie parentale à sa maîtresse, une femme mariée qui a un mari inattentif et deux fils en bonne santé. Avec un calme alarmant, elle suggère que Papa offre à son fils un soulagement. Peut-être sans surprise, Papa est déconcerté. Mais elle est résolue. Le garçon a besoin de réconfort. Si c'était son fils avec l'érection dans des circonstances similaires, et s'il était gay, elle lui donnerait du réconfort ; s'il était hétéro, elle demanderait à son père de le faire. De cette façon, aucune trace d'ardeur ne pourrait être impliquée. Les yeux du père s'écarquillent.

Tout comme les yeux de chaque personne dans le public.

C'est la production de Braham Murray de la pièce de Brad Fraser, Tuez-moi maintenant, qui fait sa première européenne au Park Theatre. C'est un drame domestique, aussi déchirant et intensément personnel que l'on puisse imaginer. Il traite de thèmes lourds allant des questions de normalité, adultère, responsabilité parentale, devoir filial, limites des soins domestiques pour les personnes handicapées, prostitution et euthanasie, mais tout en mettant en lumière la douleur et la joie d'une unité familiale élargie.

Sans doute : c'est une révélation. Il aborde des sujets difficiles, voire tabous, avec une franchise infaillible. Alors que la famille Sturdy, qui porte mal son nom, fait face aux vicissitudes écrasantes de la vie, avec toute la grâce, la tension, la sympathie et la colère que l'on peut attendre d'une petite famille, chaque coup semble horrifique mais inéluctable, et une solution réalisable aux malheurs communs plus impossible à façonner. Mais l'amour et l'humour qui les lacèrent et les lient ensemble permettent une solution à la fois tendre et dévastatrice.

Fraser écrit des dialogues sobres et réalistes qui vont au cœur des caractères comme des situations. C'est brutal par moments, terriblement honnête à d'autres et véritablement drôle tout au long. Certaines sections traînent légèrement, et il pourrait y avoir un problème de trop dans le mélange, mais dans l'ensemble c'est une œuvre impressionnante qui ose emprunter des chemins inhabituels.

Et les personnages qu'il crée sont surprenants et engageants.

Greg Wise, de retour sur scène après une longue absence, est impressionnant en tant que parent solitaire, faisant de son mieux pour protéger et prendre soin de son fils gravement handicapé. Il est à son meilleur dans les moments d'intimité profonde, de douleur silencieuse. Les scènes avec sa maîtresse secrète sont pleines de retenue et de sincérité et contrastent superbement avec les scènes d'antagonisme et d'irritation piquante (mais d'affection réelle et persistante) avec sa sœur issu du monde de l'entreprise.

Mais ce sont les scènes avec son fils Joey où Wise démontre ses compétences d'acteur fines. Dès la scène d'ouverture, où se déroule la première séquence de baignade, Wise établit son lien clair avec Joey incarné par Oliver Groom. Le sentiment de dévouement de toute une vie est palpable. À partir de cette base, le duo crée des moments d'une brutalité, presque inconcevable, à couper le souffle. Le moment où Joey exige furieusement que son père et sa tante discutent de l'euthanasie est palpitant, principalement parce que Wise a rendu le père totalement réel, humainement faillible.

Oliver Groom est un interprète doué et détaillé, comme le prouve amplement son tour ici en tant que Joey noueux, physiquement impuissant mais mentalement vif. Il s'engage pleinement dans la tâche, courageusement et audacieusement ; il crée sans hésitation une caractérisation physique viscérale et la superpose avec des yeux expressifs intelligents, qui communiquent constamment, et des gymnastiques vocales astucieuses qui, malgré les limitations que l'impédiment de parole de Joey pose, transmettent couleur, signification et profondeur tout au long. Il est diablement drôle aussi.

Groom propose un portrait intense, profondément ressenti et totalement réalisé du handicap. De la joie à la rage, son Joey est capable de tout et prêt à tout faire. Il est totalement engagé à tout instant et absolument convaincant - il est particulièrement bon pour tracer le passage de Joey de l'adolescent ravagé par la puberté au jeune homme. Quoi que vous pensiez savoir sur la vie avec un handicap, la performance de Groom ici vous éclairera.

En tant que Rowdy Akers, l'ami mentalement imparfait de Joey dont l'enthousiasme pour la vie, le plaisir et le sexe est sans égal, Jack McMullen est une tornade de joie fraîche et spontanée. Il établit une relation facile avec Joey incarné par Groom qui est totalement convaincante et il montre comment l'amour et les soins qu'il trouve auprès du père et de la tante de Joey enrichissent sa vie et l'aident à l'affronter. McMullen est constamment charmant et drôle, mais il esquisse également soigneusement la désespérance de Rowdy pour une famille. Une autre performance riche et soigneuse, de grande habileté.

Charlotte Harwood a un défi majeur en tant que Tante Twyla, une femme qui donne tant de sa vie et de son énergie à Joey et à son frère qu'il ne reste plus grand-chose pour ses propres plaisirs et occupations. Le sentiment d'une vie consacrée au travail et au devoir familial est puissant dans la prestation de Harwood, mais il n'y a aucune trace d'amertume. Ses excursions dans l'alcoolisme et l'aventure sexuelle sont bien jugées et elle apporte un véritable équilibre à la dynamique du foyer Sturdy où elle est une visiteuse constante.

En tant que maîtresse secrète du père de Joey, Anna Wilson-Jones apporte aux hommes Sturdy une chaleur pratique et sensuelle. Ses scènes avec Papa Jake sont magnifiquement jugées, la honte de l'adultère mélangée au plaisir d'une véritable connexion et un besoin romantique commun. Plus tard, lorsqu'elle commence à construire une relation avec Joey, Wilson-Jones est absolument envoûtante : on la voit à travers les yeux de Joey, la connaissant à travers Jake. C'est une performance douce, pleine de tendresse et de compassion.

Il ne fait aucun doute que la pièce pourrait sombrer dans une sentimentalité mièvre, mais le réalisateur Braham Murray s'assure que l'intégrité est la mesure, pas la sentimentalité. Ce n'est pas pour dire que la production n'est pas émouvante - elle l'est absolument. Mais elle est aussi déchirante et contient deux des scènes les plus confrontantes que j'ai jamais vues sur scène. La clarté adroite avec laquelle Murray imprègne chacune des relations et des embûches narratives garantit un engagement total. Le public est constamment impliqué, captivé et émerveillé.

Le Park Theatre est un espace merveilleusement adaptable et le décor de Juliet Shillingford en tire pleinement parti. De manière astucieuse, la pièce est mise en scène en rond (en réalité un carré) avec le résultat que le public fait presque partie de la vie des hommes Sturdy. Les murs de béton brut suggèrent la crasse et une sorte de prison, et divers meubles établissent facilement les différents lieux où l'action se déroule. L'éclairage de Chris Davey est méticuleux, suggérant délicatement l'ambiance et soulignant correctement le travail des acteurs. La musique de Tayo Akinbode, de même, est intégrée sans effort, résonnante et idéale.

C'est une production merveilleuse et sensible d'une pièce importante qui ose aller là où peu de pièces avant elle ont osé aller. Son objectif essentiel sur la communication et les besoins de l'humanité en fait un théâtre difficile et dérangeant. Mais en fin de compte, la chaleur et l'esprit des interprètes talentueux garantissent que l'expérience est exaltante et incroyablement précieuse.

Tuez-moi maintenant court jusqu'au 29 mars au Park Theatre