CRITIQUE : Judy!, Arts Theatre ✭✭✭

Judy!

Théâtre des Arts

27 mai 2017

3 Étoiles

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S'il y a jamais eu un cas où un spectacle est complètement transformé par le choix du lieu, c'est celui-ci. Cette biographie originale de Judy Garland, un projet passionné entrepris par le fondateur et directeur du théâtre, Ray Rackham, a commencé comme une pièce de théâtre à petite échelle dans l'espace de 60 places de London Theatre Workshop au-dessus du pub The Eel Brook sur New King's Road; là, elle était captivante et surprenante, avec sa narration entrecroisée de trois histoires différentes, chacune interprétée par une actrice différente tenant le rôle principal, et avec des acteurs-musiciens s'accompagnant eux-mêmes et entre eux sur un plateau composé de bibelots et objets de spectacle. Puis, fort de son succès, la production vigoureusement retravaillée a été transférée dans le grand espace de 240 places au Southwark Playhouse, où elle était présentée en configuration de scène en thrust, permettant à nouveau au public de se sentir impliqué et émotionnellement en lien avec les destinées centrales de la figure du titre. La production a attiré un large intérêt et des critiques enthousiastes. Il semblait que rien ne pouvait entraver son chemin.

Et maintenant, bien que peu de productions vues à la Southwark Playhouse - même les plus réussies - le fassent, le spectacle effectue un nouveau transfert vers le West End, s'installant au Théâtre des Arts de 350 places. Rackham produit également, avec Michelle Hutchings, et en collaboration avec Julie Clare, qui est également

directrice générale. Le spectacle a subi un nouveau remaniement, grâce à la dramaturge Carolyn Scott Jeffs, et a obtenu un nouveau design de Tom Paris, qui préserve néanmoins une grande partie de l'intention originale de la mise en scène, pour offrir un espace de studio générique dans lequel les différentes périodes et lieux demandés par le script peuvent être évoqués avec rapidité et flexibilité. Presque tout le casting original a été maintenu tout au long de ce long voyage, et ici, ils reprennent les performances qui leur ont valu des éloges abondants sur Newington Causeway. Le spectacle devrait encore fonctionner à plein régime : les performances, en particulier les numéros musicaux, encouragent le public à vouloir qu'il en soit ainsi. Helen Sheals, Belinda Wollaston et Lucy Penrose (et, le jour où j'ai assisté, la doublure Millie Hobday, promue à la dernière minute de son rôle de costumière et superviseuse par l'indisposition de Miss Wollaston) livrent des interprétations magnifiquement observées et finement ciselées de chansons à succès du répertoire de Garland. Mais quelque chose, semble-t-il, s'est mis en travers de l'ancienne magie. J'ai vu le spectacle deux fois, et je pense savoir ce que c'est.

C'est l'arche du proscenium. L'effet sur la réception de la pièce par la re-positionnement physique de la performance vis-à-vis de son public est dramatique et définitif. Du point de vue du public, nous sommes maintenant assis dans un espace obscurci, éloignés de l'action illuminée ; nous 'observons' désormais les événements étant réalisés de l'autre côté du proscenium, sans nous sentir aussi impliqués par eux que lorsque nous partagions la même pièce à Chelsea ou entourions le casting comme à Southwark. Pourquoi ? Il y a peut-être trois raisons principales : le style d'actuation ; la nature de la direction ; et la structure du script.

Une grande partie de l'actuation reste très similaire à ce qu'elle était dans les lieux précédents. Elle ne 'projette' pas vers nous, contrairement à la livraison des grands numéros musicaux, qui sont toujours livrés avec l'énergie et la vibrance caractéristiques de Garland, son sens inné du talent et son besoin urgent de plaire à son public. Au lieu de cela, nous semblons écouter des conversations en douce, plutôt que d'y être entraînés. Certains pourraient soutenir que cela ne devrait pas avoir d'importance - il devrait être possible d'avoir une production où le script fait une chose et les numéros musicaux en font une autre : eh bien, la preuve du pudding est dans le manger, et en ce moment les passages de dialogue sont bien plus assourdis dans leur effet qu'ils ne l'étaient auparavant. C'est un fait. Les blagues ne tombent pas aussi bien qu'avant, car elles semblent être partagées avec les acteurs sur scène et non avec le public, et nous ne nous trouvons pas capables de 'soigner' les personnages de la même manière émotionnelle directe que les numéros musicaux continuent de proclamer. En d'autres termes, nous perdons le lien avec la raison principale pour laquelle nous ressentons aujourd'hui que Judy Garland compte encore. L'appel émotionnel direct était sa raison d'être. C'est la raison pour laquelle la pièce a été écrite et est produite, et c'est la raison pour laquelle nous sommes venus au théâtre.

Ensuite, il y a la nature de la direction. Ici, comme précédemment, par Rackham lui-même, la direction est un autre facteur pouvant restreindre la 'portée' de la production. Pour franchir la barrière d'une arche de proscenium, il faut énormément aider les acteurs, en arrangeant la mise en place, les mouvements, les lumières et tous les autres accessoires de la production, avec une sélection et une exécution incroyablement minutieuses et précises. Lorsque le regard du public est si focalisé sur une seule perspective, voyant toute l'action de face, chaque élément de la performance est compris et réagi d'une manière complètement différente que lorsqu'on la voit 'en rond'. Rackham, j'en suis sûr, pense qu'il a fait tout ce qui était possible pour faire cet ajustement, mais, à cette occasion, je ne peux m'empêcher de penser que, peut-être, les choses auraient pu être différentes si un regard entièrement neuf, plus expérimenté dans la présentation de pièces musicales dans le West End, avait été engagé pour réaliser une réinterprétation totale du spectacle pour ces circonstances totalement différentes.

Enfin, le script. Le point central du livre de ce spectacle est qu'il n'est pas linéaire. C'est fascinant lorsque le public est dans le même espace où cela se passe ou enveloppé autour de lui. Ici, cependant, lorsque nous en examinons le déroulement de loin, nous ne pouvons pas ne pas remarquer l'énorme écart stylistique qui existe entre le script et les numéros musicaux qui en forment le cœur. Ces chansons, les succès célèbres qui ont créé la légende du titre, sont presque sans exception des mini-narrations extrêmement linéaires de l'âge d'or de la comédie musicale américaine. Dans le monde coupé du script, elles semblent quelque peu décalées, et il semble qu'elles tirent le public dans une direction totalement opposée à celle du script lui-même. Nous obtenons des moments occasionnels de mash-up ou de montage, mais en grande partie, le script et la partition fonctionnent à des fins esthétiques opposées, et cela est mis en évidence par le point de vue impitoyable que les spectateurs sont obligés d'adopter.

Ainsi, à travers une combinaison de style d'actuation, de direction et de script, le public, à contrecœur, est contraint de 'siéger en jugement' sur cette pièce, même lorsque tous ses instincts veulent l'abandonner pour s'impliquer émotionnellement avec l'amour et l'humanité de la figure centrale. On peut apprécier - intellectuellement - l'histoire qu'on nous raconte, mais il est difficile de laisser son cœur s'en emparer. Les personnes qui viennent voir la pièce pour la première fois rapportent des réponses similaires ; notre tête est interpellée ici, pas tellement nos sentiments. Certes, certaines personnes sont encore émues aux larmes - par les chansons - mais je n'ai pas entendu de personnes faire des déclarations similaires sur le 'personnage' ou ce qui lui arrive, encore moins par ce qu'elle fait réellement pour elle-même. Si c'est l'intention délibérée des créateurs de ce spectacle, alors tout ce que je peux dire est que cela semble surprenant, étant donné le style de chant extrêmement émotionnel pour lequel Judy Garland est célèbre, et qui est si vivement recréé ici.

Le proscenium nous rappelle que cela est surtout un spectacle. Il y a de longues scènes de dialogue sans musique, et lorsque la musique vient, tout le chant des chansons est effectué uniquement par les trois principaux rôles. Eh bien, ce n'est pas entièrement vrai : de temps en temps, le reste de la distribution est appelé à fournir des harmonies. La distribution fournit également la musique, à partir d'une gamme d'instruments gardés en permanence en vue sur la scène ; cela ne semblait pas poser problème lors des premières représentations du spectacle, mais ici cela peut sembler un peu étrange, surtout aux moments où ils ne sont pas nécessaires à cette fin et doivent s'asseoir ou se tenir par leurs instruments, parfois pendant de très longues périodes. Il n'est pas très clair pourquoi ils font cela. Les arrangements de Simon Holt sonnent toujours merveilleusement bien, donc nous ne devrions pas être déconcertés par cela.

Pourtant, le 'langage' de la production reste plutôt mystérieux, voire hermétique : par exemple, pourquoi y a-t-il trois différentes Judy et pourquoi habitent-elles parfois le même espace et - à l'occasion - chantent même ensemble? Avant, cela ne semblait pas nécessiter d'explication, mais maintenant, d'une manière ou d'une autre, nous avons besoin qu'on nous explique. Et puis pourquoi un acteur - Harry Anton - joue-t-il à la fois le jeune et le vieux Sid Luft, presque comme deux personnes entièrement différentes, tandis qu'Amanda Bailey et Joe Shefer jouent les parents de Garland, Ethel et Frank Gumm, qui sont enfermés dans une seule période de temps? Ces incohérences temporelles, qui semblaient si charmantes auparavant, ont maintenant tendance à embrouiller. Pourquoi? La chorégraphie de Chris Whittaker donne un 'éclat' très apprécié à une poignée de numéros musicaux, mais la vaste majorité de ceux sur scène ne sont pas touchés par celle-ci : ils restent autour immobiles ou marchent pendant qu'une, deux ou trois actrices dansent, ce qui - pour un spectacle de West End basé sur le nom de l'un des plus grands actes de chanson et danse du siècle dernier - peut sembler légèrement excentrique. Il y a une grande distribution, comprenant également Tom Elliot Reade dans le rôle de Roger Edens, Don Cotter dans le rôle de L B Mayer, Perry Meadowcroft dans le rôle de George Schlatter et Chris McGuigan dans le rôle de Norman Jewison, et même un groupe supplémentaire de quatre musiciens, principalement conservé dans les coulisses. Mais toutes ces ressources semblent sous-utilisées. Encore une fois, nous nous demandons pourquoi? Le regard scrutateur du proscenium impose plutôt ces questions, auxquelles la production ne fournit pas de réponses facilement disponibles. Face à un mystère, de manière dangereuse, le public commence à essayer de le résoudre par lui-même.

Ainsi, lorsque Hunt Stromberg Jnr de Christopher Dickens essaie de manière si urgente de convaincre Judy de répondre aux demandes du réseau CBS pour son émission télévisée, le public commence à imaginer dans son esprit une trajectoire pour le spectacle : est-ce l'objectif que le protagoniste doit atteindre? Ou, lorsque Judith Kramer de Carmella Brown déclare qu'un chemin de briques jaunes a été peint à l'extérieur de la caravane de Judy dans le studio, devrions-nous nous attendre à ce que le spectacle nous emmène le long de ce chemin pour revenir à Oz? En un sens, c'est ce que fait le script - nous déposant finalement dans une interprétation bien charpentée de 'Over the Rainbow', avec même les célèbres nuages volants et le ciel ouvert de la séquence d'ouverture de 'The Wizard of Oz' (la seule scène 'réelle' du film entier, qui autrement - comme cette pièce - est une construction entièrement en studio). Mais, le long de ce chemin, beaucoup d'autres choses qui se produisent dans le spectacle sont très difficiles à rationaliser. Et il y a tant de pression naturaliste dans le spectacle (audiences télé, sondages d'opinion, rapports de groupes de discussion, analyse scientifique, etc.) que nous ressentons inévitablement une compulsion à être rationnels.

Eh bien, il reste à voir ce que cela fait ou ne fait pas pour les spectateurs du Théâtre des Arts. Je pense que cela vaut le coup d'œil, mais il a cessé d'exhaler la magie qu'il avait autrefois.

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