CRITIQUE : Joking Apart, Theatre Royal Windsor ✭✭✭✭

Joking Apart - Théâtre Royal Windsor. Photo : John Walmsley Joking Apart

Théâtre Royal, Windsor

23 juin 2015

4 Étoiles

« La tragédie d'un homme est souvent de ne pas échouer, mais de presque réussir. »

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Abrité juste sous le mur rideau du Château de Windsor se trouve le charmant Théâtre Royal édouardien, dont la grâce crème, or et confort est actuellement le foyer d'une brève série de pièces de haute qualité recréant vaillamment pour un temps l'esprit du théâtre de répertoire collaboratif. Un élément de cette courte saison est une reprise très bienvenue de Joking Apart d'Alan Ayckbourn, une pièce qui a eu relativement peu de productions depuis une première londonienne peu réussie à la fin des années 70.

C'est l'une des comédies plus sombres d'Ayckbourn, axée sur l'impact destructeur et corrosif de la jalousie et de l'envie. Au centre se trouve un couple, Richard (Chris Casey) et Anthea (Stephanie Willson), qui incarnent la bonté, le talent, la beauté, la réussite professionnelle, la convivialité et l'esprit communautaire. Autour d'eux gravitent leurs amis, tous de plus en plus malheureux et dont les relations deviennent de plus en plus dysfonctionnelles tandis que Richard et Anthea restent radieusement inchangés. Il y a deux actes et quatre scènes, l'action se déroulant dans le jardin arrière de la maison de Richard et Anthea et s'étalant sur douze ans, alternant entre saisons d'hiver et d'été.

Comme le note Ayckbourn lui-même dans le programme, il y a toujours eu un problème sur la façon de rendre une bonté indifférenciée dramatiquement intéressante. Tout comme le Dieu de Milton est ennuyeux par rapport à la riche et complexe caractérisation de Satan, il est donc difficile de tirer une pièce convaincante des mariages heureux de gens beaux et réussis. Sa façon de résoudre ce problème est de centrer l'attention non pas sur Richard et Anthea eux-mêmes, mais sur les actions, réactions et ressentiments accumulés de leurs amis. Ainsi, le focus émotionnel de la pièce est intriguant, centré sur les voisins, le vicaire local et sa femme, Hugh (Anton Tweedale) et Louise (Natalie Douglas), un partenaire d'affaires, Sven, (Alec Fellows-Bennett) et sa femme Olive (Lou Lou Mason), et un vieil ami d'Anthea, Brian (Gary Roe), qui apparaît avec une succession de petites amies identikit, toutes jouées par Grace K. Miller. Nous parcourons la séquence familière de rituels sociaux de classe moyenne accumulant des informations sur les vies passées et les préoccupations actuelles des personnages tandis que les sous-courants émotionnels deviennent plus forts et que les tensions entre les personnages deviennent plus désespérées avant d'éclater en confrontations conçues pour être intensément comiques et poignantes en même temps.

Le timing et le rythme sont essentiels dans les pièces d'Ayckbourn. Quand ils sont corrects, la pièce fonctionne comme un mécanisme d'horlogerie exquis, mais dans le cas contraire, les résultats peuvent sembler sans conséquence et inutiles. La frontière entre le succès enivrant dans ce répertoire et l'échec flagrant est dangereusement étroite. Dans la première moitié de la soirée, j'étais parfois inquiet que nous tombions du mauvais côté de la ligne et je commençais à penser, comme souvent, que les Premières auraient mieux leur place plus tard dans la programmation lorsqu'une pièce s'est stabilisée. Au début, les choses allaient trop lentement et la distribution était juste un peu complaisante sur leurs répliques et leur jeu hors dialogue. Je n'étais manifestement pas le seul à le penser, à en juger par cet échange que j'ai entendu à l'entracte entre deux membres du public qui auraient pu passer pour des personnages d'Ayckbourn :

Mari : « Cela fait une heure qu'on est ici, ma chère, et il ne s'est rien passé ! »

Femme : « Dans ses pièces, il ne se passe jamais rien tant que quelqu'un ne s'est pas enivré ! »

Cela s'est avéré vrai – comme si souvent chez Ayckbourn, c'est effectivement l’alcool qui dans la seconde moitié délie les langues de manière destructive et permet aux ressentiments accumulés pendant des années de déborder de manière cinglante. Mais à ce moment-là, le rythme était parfait et la pièce se déplace avec force et intensité vers sa délimitation saisissante de la vérité de la citation que j'ai extraite en tête de cette critique. Sous la surface du passage simple de la jeunesse à l'âge mûr se cache une sombre acceptation de compromis et d'échecs d'autant plus obscurs que les échecs professionnels et personnels étaient en fait de très près échappés.

Quand vous voyez le texte sur la page, il semble plat et mince - tout comme chez Coward. Il y a peu d'esprit de surface ou de jeu de mots. Mais le texte n'est qu'un point de départ – une esquisse à compléter et à donner vie par les acteurs. Cela doit être l'une des raisons pour lesquelles les acteurs aiment jouer ces rôles – parce qu'il y a tellement de place pour l'invention et l'interprétation créatives. Vous pouvez immédiatement voir qu'Ayckbourn a commencé lui-même comme acteur. Il offre à l'acteur un cadre de stéréotype et à partir de cela, une chance de créer un individu unique et nuancé. L'écriture a mis en mouvement le jeu de caractères avec une grande précision et doit être traité avec soin et respect, confiance et précision; mais au sein de cette structure, il y a aussi une réelle liberté. La distribution doit être félicitée pour avoir saisi ces opportunités au maximum.

En tant que Richard et Anthea, Casey et Willson ont à certains égards l'une des tâches les plus difficiles. Ils sont charmants, beaux, irritant de succès dans tout ce qu'ils entreprennent, les hôtes munificents de toutes les fêtes qui encadrent l'action. Mais ils doivent aussi être le centre immobile autour duquel se déroule l'action. Ils parviennent à transmettre avec succès un sentiment d'insouciance quant aux problèmes, réactions et sensibilités des autres, qui est trop reconnaissable comme l'une des conséquences de victoires ininterrompues depuis le jeune âge et la capacité d'obtenir ce que vous voulez sans effort. En ce sens, ils ne sont pas tout à fait parfaits comme le suppose Ayckbourn, mais ils sont parfaitement plausibles.

En tant que prêtre paroissial maladroit et gauche, Tweedale est très efficace. Il tire le meilleur parti de la rhétorique anglicane émotionnellement bloquée et remplie de clichés de son rôle et devient très émouvant lorsqu'il canalise une émotion brute à travers elle. Douglas trace la désintégration mentale de sa femme, Louise, avec une belle démonstration de maladresse physique qui incarne adéquatement son sens croissant d'impuissance sociale face à la bonne volonté des voisins. Fellows-Bennett développe une belle étude de caractère dans la jalousie à peine cachée de l'alpha-mâle et passe d'un stéréotype comique scandinave à une profonde description de la jalousie d'un rival et ensuite à une rage contre la défaite digne de Marc Antoine. Mason a moins à faire en tant que sa femme, mais elle transmet quand même bien sa propre jalousie paniquée envers Anthea et ses tentatives pathétiques d'approuver la critique de Richard par son mari. Le rôle de Roe est moins bien développé que les autres, mais il tire le meilleur parti d'un discours particulier qui révèle avec émotion son amour de toujours pour Anthea : comme si souvent chez Ayckbourn, les dommages dépeints sur scène ont en fait été faits longtemps avant, et nous voyons les réactions retardées. Miller a la tâche délicate de jouer des blondes jeunes similaires et juvéniles tout au long de la pièce ; mais elle distingue habilement entre elles, tout en fournissant la voix d'une jeune génération à la toute fin, où, en tant que fille de la maison, elle refuse symboliquement de s'engager dans les batailles et alliances qui ont entouré ses parents au cours des douze années précédentes.

Comme dans tant de théâtres d'un certain âge, le bar du Théâtre Royal est fièrement orné de photos de productions du passé de l'âge d'or du théâtre de répertoire ; et là, bien sûr, ont été prises les photos de production d'une mise en scène de 1986 de cette même pièce, Joking Apart – tous manteaux duffle, cravates et vestes en tweed, robes à motifs floraux, et grandes coiffures frisées, vous ramenant directement aux années 1970. Mais la leçon de cette belle production est que c'est une pièce intemporelle qui tient toujours aussi vrai un miroir de nos travers aujourd'hui qu'elle l'a toujours fait. Pour plus d'informations sur la saison du Théâtre Royal Rep, visitez leur site web.