CRITIQUE : Jane Eyre, Théâtre National ✭✭✭✭

Jane Eyre

17/09/15

Théâtre Lyttelton, Théâtre National

4 Étoiles

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Cette pièce a vu le jour sous la forme de deux soirées complètes au Bristol Old Vic, qui a interprété l'œuvre pour la première fois en 2014. Elle arrive maintenant au National dans une version condensée, qui reste toutefois une longue soirée – 3 heures et 30 minutes, entracte compris. La pièce a été conçue par la compagnie à partir du célèbre roman de Charlotte Brontë de 1847 sous la direction de Sally Cookson : à certains moments, elle s'écarte de manière intéressante de l'original mais textualement, elle reste fidèle à bien des égards.

Ce qui vous frappe d'abord lorsque vous prenez place au Lyttelton, c'est le décor – l'œuvre de Michael Vale. La scène est ouverte et encadrée de rideaux blancs qui s'élèvent à pleine hauteur. Ils entourent un ensemble complexe de passerelles, rampes et escaliers en bois, formant approximativement un U et accessibles par une variété d'échelles. Occasionnellement, des accessoires et meubles d'époque sont introduits, mais seulement brièvement. Dans l'ensemble, c'est un décor abstrait conçu pour générer un impressionnant sens du mouvement et évoquer une variété de lieux.

Dès le début de l'action, lorsque l'adulte Jane (Madeleine Worrall) gémit et hurle pour simuler sa naissance, les personnages se précipitent et se dispersent, courent, grimpent, s'accrochent et escaladent toutes ces structures. Chaque acteur – ils sont sept, plus des musiciens – doit littéralement parcourir des kilomètres au cours d'une soirée où nous sommes censés ressentir l'immense voyage émotionnel que Jane entreprend – de la misère et de la négligence de son enfance avec ses cruels parents, aux oppressions variées et disciplines punitives de l'école Lowood, jusqu'à son passage marquant et déterminant en tant que gouvernante à Thornfield Hall et sa fuite vers le refuge chez St John Rivers et sa sœur.

Qu'est-ce que la production nous offre alors qui pourrait changer notre perception d'un roman familier du canon ? La réponse la plus évidente est qu'il s'agit d'une version fortement féministe de l'histoire qui se concentre autant sinon plus sur les luttes de l'éducation de Jane que sur le mélodrame de Thornfield. Nous voyons Jane s'opposer à sa famille ignoble, s'affirmer contre l'intimidation et la mesquinerie du régime de l'école de charité, et prendre position pour les droits des défavorisés. Ces aspects ont toujours été présents dans l'histoire mais le dramaturge Mike Akers a ici rendu service au livre en éliminant la retenue et l'anxiété victoriennes concernant l'affirmation de soi féminine.

Nous avons l'histoire dépouillée de vernis et de patine et c'est totalement une amélioration. Nous avons également une palette plus large et plus riche de personnages secondaires – le sanctifié et cruel M. Brocklehurst, la maladive et sainte Helen Burns et la tante mégère, Mme Reed. C'est un concept rafraîchissant, opportun et bien pensé qui apporte une âpreté à l'histoire et un épanouissement complet aux personnages qui devraient mettre un terme à nos souvenirs des versions plus sentimentales qui ont jusqu'à présent dominé la scène et l'écran.

Il est réellement utile d'apprécier qu'au moment où Jane arrive à Thornfield Hall en tant que gouvernante de la pupille de M. Rochester, elle est une enseignante expérimentée et une personne pleinement formée, pas une ingénue timide et impressionnable. Par conséquent, la relation avec Rochester est égalitaire et vive dès le départ, ce qui rend leur interaction bien plus animée et intéressante dans l'ensemble.

À part Jane et Rochester, les acteurs jouent tous plusieurs rôles et se distinguent remarquablement dans la différenciation entre eux. Craig Edwards vole presque la vedette complètement en tant que chien de Rochester, Pilot, une imitation canine aussi étrange et convaincante que j'ai jamais vue au théâtre – tout cela basé sur la subtile intuition qu'un chien peut exprimer les émotions que Rochester est trop torturé par l'anxiété et la culpabilité pour articuler. Laura Elphinstone apporte un stoïcisme pâle à Helen Burns, une vivacité contrastante et un charme énergique à Adele, et une rigueur sanctimonieuse à St John Rivers – vous ne penseriez vraiment pas que la même personne habite chacun de ces rôles. Simone Saunders saisit les opportunités disponibles dans les rôles plus limités de Bessie, Blanche Ingram et Diana Rivers, et Maggie Tagney contraste joliment la gouvernante au foyer Mme Fairfax avec la tante jalouse, Mme Reed.

Et que dire de Jane et M. Rochester ? Worrall donne une performance pleine de verve, de ténacité et de variété sans révéler beaucoup d'un côté plus vulnérable. Elle excelle comme une résolveuse de problèmes énergique plutôt que comme révélatrice de ses propres émotions. Felix Hayes est étonnamment drôle en Rochester... lucide sur ses propres contradictions et son état d'esprit torturé en même temps qu'il les habite. Et il a certainement l'allure brutale et oursine pour répondre aux attentes physiques du rôle.

Aussi impressionnant que soit le jeu des acteurs, autant de crédit revient à la grande équipe créative dont les noms occupent plus d’espace dans le programme que l’équipe sur scène. Cookson mérite de grands éloges pour avoir conçu un excellent concept et l'avoir appliqué avec une rigueur détaillée tout au long de la soirée. À maintes reprises, le plan d'éclairage d'Aideen Malone transforme un moment banal en quelque chose de spécial, et les costumes de Katie Sykes affirment clairement l'époque tout en offrant une flexibilité pour des changements rapides et des adaptations.

Je n'ai encore rien dit de la musique dans cette production, qui à certains égards est l’aspect le plus remarquable de l'œuvre. Niché au centre du décor se trouve un piano, un ensemble de percussions et de l'espace pour un violoniste et un joueur d'accordéon. Benji Bower et quelques autres musiciens offrent un mélange subtil de jazz, de folk et de minimalisme espiègle qui ajoute habilement à l'atmosphère et au rythme de l'ensemble. Plus précisément, ils accompagnent Melanie Marshall, habillée d'une remarquable robe écarlate et se promenant à travers l'action. Sa voix somptueuse nous conduit à travers plusieurs chansons, familières et moins connues, jusqu'à ce qu'elle soit progressivement révélée être Bertha Mason elle-même.

C'est un vrai coup de théâtre de donner à Bertha une voix à part entière, alors qu'elle est souvent simplement représentée comme la folle inarticulée dans le grenier. Bien que ce ne soit pas le personnage tel qu'envisagé dans le célèbre préquel de Jean Rhys, La Prisonnière des Sargasses, c'est néanmoins une interpolation très convaincante dans le drame, et son interprétation de ‘Mad about the Boy’ s'est révélée être un véritable tour de force.

Qu'est-ce qui prive alors cette belle production du mérite d'une étoile finale ? La réponse est simplement que la virtuosité technique interfère parfois avec l'occupation imaginative totale du personnage. Les acteurs sont si concentrés sur l'offre d'un tour de force que certains des points de repos, en particulier pour la création de la chimie romantique entre Jane et Rochester, sont négligés trop rapidement. Nous ressentons l’animation et l’esprit de la connexion entre eux, ainsi que l’attraction sexuelle ; mais même à la fin, il me manquait la romance et la tendresse complètes que ce roman demande vraiment.

Il semble que cela arrive assez souvent au National ces derniers temps que lorsque la compagnie se concentre tellement sur la démonstration de l'ensemble de leurs compétences techniques à leur disposition, ils peuvent passer à côté de ces aspects plus traditionnels de la caractérisation qui ne devraient pas être tenus pour acquis. Nous avons besoin de voir non seulement toute la force du caractère indépendant de Jane et la fantaisie grognonne de Rochester, mais aussi deux personnages irrésistiblement attirés l’un vers l’autre malgré leurs meilleurs efforts pour s'éloigner. Parfois, les acteurs pensent qu’il est juste trop évident de jouer des scènes romantiques d’une manière pleine de cœur et à haute voix. Il ne suffit pas d'impliquer ou d'ajouter de l'ironie ou de le prendre pour acquis – le sentiment doit encore parfois être joué de manière grandiose aux moments culminants. Lorsque le texte original était utilisé en détail, les freins étaient naturellement appliqués et les rythmes de l’auteur réaffirmés – cela devait arriver plus souvent.

C'est une soirée complètement convaincante au théâtre. On ne sent pas le temps passer et on ne peut qu'être impressionné par la manière dont la troupe trouve de nouvelles significations dans un matériau que nous pensons tous connaître à l'envers. C'est une vraie production d'ensemble avec une place pour que les individus brillent et que le tout résonne avec quelque chose de plus grand que leurs contributions individuelles aussi. Cela a énormément impressionné, m'a souvent fait rire, mais dans la deuxième moitié m'a rarement touché comme cela aurait dû.

Jane Eyre se joue au Théâtre National jusqu'au 10 janvier 2016.