CRITIQUE : Into The Woods - Le Film. Sorti le 9 janvier 2015

Into The Woods : Le Film

Réalisé par Rob Marshall

Sortie le 9 janvier 2015

Comment va cette vieille chanson ? "Si tu vas dans les bois aujourd'hui, tu es sûr de grandes surprises..." Jamais des mots n'ont été aussi vrais si l'on va voir le film de Rob Marshall de la comédie musicale de 1987 de Stephen Sondheim et James Lapine, Into The Woods. La version cinématographique est pleine de surprises.

La première surprise est la beauté absolue des orchestrations de la musique de Sondheim. Elles sont simplement magnifiques - et il y a des surprises dans la musique d'accompagnement si vous écoutez attentivement. Des bribes de mélodies d'autres comédies musicales de Sondheim constituent un contrepoint éloquent et humoristique à l'action.

La deuxième surprise est la façon dont le royaume et la réalité des Bois sont réalisés. À la fois beaux et enchevêtrés, étendus et spécifiques, c'est un pays de contes de fées qui est à la fois totalement crédible et complètement magique - sentiers, arbres, ruisseaux, tours, tombes, pistes, fleurs, champs, châteaux, broussailles, montagnes, collines, rochers, rivières, marécages, chutes d'eau, buissons et champs, tous magnifiquement et évocativement éclairés, envoûtants et tentants.

La troisième surprise est la manière excellente dont la magie est réalisée. Pas vraiment une surprise, je suppose, car le cinéma peut toujours surpasser la scène - mais ici il y a une merveilleuse illusion : les apparitions et disparitions sauvages et explosifs de la Sorcière, l'évocation de la robe de Cendrillon, le pied-de-haricot, la résurrection de Milky White, la lune bleue, le dénouement remarquable de Last Midnight. La magie est magnifiquement et irrésistiblement réalisée.

La quatrième surprise englobe les changements de l'intrigue, des personnages et de la partition. Ils sont nombreux, dans certains cas étonnants. Si vous connaissez la comédie musicale, vous risquez d'être perplexe au mieux, horrifié au pire.

Cependant, il s'agit d'une adaptation cinématographique - elle ne cherche pas à recréer la magie de la scène. Elle crée la sienne. Les scènes de Raiponce, par exemple, n'ont jamais été meilleures que ce qu'elles offrent ici ; de même, la rencontre des deux Princes frères, qui culmine dans le délicieux "Agony", n'a jamais pu atteindre les sommets atteints ici, du moins en termes de beauté physique des environs - clairières forestières, ruisseau/chute d'eau de montagne bouillonnant, point de vue rocheux d'où le royaume peut être observé. Tous les changements ne sont pas bienvenus. Troncature du récit et de la partition amène ses propres conséquences. Il y a un étrange manque d'urgence dans la première moitié ; personne n'est particulièrement désespéré d'accomplir son souhait, sauf la Sorcière. Cendrillon semble incertaine vis-à-vis du Prince dès le départ, ce qui atténue la joie que l'on devrait ressentir lorsqu'elle l'épouse. La célébration jubilante qui se produit normalement à la fin de l'Acte Un, ce moment glorieux de plaisir sans retenue alors que chaque personnage majeur voit son souhait exaucé et se réjouit à la perspective de "Ever After", est pratiquement absente, donc le véritable point culminant n'est jamais atteint.

Ce qui rend la descente vers la tristesse et la misère - et la vérité - moins efficace qu'elle ne devrait l'être. Sans vraie célébration, le regret et le chagrin n'ont pas la même morsure.

Il y a une sérieuse critique de ce film : il cherche à simplifier les complexités présentes dans les paroles de Sondheim et le livre de Lapine. Éliminer No More et la reprise d'Agony modifie fondamentalement la dynamique. En omettant de petits moments de réflexion musicale, tels que l'adieu de Jack à Milky White ou les Premiers et Deuxièmes Minuits, on dépouille certaines des subtilités, des aperçus des personnages, qui rendent Into The Woods si gratifiant.

No More est le point culminant émotionnel et narratif de la comédie musicale. C'est le moment où le Boulanger fait face et accepte son passé, son présent et son avenir ; le moment où il fait enfin un choix, un choix pour survivre, combattre, protéger son enfant. Pour arrêter de se complaire dans sa misère. C'est son moment dans les Bois, et tout comme celui de sa femme avant lui, il affecte tous les autres acteurs clés.

Ici, la notion de la chanson est réduite à quelques répliques, James Corden pleurant comme un bébé morse abandonné, et l'apparition inexpliquée de Simon Russell Beale en tant que père absent ou mort (ou les deux) du Boulanger. C'est un très pauvre substitut à l'une des chansons les plus remarquables de Sondheim.

Mais peut-être était-ce le moindre de deux maux. Certes, rien dans le chant de James Corden ne vous laisse désirer plus. Il met le "ord" dans tout ici, pas seulement son nom, du début à la fin. Et bien qu'il y ait une raison narrative solide pour lui de fonctionner en tant que narrateur de l'histoire globale, sa prestation est si mortelle qu'elle rend la narration inutile. C'est une performance terne, prétentieuse et pleine de

opportunités ratées. Il chante It Takes Two comme si les paroles étaient I Am The One.

Cela est rendu d'autant plus troublant car la Femme du Boulanger d'Emily Blunt est un pur régal à tous égards. Subtile et assurée, Blunt navigue parfaitement à travers les nombreuses émotions et désirs qui définissent le personnage ; elle est le cœur solide du film. Vous souhaitez qu'elle ait un enfant, vous souhaitez qu'elle ait le Prince, vous souhaitez qu'elle ait son "Et" ; elle vous emmène sans effort dans son voyage. Son Moments In The Woods est vraiment délicieux.

Anna Kendrick est une Cendrillon merveilleuse, un équilibre précis entre personnage de conte de fées et être humain réel. Ses scènes avec Blunt sont merveilleuses et, pour moi, en tout cas, Steps of the Palace est le point fort du film. Kendrick chante avec une précision magnifique, chaque note et chaque mot étant soigneusement attentionnés. Elle est incroyablement séduisante sous tous les aspects et son échange final avec le Prince de Chris Pine est magnifiquement sombre.

Pine est tout à fait sensationnel ; l'incarnation complète du prince Disney unidimensionnel et joli ; tout en balancement et boucle et dents éclatantes. C'était une erreur de ne pas lui avoir donné une apparence lisse ; son visage ébouriffé fait que son détournement du chemin semble prévisible. Mais, en vérité, il est formidable et se moque joyeusement de lui-même sans pitié, et avec un grand effet comique, dans Agony.

Billy Magnussen lui correspond et peut-être fait plus à partir de moins en tant que Prince de Raiponce, le petit frère de Pine. Leur rivalité fraternelle est habilement et humoristiquement établie et Magnussen opte pour le Prince bien droit, parfaitement formé, voisin, bien que vêtu de pantalons en cuir serrés et ayant un bon penchant pour la comédie maladroite. Tout est parfaitement jugé, et ses scènes avec Raiponce brillent de chaleur et de véritable amour. Son soin de ses yeux est vraiment magique.

Le film donne une plus grande portée à Raiponce, et Mackenzie Mauzy saisit l'opportunité avec tous ses cheveux. Elle chante divinement, établit son amour pour son Prince en un instant de temps à l'écran et réalise un travail magnifiquement détaillé dans ses scènes avec sa mère, la Sorcière de Meryl Streep. Stay With Me devient un duo étonnant, bien que Mauzy soit principalement silencieuse. Mais elle donne beaucoup de matière à Streep, et le résultat est profondément touchant. Streep est, tout au long, fascinante. Elle ne manque aucuns tours, trouve chaque nuance et possibilité dans le texte, et crée une Sorcière désolée, accablée de douleur et déterminée à obtenir ce qui compte pour elle. Ses arrivées et départs en tourbillons sont glorieuses et elle sait comment vendre une chanson, trouver de nouveaux trucs dans des airs que vous pensez vraiment connaître. Elle est drôle, séduisante et franche. Last Midnight est aussi bon que je l'ai jamais vu se produire, palpitant et exaltant.

Tracey Ullmann est une Mère de Jack mémorable et assez spécifiquement perspicace. J'ai aimé son approche de bon sens à tout, son mépris pour Milky White et sa peur désespérée de la pauvreté puis l'adaptation à la richesse. Son sens de la grandeur risible contrastait bien avec son pragmatisme initial. Ses derniers instants étaient très touchants.

Joanna Riding est parfaite en tant que fantôme de la mère de Cendrillon (chant gracieux, éthéré), Annette Crosbie incarne bien la Grand-mère et la merveilleuse Frances de la Tour rend la Femme du Géant touchante mais meurtrière.

Je n'ai pas aimé ni Jack ni le Petit Chaperon Rouge; de vrais jeunes ne peuvent pas trouver les profondeurs que ces personnages ont. Johnny Depp a proposé une version fraîche du Loup, mais beaucoup ont été perdus à cause de la jeunesse de Red et de l'échec de doubler le rôle de Loup et de Prince. Étonnamment, Christine Baranski, Tammy Blanchard et Lucy Punch ne sont pas aussi efficaces que la famille horrible de Cendrillon comme elles devraient l'être ; en partie, c'est la conception de leur apparence mais ce n'est pas seulement cela. Opportunités manquées.

En permettant des gros plans sévères et des vues multi-perspectives des scènes, le film permettra toujours à la distribution de choisir l'option "moins est plus", généralement avec grand effet. D'autres ont pu créer de meilleures caractérisations de chanter en direct sur scène, mais cela ne diminue pas l'essentiel du travail ici.

Non. Le problème ici, à part l'erreur spectaculaire de casting de Corden, est que pas assez de la comédie musicale de la scène est traduit à l'écran. Le film n'est ni une version de la pièce de théâtre ni sa propre création spéciale - c'est une voie intermédiaire ; ni dégénérée ni gagnante. Ce n'est pas un conte de fées simple ni une analyse complexe des différences entre souhaiter, vouloir et avoir. Et à cause de cela, il perd légèrement son chemin après l'arrivée de la Femme du Géant dans le royaume. Mais pas fatalement.

Le fait est que Sondheim, comme toujours, était en avance sur ce jeu particulier. Il a fait chanter la Femme du Boulanger :

"Just remembering you've had an "and" When you're back to "or" Makes the "or" mean more Than it did before. Now I understand" Ce film crée un "Et". Il est parfaitement possible d'apprécier à la fois le film et le spectacle de scène ; mais, selon moi, le film prouve magnifiquement que le spectacle de scène signifie plus qu'il ne le faisait avant le film. Into The Woods est une œuvre maîtresse ; le film de Rob Marshall vous fait voir cela clairement.

Ne le manquez pas. Mais soyez prudent avec vos souhaits...