CRITIQUE : Hôtel pour criminels, New Wimbledon Studio ✭✭✭✭✭

Hôtel pour criminels

New Wimbledon Studio

20 octobre 2016

5 étoiles

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Dès le premier instant, en montant les escaliers du New Wimbledon Studio et en étant assailli par l'« ouverture » ambiante assourdissante - cela ressemble à un mélange de Varese et Xenakis, mais c'est en fait le « son » créé par le mouvement de la planétoïde Pluton - répété encore et encore, le but évident de ce prétendu « musical » semble être d'intimider et de menacer. Eh bien, puisque Stephen Sondheim dit que le « but » de « Sweeney Todd » est d'effrayer les gens et qu'il n'a pas d'autre objectif que celui-là, alors cela semble être un objectif aussi bon que tout autre. Alors vous prenez votre programme - un véritable Playbill - et entrez dans le Studio. Là, le flot agressif et tumultueux de musique est plus insistant que jamais, et tout l'espace, éclairé d'une lumière blanche crue, attaque votre sens visuel avec son design éblouissant rectiligne en noir et blanc. En ajoutant au sentiment de confrontation et de menace, une barrière d'urgence sépare la scène des sièges, et au-dessus est suspendu un triptyque de panneaux en Perspex, sur lesquels sont griffonnées les paroles du titre du spectacle. Les mêmes griffonnages grossièrement agrandis ornent le fond et les côtés de l'espace de représentation. Un air de solennité brutale règne. Un personnage étrangement vêtu, presque momifié, est déjà sur scène, griffonnant aveuglément dans un carnet. Puis, un par un, des personnages en costumes de la fin de la belle époque apparaissent, comme des automates, et se balancent dans des mouvements étranges et sans but, ou adoptent des poses maladroites et gênantes, leurs visages cachés derrière des masques en plastique brillant, ou peints d'un maquillage plat et grotesque. Nous semblons avoir trébuché dans un cirque nihiliste. Et c'est, mes chers lecteurs, ce qui nous attend.

Une fois le public assemblé (je ne pense pas que « installé » serait le bon mot, dans cette atmosphère profondément étrange et déconcertante), les lumières s'éteignent (comme elles le feront tout au long du spectacle, à maintes reprises, à la même vitesse, comme les premiers « fondus » du cinéma muet). Puis, alors que les mélismes orchestraux modernistes tonitruants se dissipent pour la dernière fois, une affreuse sirène retentit, puis nous entendons une voix humaine, mais peu rassurante : c'est le narrateur, et nous l'entendrons, lui et la sirène, encore. Et encore. Il nous dit, sur un ton lugubre, presque salacement persistant, que ce que nous allons voir est basé sur une série d'histoires policières filmées populaires situées dans le Paris d'avant la Grande Guerre, mettant en scène l'extraordinaire Inspecteur Judex (celui qui prétend apparaître vêtu d'un costume de plumes noires, avec la tête et le bec effrayant d'un oiseau, et est un dispensateur inflexible de justice à tous les méchants - rapide et inébranlable). Ce personnage et plusieurs autres dans ce spectacle sont connus des publics britanniques - si tant est - grâce aux refontes sonores et en couleurs réalisées dans les années 1960 : "Judex" et "Fantomas".

Les 75 minutes suivantes nous emmènent à travers une aventure particulière, dépeinte par une succession (plutôt qu'une séquence) de scènes non fluidement intégrées, certaines brèves comme des haïkus, d'autres plus élaborées, où les personnages grotesques de ce monde - tous plus ou moins invités ou membres du personnel de l'hôtel éponyme - avancent maladroitement à travers les rudiments d'une « intrigue » impliquant apparemment le piège des innocents par une bande de voyous. Cependant, la livraison lucide de la narration n'est pas du tout ce que ce style de théâtre est censé être. Wanderlust Productions, qui se construit un public dévoué et passionnément engagé avec leurs présentations extrêmement divergentes et intellectuellement rigoureuses (ils ont été vus pour la dernière fois à cette adresse défendant une vision de Tchekhov comme un écrivain de comédies des années 1970), n'invite pas à écouter la narration d'un conte. À mesure que chaque scène abrupte se fige en un « tableau » mélodramatique, et qu'à chaque fondue lente laisse le noir nous avaler, cette sirène hurle à nouveau dans l'obscurité qui suit, et nous passons à l'installation suivante. (Fiona Mountford va adorer ça!)

Richard Foreman, l'Américain, est le créateur dramatique de cette œuvre : il écrit le livret, et compose les paroles pour la palette musicale stylistiquement instable de la partition moderniste cosmopolite de Stanley Silverman; ensemble, ils fabriquent une douzaine de numéros qui admonestent le terrain narratif de ces personnages simplistes. Leur partition est unique en son genre en ce moment, sauf – à noter – pour « Adding Machine » au Finborough. Musique et paroles proviennent de l'avant-garde, de l'art « sérieux » et pourtant populiste des intellectuels de la Rive gauche, des salons progressistes, des bohèmes sophistiqués et des séditieux artistiques. Ce n'est pas exactement le « West End », mais la musique est immense plus mélodieuse et mémorable que la grande majorité des partitions actuellement entendues dans la scène commerciale. Dans des styles qui sautent, gambadent et sautillent de Satie, à Lully, en passant par Offenbach et Chabrier, en hochant vers les catalogues de Mistinguett et Piaf, en attirant Auric, Weill, Stravinsky, Honegger, et bien d'autres ; avec des marches, des pas simples et doubles, des galops et des chœurs baroques. Mais toujours avec une économie disciplinée et une légèreté de toucher. L'orchestre, dirigé par Kieran Stallard, comprend Nathan Harding, Caroline Scott, Becky Hughes, Connor Smith, Nic Jones, et joue avec un soin méticuleux cette offre jamais simpliste.

Stanley Silverman est venu des États-Unis pour gracier la soirée de presse – la première britannique de l'œuvre. À 78 ans, il coupe une figure élégante et patricienne : grand, avec de beaux cheveux gris, des traits aquilins, et un détachement intellectuel astucieux de tout ce qui l'entoure. Son CV inclut une collaboration avec Anthony Burgess, Arthur Penn, Mike Nichols, et l'écriture de la musique pour le seul musical d'Arthur Miller, « Up From Paradise » (mis en scène par cette compagnie il n'y a pas si longtemps), dont les autres premières incluent le récemment produit « Dr Selavy’s Magic Theater ». Il a eu des œuvres interprétées par Pierre Boulez et Michael Tilson Thomas, James Taylor et Sting, et a également travaillé avec Paul Simon, Joseph Papp et bien d'autres. Qu'un tel poids lourd voit son œuvre mise en valeur par une si petite compagnie (encore petite) dans un studio de la scène alternative en dit long sur lui et beaucoup sur le lieu et ses visiteurs.

La distribution de Wanderlust est à la hauteur de tous les défis « compliqués » de l'œuvre, naviguant à travers ses rebondissements surprenants avec un aplomb insouciant : le Niccolo Curradi à la voix riche en tant que manipulateur Fantomas; la formidable arrivée des USA de Kate Baxter comme la femme fatale par excellence, la vampiress Irma Vep (quand elle n'est pas incognito en tant que femme de chambre française), avec une capacité vocale spectaculaire; le ténor lyrique à la voix d'argent, Alistair Frederick (avec le registre supérieur stratosphérique), comme le journaliste potentiellement ou non emprisonné, Max; la soprano colorature vivement agitée Madelaine Jennings en tant que pas aussi innocente qu'elle se peint elle-même Hélène; et les sbires de Ben Rawlings (Julot), Nick Brittain (Gaston), Louis Rayneau (Duchamp), et le merveilleusement grand guignol Tom Whalley (Lacloche). Mais qui est Judex? Le Playbill est noirci là où apparaissent ses détails! Son mystère persiste.

Ce que nous ne savons pas, c'est que cette histoire n'est que le premier acte d'un récit beaucoup plus grand, où Fantomas et Irma Vep poursuivent leur campagne de justice sommaire, poursuivis par l'intrépide - et étrangement indestructible - Judex. La suite emmène l'action vers les Amériques, élargissant sa portée et nécessitant des ressources plus importantes pour la mise en scène. Espérons que nous n'aurons pas trop longtemps à attendre avant de le voir.

Il y a une équipe de production manifestement capable, composée du producteur adjoint, Caroline Fox, de l'assistant casting, Rob Cook, et de l'assistant production, Robert Wainman. Mais le héros de l'heure ici est sûrement l'inlassablement énergique, décisif, dévoué et follement imaginatif Patrick Kennedy. Producteur, metteur en scène, designer, chorégraphe (et je parie aussi concepteur lumière et son), cet homme peut - et fait - pratiquement tout. Nous lui devons une énorme gratitude - et admiration - qu'à son temps libre de sa carrière responsable chez Dewynter’s, il consacre ses efforts à rassembler et à mettre sur notre scène londonienne un travail d'une telle originalité, fraîcheur et charme bizarre comme celui-ci. Qui le prendra et lui donnera un budget plus important et plus de publicité? Il le mérite amplement.

La pièce est en salle jusqu'au 29 octobre 2016

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