CRITIQUE : Le choix de Horniman, Theatre Finborough ✭✭✭✭

Le Choix de Horniman

Théâtre Finborough

28/09/15

4 Étoiles

Acheter des billets Le Finborough est un petit espace mais il offre un vrai coup de poing lorsque le matériel est bon et que les acteurs sont dans le rythme. C'est certainement le cas avec Le Choix de Horniman, le dernier d'une saison distinguée de pièces qui font référence au centenaire de la Grande Guerre. En effet, j'irais jusqu'à dire qu'aucun théâtre londonien n'a offert un programme aussi récompensant sur ce vaste thème au cours des dernières années. Je souhaite seulement avoir pu en voir davantage.

Le choix et la personne qui choisit dans le titre ne sont pas le marchand de thé londonien qui a donné son nom à un musée atypique dans le sud-est de Londres mais qui désapprouvait complètement le théâtre. C'est plutôt Annie Horniman, sa fille, surnommée 'Hornibags', qui a consacré son énergie et sa fortune héritée à fonder et à parrainer des théâtres en Angleterre et en Irlande. L'une des nombreuses femmes dominantes et multi-talents à agir comme muse pour W.B.Yeats, elle est probablement mieux connue pour avoir fondé et financé l'Abbey Theatre à Dublin. Pourtant, on pourrait dire que son financement du Gaiety Theatre à Manchester avant et pendant la Première Guerre mondiale était tout aussi influent à l'époque. Elle a fourni non seulement un lieu mais une maison spécifique pour les dramaturges locaux qui voulaient écrire non pas 'sur les comtesses et les duchesses et la société existant dans les imaginations, mais sur leurs amis et ennemis – sur la vie réelle'. Pas de Downton Abbey pour elle, plutôt les pièces de Harold Brighouse, Stanley Houghton et Allan Monkhouse – généralement connues sous le nom de 'École de Manchester'.

Il y a quatre pièces de longueur à peu près égale au programme. Bien qu'il y ait quelques moments grinçants et mélodramatiques, aucune d'entre elles n'est sans intérêt, et deux sont de véritables réussites impressionnantes. C'est un rare plaisir d'entendre l'accent traditionnel du Lancashire et les formes dialectales maintenues si bien tout au long de la soirée, et le fait que le même décor convienne à toutes ne compte pas quand ce sont les échanges et le développement du caractère qui comptent. Dans tous les cas, les intérieurs de classe ouvrière ou de classe moyenne inférieure ne nécessitent pas de différenciation somptueuse. La réalisatrice Anna Marsland fait bien avancer les choses et montre un véritable respect pour le matériel, permettant aux histoires d'émerger naturellement sans aucun soupçon de caricature ou d'exagération d'alarmiste. On peut en dire autant des performances bien modulées et soigneusement jugées de l'ensemble des acteurs.

Nous connaissons Harold Brighouse surtout pour cet ancien chevron Hobson's Choice (1916), qui continue de trouver de nouveaux interprètes jusqu'à aujourd'hui. Il est représenté ici par deux pièces, The Price of Coal et Lonesome Like, qui démontrent toutes deux son habileté à prendre les faits austères de la vie de la classe ouvrière et à créer des personnages avec l'esprit et l'éclat pour se battre contre la dure main qui leur est distribuée.

La première est la plus prévisible des deux. Elle se déroule en 1909 et s'appuie sur un double suspense. Mary Bradshaw (Hannah Edwards) va-t-elle accepter la proposition de son parent mineur Jack Tyldesley (Lewis Maiella) Et va-t-il revenir du tout étant donné les prémonitions de catastrophe minière rêvées et décrites par sa mère Ellen (Ursula Mohan)? Mais dans ce cadre sur-enginé, il y a une discussion et une réflexion assez adorables sur les coûts humains du charbon, surtout pour les femmes qui doivent attendre impuissantes chez elles en essayant de joindre les deux bouts, même lorsqu'un accident se produit et que leur désir naturel est de se précipiter au puits. Un bel équilibre est trouvé entre les dommages physiques faits aux hommes et le traumatisme psychologique des femmes, alors qu'il n'y a aucun indice d'un discours politique facile contre le besoin contemporain d'extraire du charbon lui-même. Nous sommes justement, en tant que public, laissés à peser les enjeux dans la balance pour nous-mêmes.

Cependant, la seconde pièce, qui est utilisée pour clôturer la soirée, est une œuvre charmante et même assez audacieuse. Également située juste avant la guerre, elle se concentre sur les années déclinantes de Sarah Ormerod (encore jouée par Mohan) qui a perdu l'usage de ses mains et ne peut plus travailler dans l'usine. Sans véritable État providence dont parler, quelle option a-t-elle sinon l'humiliation de l'asile? Quelle justice y a-t-il pour ceux qui ont payé leurs contributions, mené une vie discrète, et ont maintenant besoin d'aide?

Dans d'autres mains cela pourrait être un conte sentimal, mais la force de l'écriture et du jeu produit un résultat nettement plus fin. Encore une fois, nous sommes laissés à réfléchir de manière non dogmatique sur ce qui devrait arriver aux personnes âgées et handicapées qui ont fidèlement travaillé toute leur vie. L'interprétation riche et nuancée de Mohan a une grande dignité et éloquence émotionnelle. La douleur de Sarah à quitter sa maison et ses maigres possessions restantes est contrebalancée par son humour sec face à son sort et sa générosité envers les autres, quand elle a si peu à donner. Cela contraste puissamment avec la mesquinerie auto-justificative du curé local (Graham O'Mara), et sa jeune voisine (Hannah Edwards encore) agit comme notre conscience, enregistrant notre consternation face à ce qui se passe. Quand il y a un rebondissement mélodramatique à la fin, nous sommes prêts à l'accepter cette fois-ci parce qu'il est pleinement mérité par ce qui a précédé, et parce qu'il prend une forme socialement audacieuse qui défie en soi les présuppositions de l'époque.

La pièce la plus faible est The Old Testament and the New de Houghton, peut-être parce que ses arguments et hypothèses sont maintenant assez éloignés de notre époque et la qualité de l'écriture elle-même ne peut la sauver d'un degré d'invraisemblance. L'action se concentre sur un fervent adepte de la chapelle qui ne pardonne pas à sa fille de s'être enfuie à Londres avec un homme marié. Alors que son épouse est bien plus tolérante et que l'homme qui devait être son gendre a également pratiqué une tromperie sur lui, il est désespérément en conflit face au retour de sa fille, et ne peut la voir libérée d'une prison conceptuelle traditionnelle de péché et de damnation. Malgré la puissance de la performance de James Holmes en tant que patriarche irréductible et l'hystérie soigneusement calibrée et enfermée de Jemma Churchill en tant qu'épouse, le cadre échoue à convaincre. Cependant, la pièce la plus intrigante de toutes était le drame de Monkhouse Night Watches, la seule pièce qui embrasse explicitement la Grande Guerre elle-même, plutôt que sa période générale. Nous avons récemment vu d'autres exemples de son travail produits au Théâtre Orange Tree, et sur cette preuve nous avons besoin de voir davantage de cette œuvre. L'action se déplace vers un autre type d'intérieur - un hôpital de la Croix-Rouge où un agent (James Holmes) est en service de nuit – une salle est calme mais deux patients séparés des autres deviennent perturbateurs, avec l'un menacé par le statut apparent sourd-muet de l'autre (induit par le traumatisme de la tranchée). L'action est magnifiquement résolue avec une panache tragi-comique qui anticipe étrangement Beckett dans la souplesse, la souplesse et le ton glissant de l'écriture. Holmes et les deux soldats (Maiella et O'Mara encore) tirent le meilleur parti de quelques belles opportunités.

Tout bien considéré, il s'agit d'une reprise très digne de soutien. Votre récompense sera d'excellents jeux d'ensemble et des écrits négligés que vous pouvez explorer à nouveau à loisir dans les textes généreusement fournis dans le programme.

Le Choix de Horniman se joue au Finborough Theatre jusqu'au 13 octobre 2015