CRITIQUE : Henry V, Temple Church ✭✭✭✭

Andrew Hodges et Greddie Stewart. Photo : Scott Rylander Henry V

Temple Church

24/08/15

J'imagine que la plupart des spectateurs de théâtre gardent un souvenir clair de la première fois qu'ils ont assisté à une production de Henry V. Chaque fois que j'entends un acteur déclamer ‘O for a muse of fire!’, je suis immédiatement transporté à ce moment d'enfance captivant lorsque j'ai vu pour la première fois le film d'Olivier... le plan panoramique à travers le Londres Tudor, la musique vive de pastiche chevaleresque de Walton, et la première vue de l’‘O en bois’. Pour d’autres, cela peut être la version cinématographique plus boueuse mais toujours héroïque de Kenneth Branagh, ou la production anti-guerre de Hytner-Lester d'il y a une décennie ou plus. Peu d'entre nous peuvent aborder cette pièce sans tout un ensemble de préconceptions, et courageux est le metteur en scène qui entreprend de trouver un moyen de dire quelque chose de nouveau sur cette pièce que nous pensons tous connaître très bien. Pourtant, c'est ce qu'Antic Disposition et les metteurs en scène Ben Horslen et John Risebero ont réussi à réaliser dans l'une des reprises les plus impressionnantes d'une pièce de Shakespeare que j'ai vues ces dernières années. Ils le font avant tout en reconnaissant et en accommodant à leur vision les ambiguïtés qui se trouvent au cœur de la pièce de sorte qu'elle n’est ni une célébration simpliste ni une répudiation de la guerre, mais une reconnaissance que la guerre fait inextricablement partie de la condition humaine. Il est crucial pour la générosité d'esprit de Shakespeare que la pièce embrasse la fascination et l'attraction de la haute politique tout en montrant également les conséquences de ces décisions pour l'homme et la femme du commun autant que pour le roi – la pompe et la pitié, la fine ligne de peur entre l'échec et le triomphe, la survie ou la mort.

Andrew Hodges, Alex Hooper, Freddie Stewartet James Murfitt. Photo : Scott Rylander

Le cadre de la Temple Church ne pourrait être plus propice dans ses couches résonnantes d'histoire anglaise. Aux côtés des tombes des chevaliers templiers et des barons qui ont imposé la Magna Carta, la scène est installée en traverse entre les bancs de l'église. Sur une plateforme surélevée ouverte à chaque extrémité sont placées une dispersion de boîtes de munitions et de fournitures médicales. Deux soldats entrent en portant des uniformes de la Première Guerre mondiale, l'un français et l'autre anglais. Puis une infirmière française. Des luttes de communication familières s'ensuivent, se terminant par le soldat anglais donnant à son homologue français une copie de la pièce de Shakespeare. Nous sommes dans un hôpital de campagne allié à Azincourt derrière les lignes, et les deux contingents acceptent de monter une représentation pour passer le temps. Mais avant que nous atteignions le prologue, un accordéon et un piano introduisent la mise en musique par George Butterworth du poème d'A.E Housman ‘The lads in their hundreds’, et en plus de la rhétorique inspirée de Shakespeare, nous avons aussi une autre couche résonnante de regret chevaleresque, écrite juste avant la Première Guerre mondiale. Cela était si approprié de tant de manières, dramatique, esthétique et historique, que cela m'a donné le même sursaut d'expérience intellectuelle que je me souviens du film d'Olivier il y a toutes ces années. Je ne peux faire de plus grand compliment à la gestion de la séquence d'ouverture.

Et ensuite nous étions dans la pièce elle-même, mais avant de discuter des qualités de la production, il est important de souligner que le contexte de la Première Guerre mondiale reste toujours comme point de référence. D'autres mises en musique de Housman, utilisant le style musical de l'ère édouardienne, interrompent l'action pour distiller l'émotion à des points clés et l'expérience de conflit récent s'insinue de manière touchante et appropriée dans la performance à des moments significatifs – comme le moment où Bardolph est exécuté pour pillage et l'acteur jouant le rôle s'effondre en pleurs. Il est très rare qu'une compagnie intègre aussi complètement un nouveau concept dans une pièce de Shakespeare – trop souvent c'est simplement gestuel – mais ici le niveau d'attention aux détails est extrêmement impressionnant et imaginatif tout en s'harmonisant confortablement avec l'esprit de l'original.

Comme c'est habituel avec cette compagnie, le niveau de performance individuelle et d'ensemble est uniformément élevé. Les transitions entre les scènes sont très bien gérées et même si l'espace est limité, les metteurs en scène l'ont utilisé de manière très flexible et avec un usage minimal mais imaginatif des accessoires (par exemple une boîte de pansements pour des balles de tennis, des boîtes à gâteaux pour des couronnes, etc..). Je me demandais comment ils allaient gérer la grande scène de bataille elle-même mais là encore le décor encadrant a apporté la solution sous la forme d'un barrage d'artillerie soudain hors scène, une autre chanson de Housman et un appel de clairon.. le moment fut capturé et enregistré sans avoir besoin d'être montré.

Freddie Stewart et Louise Templeton. Photo : Scott Rylander

Les limites d'une critique m'empêchent de rendre justice à toute la gamme de belles performances offertes ici, plusieurs acteurs assumant plusieurs rôles. Il suffit de dire que tant les scènes politiques que comiques ont été réussies de manière égale, ce qui n'est pas toujours le cas par tous les moyens dans cette pièce. Les joutes nationalistes parmi les soldats non plus n'ont pas lassé, comme cela arrive parfois. Le texte était bien projeté et renforcé par beaucoup de fluidité dans les mouvements sur scène, surtout dans les scènes de la veille de la bataille où la camaraderie masculine et la nervosité plaisantée de l'original et des contextes modernes s'entremêlent particulièrement bien.

C'était un réel plaisir d'avoir de véritables francophones jouant les rôles royaux français pour changer : il y avait un contrepoids politique crédible et plausible aux forces anglaises, et la rivalité entre le Dauphin et le Connétable a été projetée d'une manière qui ne se produit normalement pas. Floriane Andersen en Katherine jouait délicieusement avec les jeux linguistiques que Shakespeare lui impose, et était plus qu’un match pour Henry V de Freddie Stewart dans leur scène de cour.

La performance de Stewart possédait de nombreuses qualités nécessaires pour réussir ce rôle. Il était naturellement autoritaire dans les scènes politiques et publiques, et dans la scène de cour combinait flirt, humour et maladresse de manière égale et délicieuse – il a le ‘touché sucré’ c'est certain. Dans la querelle incognito avec Williams (Alex Hooper), cruciale pour toute production de cette pièce, il contrôlait le ton avec assurance et devant les troupes distribuait de manière crédible plus qu’‘un petit détail de Harry dans la nuit.’

Cependant, j’ai une réserve quant à sa gestion des célèbres monologues, une réserve qui s'étend plus largement à la façon dont les pièces de bravoure shakespeariennes sont généralement livrées à l'heure actuelle. Si le naturalisme sur scène peut vous mener loin, il ne fonctionne pas dans ces pièces de rhétorique très travaillées, qui sont des cristallisations explicites d'émotions particulières, non pas des descriptions de celles-ci. Une approche naturaliste devient criarde et monotone et pas captivante de façon significative. L'acteur doit vraiment interpréter et façonner ces discours stylisés comme s'ils étaient des pièces musicales où vous attirez le public dans votre confiance. Bien que je puisse comprendre la réticence des jeunes acteurs à adopter la voix consciemment ‘belle’ à la manière d’Olivier et Gielgud, cela peut toujours être fait sans jouer faux avec le reste de sa caractérisation. Les acteurs plus âgés de la compagnie – par exemple Geoffrey Towers (Exeter) et Louise Templeton (Mistress Quickly) ont montré la voie, et en particulier l'évocation par Templeton de la mort de Falstaff a été réalisée avec habileté et émotion simplement en suivant et non en forçant le rythme naturel du texte. Parfois, comme l'a dit Jonathan Bate, ‘La clé de l'art dramatique est l'insincérité.’ L'artifice peut être transformé en art, et le public habitera volontiers cet espace spécial dans le moment avec vous….

Ce n'est qu'une petite réserve dans ce qui est une soirée théâtrale totalement captivante qui a fait réfléchir à nouveau tant d'entre nous dans le public sur cette pièce apparemment la plus familière. J'espère vraiment qu'ils auront l'opportunité ici ou ailleurs de reprendre cette belle recréation d'une des plus grandes réussites de Shakespeare. Alors que le cast défilait en formation dans les profondeurs sombres de la Temple Church vers les chevaliers allongés, on ne pouvait plus les séparer de la longue tradition de chevalerie allant du Conte du Chevalier de Chaucer, à travers les pièces historiques de Shakespeare jusqu’à l’infanterie condamnée de Housman :

‘Ils ramènent brillants au monnayeur la monnaie de l’homme.

Les gars qui mourront dans leur gloire et ne seront jamais vieux.’

Henry V se joue jusqu'au 5 septembre à Temple Church