Critique : Hellscreen, Festival Vault ✭✭✭✭

Hellscreen

Festival des Vaults

4 mars 2015

4 étoiles

Londres est une ville de couches historiques et architecturales, et Vaults 2015 a, au cours des trois dernières semaines, utilisé de manière vivante une fois de plus l'un des meilleurs lieux cachés pour le théâtre au centre-ville – le labyrinthe d'arches et de tunnels sous la gare de Waterloo. C'est un moment dramatique, 'Alice-au-pays-des-merveilles-en-ville-de-Gotham', en soi quand vous descendez un escalier anonyme pour vous retrouver dans un tunnel victorien couvert de graffitis, avec des imitateurs de Banksy travaillant dur pour superposer l'œuvre du jour précédent; avant de plonger dans ce qui semble être un trou dans le mur, mais qui est en fait l'entrée d'un centre animé de performance, exposition et espaces d'accueil flexibles. Pour la représentation de Hellscreen, nous avons été conduits dans une voûte en briques arquée, façonnée et colorée comme un pain d'épices sombre, remplie d'un ensemble d'appareils techniques qui m'ont rappelé l'entrepôt désaffecté sinistre qui apparaît dans The Ipcress File. Nous avons reçu un tabouret chacun du chœur, déjà en train de jouer son personnage pour briser le quatrième mur, et nous nous sommes arrangés autour d'une scène traversante, encadrée par des rideaux de languettes en perspex. Au cours des quatre-vingts minutes suivantes, nous avons été entraînés dans une méditation brûlante sur la fonction sociale et les limites de l'art, les rôles malveillants et bienveillants des mécènes et des critiques, et le potentiel de tous les publics pour un voyeurisme rampant et une acceptation passive de l'intolérable.

Hellscreen prend son point de départ dans une nouvelle japonaise classique d'Akutagawa publiée dès 1918. Dans l'original, un grand peintre est employé par son mécène pour créer un écran dépeignant la vision bouddhiste de l'Enfer. Il découvre qu'il ne peut peindre que ce qu'il n'a pas vécu dans la vie en torturant ses apprentis de manière de plus en plus cruelle. Parallèlement à ce thème se tient une compétition entre le mécène et le peintre pour les affections de la fille bien-aimée du peintre, avant que les deux intrigues ne convergent fatalement, laissant la fille morte dans un dernier acte d'excès artistique, le peintre mettant fin à ses jours, et n'ayant comme seule trace restante l'écran de horreurs complété.

Morgan Lloyd Malcolm et Rachel Parish transfèrent avec succès le noyau thématique et psychologique de l'histoire dans le cadre du monde de l'art moderne et une exploration de son culte de l'excès. Frank Holt (Jonny Woo) est un artiste contemporain qui cherche à choquer mais semble avoir atteint ses limites et perdu son public. Il se replie sur sa relation avec sa fille Amy (Vanessa Schofield), le seul élément de sa vie qui est intact par le cynisme. Cependant, il retourne travailler et obtient un succès nouveau sans précédent après avoir rencontré la collectionneuse et mécène Katherine Bowker (Suzette Llewellyn), qui l'encourage à franchir de nouvelles frontières de l'exploration artistique en reconstituant devant un public une série d'atrocités d'horreur toujours croissante. Ces incidents, réalisés avec une flair improvisée par un chœur d'acteurs, brisent le 'quatrième mur' de manière décisive en nous impliquant dans l'exécution des crimes. Dans l'intervalle, Bowker extrait astucieusement Amy de ces événements pour l'empêcher d'appliquer des contraintes à son père, et la séquestre sur son refuge insulaire pour poursuivre son propre schéma de contemplation artistique. Finalement, Amy retourne auprès de son père, et l'un après l'autre, ils sont impitoyablement entraînés dans une immolation finale et profondément symbolique.

Il est grandement au crédit de l'équipe de production, qui a travaillé sur cette adaptation pendant plusieurs années, d'avoir réussi à aborder de nombreux problèmes importants et légitimement troublants. Certains de ces problèmes concernent l'art lui-même : existe-t-il encore des limites à ce qui compte comme art ? Le mécène est-il une figure noble et habilitée ou une figure égoïste et manipulatrice ? Les artistes sacrifient-ils inévitablement leurs êtres chers pour leur art ? La critique d'art reconnaît-elle désormais une quelconque valeur autre que le sensationnalisme ? Mais les questions les plus déconcertantes concernent la présentation de plus en plus esthétisée de la violence dans les médias et notre exposition à celle-ci. Cela a-t-il encouragé une passivité engourdie et voyeuriste qui mine notre capacité à réagir comme citoyens dans la vie réelle ? Quelle devrait être la réponse appropriée aux représentations de plus en plus étendues de la violence ? Avec des rappels manipulateurs quotidiens de l'ISIS que les limites de l'horreur peuvent en fait être repoussées encore plus loin, et un record diffusé dans le monde entier en un rien de temps, ces questions ne pourraient pas être plus pertinentes.

Il n'est donc pas surprenant que ce soient les scènes basées sur les transcriptions de tribunal de vrais crimes qui frappent le plus fort l'audience, créant certains de ces moments de concentration totalement silencieuse lorsque vous savez que tout le monde est engagé dans l'instant et le cœur du sujet. Mais cela ne devrait en aucun cas nuire à la qualité du jeu d'acteurs et des valeurs de production ailleurs. Woo est très efficace pour projeter une intensité dangereuse et imprévisible en tant qu'artiste troublé, et Schofield crée un centre de valeurs alternatives et de beauté, souvent en utilisant le chant pour un effet émotionnel puissant. Mais peut-être que le jeu le plus intrigant vient de Llewellyn dont les motivations en tant que mécène artistique restent insaisissables derrière une gamme séduisante de charme et de générosité d'esprit qui se transforme également en manipulation opportuniste et en désir de gloire réfléchie. Autour et à l'intérieur de chaque scène courte est enveloppée une gamme inventive de musique, de projection vidéo (sur les rideaux de perspex), d'effets sonores et d'interventions énergiques et fluides par le chœur, dont l'un a également un caméo amusant et bien tourné en tant que critique d'art qui est révélé comme un relativiste vide de croyances fondamentales.

Mon seul commentaire négatif sur ce spectacle excellent est qu'il offre trop de matériel pour le temps disponible. En seulement quatre-vingts minutes, un choix doit être fait entre le développement des personnages dans un flux narratif et les dialogues sur des thèmes abstraits importants, et il n'y a pas vraiment assez de temps pour rendre justice aux deux. On voulait plus de temps pour que les questions soient débattues en détail, et pour que les relations entre les personnages, surtout celles impliquant Amy, soient davantage développées. Parfois, il y avait des informations insuffisantes pour obtenir une vue complète, et surtout vers la fin, la réduction de l'action et des incidents devenait confuse. Une pièce réussie d'idées ne doit pas être aussi longue ni aussi interminable que Man and Superman actuellement joué au National, mais s'il y a une opportunité pour une autre production ailleurs, j'encouragerais une autre lecture du script. La qualité et l'importance des questions soulevées ne méritent pas moins, et le véhicule sélectionné est très approprié pour une version plus longue et plus développée.

Une configuration traversante permet d'observer vos camarades de public en détail et il est un témoignage de la qualité constamment stimulante de ce conte réimaginé que le bavardage cosmopolite insouciant au début ait cédé par la suite à une discussion animée mais sérieuse sur ce que nous avions vu, et surtout à une certaine gêne face aux vérités inconfortables aperçues dans le miroir que l'on nous tendait. Nous étions déconcertés, et à juste titre.