CRITIQUE : Hécube, Théâtre White Bear ✭✭✭

Hécube

White Bear, Kennington

18/07/15

3 étoiles

Euripide reçoit encore souvent un traitement injuste par rapport à ses collègues aînés du grand triumvirat dramatique grec - Eschyle et Sophocle. Et pourtant, de nombreuses manières, ses pièces parlent plus directement et immédiatement à nos sensibilités post-modernes que les explorations complexes, austères et multi-couches des dilemmes de l'individu et de la communauté dans l'Orestie et les pièces thébaines. Sa sélection délibérée d’intrigues légèrement en dehors de l'action principale attire l'attention sur des personnages, souvent féminins, qui sont habituellement marginalisés ou ignorés dans les plus grands drames politiques et militaires. Et son choix de dilemmes ou de situations qui explorent des états d'esprit extrêmes et des choix impossibles semblent plus proches des réalités de nombreuses parties de notre monde moderne que bien des pièces construites du siècle dernier. Bien que nous ne croyions plus littéralement en les Érinyes ou les Furies comme agents réels d'intervention, les tropes dramatiques de la vengeance et de la souffrance injustifiée à des degrés de plus en plus inimaginables sont tristement familiers dans les actualités autant que sur scène. Pour toutes ces raisons, une nouvelle production de Hécube est très bienvenue et ne peut qu’éveiller la réflexion et émouvoir, même lorsque alliée à une relecture parallèle de l'histoire sous une forme moderne qui empiète souvent sur les pieds de l'original.

Euripide commence son récit au moment où les versions conventionnelles se terminent généralement – avec la chute de Troie et le dernier ajustement de comptes entre les vainqueurs grecs et les survivants troyens. L'attention se porte sur la reine Hécube, désormais veuve de Priam, déjà plongée dans le deuil de la perte de la majorité de ses enfants et de la destruction de la ville sur laquelle elle et son mari ont présidé pendant des décennies. Essentiellement, il s'agit de deux histoires en une, toutes deux tournant autour de ses tentatives de plus en plus désespérées pour sauver ses deux derniers enfants, Polyxène et Polydore. Le premier a été requis comme sacrifice humain par les Grecs pour équilibrer le sacrifice d'Iphigénie avant qu'ils ne prennent la mer ; et le second, elle le confie aux soins d'un roi voisin, Polymestor, pour le mettre à l'abri. Inutile de dire que tous ses plans pour les sauver échouent. Les rebondissements de l'intrigue sont en quelque sorte moins importants que les vérités psychologiques que le dramaturge révèle. Il nous rappelle que le vieux cliché selon lequel la souffrance et le chagrin ennoblissent l'âme est un triste et délirant voeu pieux. En fait, ce qui arrive à Hécube - ‘aucun pire n'existe’ - mène à une forme de folie et de désintégration de la personnalité qui rend tous les cadres moraux caducs. Nous sommes laissés à nous demander comment juger quelqu'un qui a dû endurer la perte incompréhensible de tout ce qu'elle chérit, et qui commet ensuite ce que le monde jugerait normalement être des crimes. Les limites et, pour ainsi dire, l'étiquette de la vengeance, ses effets sur la communauté, les victimes et le bourreau, étaient des sujets majeurs pour les Grecs ; et ils le restent tristement dans notre propre monde, d'une manière qui ne nécessite guère de transposition.

Cependant, c'est l'avis de l'équipe créative ici, l'écrivain Chris Vlachopoulos et le metteur en scène Justin Murray, que Hécube a besoin d’être retravaillée pour un public moderne. Ainsi, entrelacées avec les histoires de base, se trouvent deux versions parallèles qui relocalisent l'action dans un milieu ouvrier moderne. Dans la première histoire, Hécube, rebaptisée Willow, se bat contre les réductions budgétaires et la bureaucratie pour obtenir des soins médicaux et une opération pour sa fille autrement mortellement malade ; et dans l'autre, elle découvre que son fils, qu’elle pensait en sûreté, a été pris dans une manifestation et mortellement électrocuté. Elle est alors confrontée au dilemme de savoir comment réagir lorsqu'elle se trouve face à face avec le policier qui porte la responsabilité de sa mort. La troupe de quatre acteurs, jouant tous plusieurs rôles, entrelace les histoires en utilisant un minimum d'accessoires, et lorsqu'ils ne jouent pas, restent sur scène en pliant tranquillement des bandes de journaux en bateaux en papier.

Maintenant, il n'y a rien de mal avec cette nouvelle version mise à jour, mais en performance, les frontières entre les deux représentations étaient brouillées de manière confuse, au détriment de chacune, et en conséquence, on ne pouvait s’empêcher de penser que chacune ferait mieux toute seule – soit une version fidèle de l'Euripide, qui en fait nécessiterait peu d'adaptations ; ou la version mise à jour, qui à elle seule aurait plus de place pour respirer et développer ses caractères dans toutes leurs dimensions. De plus, il existe des asymétries entre les deux textes, qui nuisent aux parallèles voulus plutôt que de resserrer les liens. Dans la version grecque, par exemple, nous sommes toujours conscients de la dignité royale d'Hécube même lorsque la démence approche ; en effet, cela informe et façonne encore crucialement son comportement. En revanche, le contexte populaire de la nouvelle version perd une dimension et les actions de Willow sont de ce fait plus difficiles à expliquer et à créditer. De plus, il y a inévitablement une sorte de choc entre les styles rhétoriques, entre le ton grandiose et hiératique de la première incarnation et le défi plus grossier et direct de la seconde. Le sommet de la pièce reste l'exquis récit rapporté de la défiance digne de Polyxène envers ses captateurs au moment du sacrifice, qui a retenu le souffle collectif du public plus visiblement qu'aucune des violences directes se déroulant sur scène.

Bien que j'aie des réserves sur la manière dont la pièce a été agencée, beaucoup de crédit revient aux acteurs pour l'imagination et l'intensité avec lesquelles ils l'ont portée. Lucinda Lloyd en Hécube/Willow offre une performance bouleversante et implacable avec des portraits contrastés à propos des deux femmes. Ben Scheck en tant que fils et en tant que Polymestor/policier produit des rôles de caractère distinctifs avec une large gamme émotionnelle et un dynamisme physique impressionnant. Roisin Keogh joue les filles avec une sobriété touchante qui sert de contrepoint efficace à la colère et à la confrontation incessantes de Lloyd – en effet, certains des meilleurs écrits de la nouvelle version se situent dans les scènes mère-fille. Isobel Wolff offre une variété de rôles plus petits avec une très bonne manipulation du texte et des variations de rôle soigneusement calibrées. Catharsis Theatre est connu pour sa priorité donnée au mouvement physique dramatique et c'est certainement un atout majeur de cette production. Le White Bear est un espace minuscule, mais il ne l'a pas semblé dans cette production, qui dispose d'un excellent flux d'action tout au long, malgré les contraintes. En conséquence, une pièce qui pourrait autrement être assez statique et déclaratoire, s'est déplacée dans son temps imparti sans aucune longueurs. Bon nombre des moments clés avaient été capturés physiquement aussi bien, voire mieux, qu'ils n'avaient été rendus en texte. Bien que le résultat final ait certainement eu ses problèmes, le public a été tenu en haleine tout au long de la pièce, et c'est un hommage au flair des joueurs.