CRITIQUE : Harvey, Théâtre Royal Haymarket ✭

Maureen Lipman, Desmond Barrit et Ingrid Oliver. Photo : Manuel Harlan Harvey

Théâtre Royal, Haymarket

23 mars 2015

1 Étoile

On ne fait pas assez de bruit autour des personnes talentueuses qui fournissent les décors et les costumes pour les spectacles qui jouent dans le West End. Les récompenses ont tendance à se concentrer sur le jeu d'acteur et la mise en scène, et bien qu'il y ait souvent des prix décernés pour les décors, les costumes, l'éclairage et le design sonore, ils ne sont jamais considérés comme les prix importants. Et pourtant, le design est tout aussi essentiel pour le plaisir global d'une production théâtrale que n'importe quel autre aspect. En effet, lors des pires productions, un bon décor vous donnera matière à réflexion, à vous perdre en le regardant ; de même, un mauvais décor peut distraire des performances, ce qui peut être bon ou mauvais (selon les performances).

Peter McIntosh a fourni un décor tout simplement magnifique et incroyablement détaillé pour la reprise par Lindsay Posner de Harvey, la pièce lauréate du prix Pulitzer 1945 de Mary Coyle Chase, qui vient juste d'ouvrir au Théâtre Haymarket après une saison au Birmingham Repertory Theatre et une tournée au Royaume-Uni. Le décor mérite des applaudissements à lui seul.

Lorsque la pièce s'ouvre, nous sommes dans la bibliothèque/salon de la maison Dowd/Simmons. De riches panneaux de bois magnifiques sont partout. Des meubles au goût raffiné, un superbe canapé rose, une cheminée surmontée d'une photo dominante d'une femme impressionnante, des livres à l'infini, une petite table téléphonique et une ou deux chaises magnifiquement rembourrées, dont une pour prendre des appels. Tout sent l'argent, mais avec une touche d'excentricité qui est difficile à définir. Il y a un couloir à travers lequel on peut voir une porte menant à une autre pièce, où une sorte de soirée se déroule. Gilbert et Sullivan est interprété par une femme qu'on imagine être une sorte d'attraction mondaine. L'atmosphère est délicieuse, alléchante.

Lorsque l'action se déplace vers le sanatorium local, le décor du salon tourne simplement sur lui-même. De grands camions mobiles entrent silencieusement en action. Un nouveau décor arrive, celui-ci clinique et vert hôpital, avec une véritable impression de gaieté officielle et de supériorité tourbillonnant tout autour. Mais le plus impressionnant est que tandis que le salon était un rectangle, celui-ci est une sorte de triangle : l'espace de jeu est complètement différent, frais et intéressant. Il y a plusieurs portes promettant des claquements et un escalier menant quelque part. De nouveau, l'atmosphère est attendue, captivante, mais d'une manière entièrement différente du premier décor.

L'action revient au salon et puis, après l'entracte, il y a un nouvel espace : un bar douillet. Cela pourrait être un bar clandestin n'importe où, beaucoup de bois sur les murs, un bar bien achalandé, avec des surfaces miroitées et un barman morose, beaucoup de tables et de chaises. L'effet est réchauffant et intrigant : non pas le moindre parce qu'il y a eu beaucoup de discussions sur ce bar dans les scènes précédentes. Lorsque le moment dans le bar se termine, la rotation silencieuse se produit à nouveau, et de manière quelque peu miraculeuse, le décor du sanatorium glisse en place pour la scène finale.

Je mentionne le décor en détail pour deux raisons. Premièrement, parce que l'accomplissement de McIntosh avec le décor est de classe mondiale, et que le sens magique de la façon dont le décor change fonctionne magnifiquement pour refléter la magie d'un monde où l'avenir peut être prédit par un lapin blanc géant appel Harvey. C'est un cas clair où le décorateur trouve un moyen astucieux et discret de faire refléter le décor des thèmes centraux de la pièce. Deuxièmement, parce que le décor est de loin la meilleure chose de cette production.

Tel que mis en scène par Lindsay Posner, c'est l'évocation la plus terne de la charmante histoire d'Elwood Dowd et de son ami lapin blanc, Harvey, que l'on puisse imaginer. La pièce de Chase est légère, spirituelle et pleine de charme ; elle a des éléments de farce mais ils n'en dominent pas. Pour avoir du succès, le réalisateur doit simplement s'assurer que le charme est au premier plan, que le rythme est vif et léger et que les performances sont vraies et honnêtes. Il n'y a pas de significations secrètes, pas de sous-textes complexes, pas de traitements approfondis de sujets sensibles.

Non. Il n'y a que de la douceur amusante, innocente et enivrante, et la notion que le bonheur est juste devant nous tous, si nous voulons bien le saisir. Un homme, merveilleusement heureux en compagnie de son ami "imaginaire" grand lapin blanc, l'éponyme Harvey, nous montre comment le saisir.

Mais Posner semble incapable, ou réticent, de laisser le texte tisser son sort ensorcelant. Plutôt que des performances honnêtes et charmantes, il opte pour des caractérisations et des performances ensorcelantes, du boucan plutôt que des bavardages, de la criardise plutôt que de la douceur, du camp plutôt que du cosy, le cynisme d'aujourd'hui plutôt que la teinte rosée d'alors, la forme plutôt que le fond. Le cœur battant de la pièce de Chase n'est jamais entendu ; Posner substitue la modernité mordante là où la nostalgie floue est essentielle.

Cela est rendu clair comme de l'eau de roche lorsque Lionel Haft fait son entrée tardive Acte Deux en jouant un chauffeur de taxi déterminé mais respectueux qui doit être payé. Haft est lumineux dans sa courte scène, un éclat de joie dans son regard, une verve décontractée et séduisante en lui. C'est un homme qui profite de sa vie et qui s'en sort. Il n'y a pas de fausse apparence ici, juste une performance véridique. Le personnage de Haft se dresse en contraste frappant avec les autres qui partagent la scène avec lui.

Chase utilise le personnage de Haft pour faire comprendre à la sœur d'Elwood, Veta, qu'elle ne peut pas vraiment se passer d'Elwood dans sa vie. Vu sous un autre angle, le personnage de Haft entraîne le moment où Veta accepte Harvey. Voir ne signifie pas croire ; Veta a vu Harvey mais n'a jamais cru. L'affaire avec le porte-monnaie manquant, nécessaire pour payer Haft, pousse Veta à accepter et croire. Elwood, bien sûr, fait cela depuis le début mais maintenant Veta comprend.

C'est le principe central de la pièce : le contentement vient par l'acceptation et la croyance. Les deux paires d'amoureux en attente (Nurse Kelly et Dr Sanderson ; Myrtle Mae et Duane) doivent apprendre cette leçon pour que leurs futurs s'enchevêtrent ; Dr Chumley et Dr Sanderson doivent tous deux accepter qu'ils peuvent avoir tort ; le juge doit accepter qu'il ne sait pas toujours mieux ; Myrtle Mae doit accepter que ses besoins ne sont pas les plus importants ; Veta doit accepter qu'Harvey n'est pas l'ennemi - une nature impitoyable et intransigeante est l'ennemi.

Elwood accepte tout le monde et croit en tout le monde : c'est la leçon qu'il a à enseigner aux autres. Le personnage de Haft de même. Il accepte n'importe qui comme passager et croit qu'il sera traité équitablement. Il incarne la philosophie de Harvey ; il n'a tout simplement pas besoin d'un lapin géant invisible ou de Pooka pour s'en sortir.

La fantaisie de la pièce ne vient pas seulement de l'environnement, du dialogue et de l'histoire, mais aussi du jeu d'acteur. Mis à part Haft, le jeu ici est étonnamment incompétent.

Aucun de Jack Hawkins (Dr Sanderson), Ingrid Oliver (Myrtle Mae), Youseff Kerkour (Duane), Sally Scott (Nurse Kelly) ou David Bamber (Dr Chumley) n'apporte de chaleur ou de charme à leurs moments sur scène. Il n'y a pas de sentiment d'amour épanoui, de bonheur que le changement de perspectives peut apporter, ni même de simple sensation de joie. Tous sont rudes, grincheux et froids alors qu'ils devraient tous être charmants. La criardise moderne ne remplace pas le bonheur à l'ancienne.

Amanda Boxer et Desmond Barrit s'en sortent un peu mieux, mais malgré toutes les excentricités de leurs personnages stéréotypés (mondaine et juge respectivement) eux aussi ont besoin de plus de charme - et beaucoup en plus.

James Dreyfus, un acteur de talent, semble ici perdu dans une mer de faussetés prétentieuses, alors que tout ce qu'il lui faut, c'est laisser son charme intrinsèque éclater partout. Son Elwood est trop maniéré, trop tape-à-l'œil, trop faux joie de vivre - il semble qu'il pourrait être Madame Lucy d'Irene plutôt que l'homme à l'âme belle et au grand lapin blanc. Il est étrangement mondain et intrigué alors qu'il devrait être innocent et sincère. C'est une performance très curieuse.

Maureen Lipman est merveilleusement nerveuse en tant que Veta, la sœur d'Elwood et elle apporte une détresse glorieuse à la scène où elle rentre chez elle après avoir été manipulée par l'infirmière au sanatorium, un bas de travers et ses cheveux souffrant comme si chaque boucle avait été renversée par une tornade. Ses doubles prises sur Harvey, la peinture de Harvey et son effondrement lent et délicieux sur le canapé sont tous minutieusement, magnifiquement chronométrés. Elle sait comment livrer une réplique pour un effet maximal.

En effet, s'il y avait eu plus de charme sur la scène autour d'elle, il est probable que sa performance aurait été bien plus délicieuse ; mais l'absence d'un soutien excellent la laisse isolée, presque dans sa propre sphère de performance. Même Lipman ne peut porter le fardeau de la pièce seule. Même dans le superbe décor de McIntosh et portant les fabuleuses robes qu'il a conçues pour elle.

Sans le charme central et la chaleur que Chase a imaginés et clairement écrits, la pièce ne peut réussir. Posner a complètement échoué à éclairer le sens de réconfort et de réconfort que Chase avait l'intention - elle a écrit la pièce pour remonter et apaiser les esprits de ceux qui ont souffert à cause de la Seconde Guerre mondiale. Cette production prend plus qu'elle ne donne et laisse Dreyfus et Lipman échoués dans une dinde.

Une dinde sans humour ni charme.

Harvey est à l'affiche au Théâtre Royal, Haymarket jusqu'au 2 mai 2015