CRITIQUE : Hamlet, English Repertory Theatre ✭✭✭

Rachel Waring dans le rôle de Hamlet. Photo : Guy Dovell Hamlet

English Repertory Theatre, Cockpit Theatre, Marylebone

18 février

3 Étoiles

À quel point connaissons-nous vraiment Hamlet ? C'est la question fondamentale posée par la version épurée et constamment stimulante de la pièce actuellement à l'affiche du Cockpit Theatre. Nous pensons peut-être connaître la pièce, au moins comme une inépuisable corne d'abondance de citations, mais l'acte passif et réfléchi de lire la pièce est très différent de l'expérience dramatique. De plus, étant donné la longueur de la pièce lorsqu'elle est jouée dans sa totalité (comparable à un opéra de Wagner avec 4 à 5 heures), il n'existe en fait aucune tradition d'interprétation canonique ou prévisible à suivre.

Chaque metteur en scène fait, et doit faire, une variété de coupures et de choix interprétatifs simplement en raison de la richesse fascinante mais aussi imparfaite de la pièce. Chaque interprétation doit être partielle et sélective pour donner un sens aux nombreuses lectures concurrentes de l'action et des motivations du personnage principal présentes dans le texte original. C'est bien plus une « pièce problème » que celles des œuvres plus tardives dans la trajectoire créative de Shakespeare qui portent conventionnellement ce nom.

English Repertory Theatre et le metteur en scène Gavin Davis ont conçu une version d'une durée uniquement de 100 minutes (avec entracte) qui déclare au départ « il n'y a pas de fantôme, pas d'équivoque, seulement la vengeance ». Un ensemble de tables et de chaises blanches, reconfiguré à chaque scène, rappelant les décors de Peter Brook, instaure un ton abstrait. La scène est complétée par un cadre de salle de classe où Hamlet, Ophélie, Rosencrantz (ici fusionné avec Guildenstern) et Laërte sont instruits par Horatio et Polonius avec Gertrude et Claudius comme Hadmaster et épouse (apparemment).

Il n'y a pas de fantôme, effectivement pas de scène du fossoyeur et les deux premiers actes de la pièce ont été condensés de manière à éliminer une grande partie des délais et équivoques de Hamlet. Hamlet apprend le meurtre de son père par lettre plutôt que par une promenade sur le côté sauvage des remparts. Ce qui reste est une pièce d'action plutôt que de réflexion, en effet une « Tragédie de Vengeance », mais conduite par l'angoisse adolescente et le ressentiment de toutes formes d'autorité plutôt que par des calculs politiques ou stratégiques.

Il y a de véritables gains à cette approche. Il y a un flux et une liberté d'action qui sont très bienvenus, surtout lorsque les ressources du Cockpit (en rond avec multiples entrées et sorties) sont utilisées aussi bien qu'elles le sont ici pour susciter une interaction continue et un mouvement exécutif.

En particulier, les scènes finales de la pièce se focalisent sur le tableau final de la mort avec un focus ininterrompu et implacable qui est des plus captivants et rafraîchissants. De même, les scènes dans lesquelles l'autorité est confrontée et spirituellement moquée brillent magnifiquement et divertissent véritablement dans ce contexte de salle de classe.

Les jeux de mots compétitifs de Polonius et Hamlet sont ici véritablement drôles plutôt que fatigants, tout en étant présentés de manière convaincante comme la rivalité du professeur pompeux et de l'élève étoile qui bascule en une lutte mortelle pour le contrôle. Le contraste entre l'opérateur suave de 'House of Cards' qu'est Claudius et le dégoût brut de Hamlet pour la corruption sous toutes ses formes ressort également avec un pouvoir authentique et tremblant, notamment lors des moments tendus de la confession tentée par le roi.

Cependant, sous d'autres aspects, les chemins explorés ici sont moins fructueux et même déroutants. L'absence du fantôme affaiblit la force de la motivation de Hamlet et la présence d'Ophélie dans la salle de classe tout au long des stratagèmes de Hamlet modifie radicalement l'engagement émotionnel entre eux en la rendant complice et au courant de bien plus d'éléments que Shakespeare ne le permet.

La restructuration drastique du texte et de l'action est sûrement toujours permise tant qu'elle préserve un récit lucide des matrices émotionnelles et psychologiques qui connectent les personnages principaux. En accentuant certaines caractéristiques de l'intrigue et en élidant d'autres, cette adaptation malheureusement ne préserve pas toujours cette structuration authentique, et quiconque découvrant la pièce pour la première fois dans cette version manquerait beaucoup de choses.

Les très grandes productions de cette pièce ne tentent pas de capturer et développer tous les angles psychologiques des commentaires présents dans l'esprit protéiforme et débordant de Hamlet ; mais elles s'efforcent de les suggérer tous généreusement pour que l'imagination collective du public et le savoir hérité de cette pièce puissent faire le reste du travail et combler les lacunes.

Les très atouts de cette production sont donc aussi ses faiblesses, comme illustré dans la version en salle de classe du massacre de Priam par le 'farouche Pyrrhus', en quelque sorte le point culminant de la première moitié de la soirée. C'est une fine, élégante et dramatiquement drôle idée de représenter cette satire du mélodrame de vengeance comme une leçon scolaire sur l'Iliade qui devient glorieusement incontrôlable aux dépens de Polonius, le professeur de classiques.

Mais transformer cela en un récit fragmenté et franchement embrouillé de 'O, quel coquin et esclave paysan je suis !' fait vraiment violence aux intentions de Shakespeare, et manque l'un des grands moments de la pièce où la précision verbale, l'introspection et la délicatesse sont essentielles, quelle que soit la lecture des dilemmes du personnage central. Ce n'était pas le seul moment de la production où il y avait de l'incertitude sur le quand, comment et pourquoi gérer la transition de la satire cassante, l'humour sec et la mise entre parenthèses de l'émotion à la sincérité véritable et à la conviction ouverte.

Ces problématiques pourraient (ironiquement) être résolues de manière plus satisfaisante avec une plus grande attention au son et à la texture du langage de la pièce qui, encore et encore, suggère intérieurement les points où des changements subtils de rythme, de couleur et de cadence sont nécessaires.

Les acteurs les plus réussis étaient ceux qui utilisaient le vers à leur avantage plutôt que de le forcer à se conformer à un corset émotionnel généralisé et unique. Polonius (Oliver Hume), Claudius (Jon House), et Gertrude (Helen Bang), tout au long, et Hamlet (Rachel Waring), dans les étapes ultérieures de la pièce ont fait un excellent travail à cet égard ; et on sentait que tout le casting accroîtrait leur confiance en travaillant avec le grain du texte à mesure que la représentation avance une fois qu'ils se seront détendus suffisamment pour voir toute l'aide que Shakespeare leur offre.

Ces réserves sur l'interprétation ne devraient pas détourner de l'intensité soutenue et de la grande qualité générale du casting où il n'y a pas de liens faibles distrayants, et beaucoup de travail habile, énergique et original, notamment dans le mouvement sur scène. En tant que Hamlet, Rachel Waring était particulièrement efficace dans la seconde moitié, où l'énergie physique, l'esprit en colère et le mépris bouillonnant qu'elle montrait dans les scènes antérieures étaient transmutés en une incarnation implacable de 'mes pensées soient sanglantes, ou ne valent rien.'

C'était une erreur d'ajouter un entracte à cette production et une étoile est tombée du drapeau de cette critique en conséquence : si vous allez jouer Hamlet comme une Tragédie de Vengeance alors le thriller doit suivre son court et accélérer sans interruption.

Cela dit, pour quiconque a une passion pour les nouvelles approches de Shakespeare, c'est une nuit captivante au théâtre, qui est controversée dans le meilleur sens. Comme toujours, l'animation des conversations au bar pendant l'entracte et après a prouvé la meilleure recommandation.