CRITIQUE : Grand Hotel, Southwark Playhouse ✭✭✭

Hôtel Grand

Southwark Playhouse

6 août 2015

3 étoiles

D'abord, c'était un roman de Vicki Baum. Puis une pièce, adaptée d'abord par Baum, puis par William A. Drake. Ensuite, un célèbre film MGM de 1932, avec Greta "Je veux être seule" Garbo, qui a remporté l'Oscar du meilleur film. Puis, en 1958, l'équipe derrière Kismet, Luther Davis (livret), Robert Wright et George Forrest (musique et paroles) a collaboré sur At The Grand, une adaptation musicale pour Broadway. Cela n'a mené nulle part, mais trente ans plus tard, cette équipe créative s'est regroupée et, avec l'aide de Maury Yeston (qui a composé six nouvelles chansons et révisé substantiellement les paroles) et le réalisateur/choreographer Tommy Tune, a transformé At The Grand en Grand Hotel qui a ouvert triomphalement au Martin Beck Theatre (maintenant le Al Hirschfeld Theatre) à Broadway le 12 novembre 1989.

Grand Hotel a remporté les Tony et Drama Desk Awards pour la meilleure mise en scène et la meilleure chorégraphie mais pas pour la meilleure comédie musicale. Lorsque le Donmar a relancé la comédie musicale à Londres en 2005, la production a remporté le prix Olivier pour la meilleure relance. Les prix pour la meilleure relance, bien sûr, ne dépendent pas de la qualité de la matière première.

Une décennie plus tard, une nouvelle production de Grand Hotel est maintenant jouée au Southwark Playhouse, celle-ci dirigée par Thom Sutherland avec la chorégraphie de Lee Proud et la direction musicale de Michael Bradley. Ce sont 105 minutes de routines de danse éblouissantes, de musique riche et attrayante, et de quelques performances superbement jugées. C'est une production d'une comédie musicale qui embrasse la notion selon laquelle la musique et le mouvement peuvent être façonnés en un langage narratif spécifique pour améliorer et illuminer le récit d'un récit compliqué. Pour la plupart, c'est très réussi.

La chorégraphie de Lee Proud est la clé de l'exubérance et de la perspicacité ici. Malgré le fait qu'une décision étrange a conduit à ce que la production soit présentée en travers, avec une bande centrale relativement étroite sur laquelle toute l'action se déroule, de sorte que tout est curieusement à l'étroit, Proud s'assure que les grandes routines d'ensemble sont fluides, nettes, et parsemées d'incidents et d'excentricité. Qu'il s'agisse de foxtrot, de valse, de charleston ou autre, à petite ou grande échelle, il y a un but et un plaisir dans chaque pas, et l'ensemble des acteurs est bien rodé, et exécute les différentes routines avec énergie et enthousiasme. Ce maelström de mouvements est vital pour libérer le potentiel de Grand Hotel.

Situé en 1928 à Berlin, dans le grand foyer, les couloirs et les chambres de l'Hôtel Grand en titre, le travail est éloquent sur un certain nombre de thèmes différents : vivre un mensonge; profiter de la vie à fond; les pièges de la richesse; la séduction et la persuasion; la fantaisie et la réalité; la vie et la mort. Ce qui le rend engageant, et parfois captivant, c'est la forme utilisée pour présenter ces thèmes : un flux continu de mélodie et de mouvement, parfois pour établir un point, parfois pour l'explorer, parfois pour passer à autre chose – toujours, cependant, travaillant avec d'autres thèmes, de manière similaire, pour créer une tapisserie globale.

Il peut y avoir un grand nombre de personnes à l'hôtel, mais elles ne se connaissent pas toutes, même si elles se parlent ou interagissent entre elles. Certaines personnes qui sont à l'hôtel tous les jours ne connaissent pas l'existence des autres qui s'y trouvent, tandis que d'autres voient leur vie changée à jamais par leurs rencontres. Le hasard et l'opportunité se révèlent aussi importants que la planification et la persévérance. À travers une série de courtes histoires impliquant une gamme de personnages, dont certains ont des récits qui prennent des tournures surprenantes, certains qui s'entrecroisent ou se heurtent, Grand Hotel divertit et fournit des commentaires sociaux à parts égales.

Dans une perspective d'ensemble, la pièce examine la futilité des obsessions humaines, la manière dont l'histoire se répète, et la manière dont le pouvoir et l'argent peuvent transformer et changer des vies. Elle doit beaucoup aux innovations apportées par Cabaret et Chicago, notamment dans la façon dont les numéros lumineux et exuberants se juxtaposent aux moments sombres pour certains personnages. L'utilisation d'une figure de narrateur caustique et bourru, le Colonel-Docteur Otternschlag, permet au public de se sentir comme un initié ainsi qu'un voyeur, et augmente sensiblement les enjeux en termes d'empathie.

La chorégraphie de Proud est empreinte d'une compréhension aiguë de tout cela et tout ce qu'il fait vise à aider l'implication et la compréhension de l'intention de l'œuvre. Le l'hôtel est vu comme un reflet de l'expérience berlinoise et cela reflète l'expérience mondiale : le microcosme de l'hôtel fournit des vérités et des observations universelles. Depuis la routine d'ouverture presque militaire, à travers les morceaux complets et les incidents plus petits, les grands numéros joyeux à l'intérieur de la pièce, et les moments plus intimes de douleur ou de joie, Proud veille à ce que la danse propulse l'action, accentue le plaisir et souligne l'obscurité.

Le réalisateur Sutherland ne s'en sort pas aussi bien. Il y a quelques choix de casting étranges qui diminuent plutôt qu'améliorent les possibilités pour la pièce, les limitations imposées par la mise en scène en travers, et le jet frappant en avant vers l'Allemagne nazie qui suffoque presque les scènes finales. Tout cela, ainsi que la présence constante du grand lustre (une fin surprise boiteuse impliquant sa descente en saccades étouffe l'action de la soirée), nuit aux réussites de Proud et empêche la production d'atteindre la grandeur.

Mais, néanmoins, étant donné la force des compétences musicales affichées par l'ensemble, l'orchestre et Bradley, et les compétences individuelles de certains des principaux interprètes, et un rythme qui, bien que parfois en baisse, ne perd jamais de son élan, Southerland a présidé à un excellent divertissement.

Curieusement, certains des plus petits rôles sont joués avec un panache et un flair refusés à certains des rôles principaux. James Gant est excellent en tant que petit tyran Rohna, le directeur de l'hôtel avec un œil pour le statut social, la précision et l'ordre dans toutes les choses liées à l'Hôtel, et une convoitise pour les jeunes hommes sur lesquels il a du pouvoir. Sa présence est menaçante et insidieuse, sa voix ferme et claire. Jonathan Stewart est exceptionnel en tant qu'Erik, le réceptionniste, dont la femme est en train d'accoucher de leur premier fils mais qui doit rester à son poste de peur de perdre leur revenu. Il est électrisant dans trois scènes clés et fournit le meilleur jeu d'acteur de la soirée dans ces scènes : le moment où il reçoit la nouvelle de la naissance de son fils; le moment où il se rend compte que Rohna essaie de le persuader de coucher avec lui; et le moment où il reçoit en cadeau l'étui à cigarettes du Baron. Exceptionnel.

Charles Hagerty est excellent (mais scandaleusement sous-utilisé) en tant que gangster impitoyable représentant des intérêts auxquels le Baron est endetté et forçant la main du Baron d'une manière qui modifiera son avenir; Samuel J Weir, Leah West, Durone Stokes, Jammy Kasongo et Rhiannon Howys font tous un excellent travail dans des rôles mineurs et tous, ainsi que Hagerty, Gant et Stewart, dansent avec enthousiasme et style. Le sol en faux marbre rayonne positivement de leur énergie combinée et de leur engagement.

Victoria Serra joue Flaemmchen, la dactylographe enceinte cherchant un moyen de survivre et de s'élever. Elle insuffle vigueur et conviction dans chaque phrase de " Girl in the Mirror " et trace bien le parcours de la vie de ce personnage malchanceux. Elle semble parfois un peu trop sérieuse, alors que l'éclat et le charme sans retenue pourraient être de meilleures options, mais dans l'ensemble elle est très réussie. Son personnage a des scènes difficiles avec Jacob Chapman's Preysing terne et rigide - un homme d'affaires qui a complètement perdu son chemin. Chapman pourrait avoir la bonne couleur de cheveux (grise) mais pas la capacité d'animer et de rendre crédible son personnage complexe. Par conséquent, tous ceux dont les arcs narratifs ont été touchés par le personnage de Preysing ont souffert. C'était inexplicable : les cheveux gris ne devraient pas se substituer à la capacité, et il y avait plusieurs dans ce casting qui pouvaient évidemment rendre le rôle suprêmement bien.

En tant que comptable gravement malade, Krigelein, George Rae semblait trop jeune pour être idéalement choisi, mais ses compétences en tant qu'interprète et chanteur ont clairement montré pourquoi il a été choisi. Il n'a peut-être pas l'air d'avoir le bon rôle, mais il a joué le rôle en étant complètement engagé avec chaque tournure; fragile et optimiste et pardonnant. C'est une joyeuse célébration de la vie dans tous ses aspects : Rae rend l'impossible possible. Sa performance contrastait nettement avec celles de Valerie Cutko et David Delve, qui ont tous deux laissé passer le potentiel de leurs personnages. Delve, comme le Colonel-Docteur était trop de fiel et de salive, ignorant les aspects mercuriels et émouvants de son rôle. Cutko était beaucoup trop évidente en tant qu'admiratrice lesbienne secrète de la diva du ballet déchu; la subtilité rendrait sa livraison de "How Can I Tell Her" beaucoup plus impactante.

En tant que duo central inhabituel et inattendu, Scott Garnham et Christine Grimaldi ont surmonté un écart générationnel et un manque singulier de chimie féroce et de charme glorieux pour produire une histoire d'amour inattendue mais étonnamment efficace. Le Baron de Garnham n'était pas assez flamboyant, pas assez engageant et, bien qu'il ait un excellent son ténor clair, il a forcé son ton trop souvent pour être vraiment captivant. Le public est chanté, plutôt que perdu dans la beauté du son. Grimaldi n'a pas convaincu en tant que magnifique danseuse étoile; elle semblait plus être une diva théâtrale en déclin. Son mouvement n'était pas assez léger, pas assez scintillant pour suggérer un passé de Swan Lakes triomphants.

Et pourtant, ensemble, dans le flot du splendide "Love Can't Happen", tous deux se sont levés à l'occasion, présentant un couplement véritablement poignant et délicieusement chaleureux, un moment d'honnêteté dans une mer de bluff et de fanfaronnade. Et l'utilisation par Sutherland des pétales de rose comme motif, un symbole emblématique de passion et de promesse non tenue fonctionne bien - l'idéal sucré des pétales contraste excellemment avec l'Union amère et ses conséquences.

En fin de compte, cette production montre les défauts du livret assez vivement, et bien que la chorégraphie de Proud fonctionne merveilleusement pour distraire et oblitérer ces défauts, le casting et la mise en scène assurent qu'ils sont vivement mis en avant. Même la musique, qui, à son meilleur, est aussi bonne que n'importe quelle autre comédie musicale de Broadway, et à son moins efficace est engageante et vive, ne peut pas surmonter les obstacles présents.

Plus d'espace, un meilleur casting de certains rôles, et moins de dépendance à l'innovation directionnelle (l'Holocauste pourrait bien convenir comme une fin pour Cabaret mais il s'adapte moins ici où les événements se déroulent cinq ans avant la prise de pouvoir d'Hitler) auraient peut-être permis à cette production de vraiment prendre son envol. Tel qu'il est cependant, c'est un rappel rapide de la joie de Grand Hotel et des possibilités qu'il offre.

La voir pousse à ne pas vouloir être seul, peut-être au grand dam de l'esprit éternel de Garbo.