CRITIQUE : Good People, Hampstead Theatre ✭✭✭✭✭

Bonnes Gens

Hampstead Theatre, maintenant transféré dans le West End

20 mars 2014

5 Étoiles

Qu'est-ce qu'il faut pour être une bonne personne? Est-il suffisant de vivre la meilleure vie possible et de garder les secrets qui doivent être cachés pour protéger les autres? Est-il nécessaire de mettre les autres en premier? La bonté est-elle une question de famille, de milieu, de classe ou de choix?

Ce sont les questions au cœur de la production intelligente, vive et franchement hilarante de Jonathan Kent de Bonnes Gens, une nouvelle pièce du lauréat du prix Pulitzer David Lindsay-Abaire.

De plus, la pièce est l'une des créatures théâtrales les plus rares – une pièce qui examine spécifiquement la notion de classe dans le contexte américain, en l'occurrence Boston, et en particulier South Boston ou Southie. Non pas que vous sachiez que vous êtes à Boston avec les accents utilisés par les acteurs ici, mais c'est vraiment un détail mineur.

C'est une tranche de réalisme viscéral et drôle excellemment écrite. Et dans la production de Kent, elle est aussi serrée, tendue et terriblement drôle qu'on pourrait l'espérer.

Le décor de Hildegard Bechtler est fabuleux et offre une sensation granuleuse de petite ville pour toutes les scènes de Southie, puis se transforme en un glamour terne et insipide pour la scène clé de l'Acte Deux dans la maison « Chestnut Hill » de l'enfant de Southie devenu riche et aspirant à faire partie de l'élite, le spécialiste (docteur). Il utilise une tournette avec un effet excellent, symbolisant le cercle de la fortune qui imprègne la pièce et évoquant en même temps l'effet d'une roue de roulette. Le décor définit absolument les différentes scènes, mais fonctionne aussi avec le texte pour éclairer les concepts et idées qui sous-tendent le dialogue et les situations.

Car il s'agit d'une pièce sur les paris qui réussissent et ceux qui échouent, sur les chances saisies ou non, sur la chance attrapée ou négligée, sur le remboursement ou l'ignorance des dettes – mais, surtout, elle parle d'intégrité et de l'endroit où se situe la limite entre être une bonne personne et être une mauvaise personne.

L'ensemble de la représentation est aidé de manière inestimable par un casting irréprochable et une gemme particulière, scintillante, précieuse et aussi dure qu'un diamant au centre : Imelda Staunton.

Staunton est une actrice d'une extraordinaire diversité et puissance. Elle possède complètement chaque aspect de Margaret ici et sa performance est fascinante et spectaculaire du début à la fin. Elle ne manque aucun tour, trouve des moyens frais et intrigants de gérer le chemin traître que prend son personnage et elle fait tout cela sans jamais jouer pour la sympathie ou chercher l'approbation. Et elle est merveilleusement drôle. Sa coiffure et son maquillage atroces dans la première scène de l'Acte Deux, lorsqu'elle se présente à une fête « dentelle de rideau », sont spectaculairement drôles, tout comme sa réponse « Comment pourrais-je le savoir, putain ? » à la question de l'hôtesse sur son appréciation du vin rouge. Sa demande pour un tour du plateau de fromages fourni par le traiteur est aussi un moment comiquement heureux, mais aussi une déclaration cinglante sur la disparité de classe.

Car Margaret est une femme simple, issue d'un milieu simple ; une femme de Southie pure et dure. Une battante, une combattante, quel que soit le terme que vous utilisez pour décrire une personne qui n'a jamais eu de chance dans sa vie mais qui a travaillé dur et bataillé pour se faire une aussi bonne vie que possible pour elle-même et sa fille adulte handicapée sans se tourner vers aucune dépendance ou comportement antisocial pour s'en sortir. Et Margaret essaie toujours de voir le meilleur chez les autres et de traiter les gens équitablement, bien qu'elle se batte comme un animal en cage, affamé et désespéré de protéger sa progéniture lorsque piégée, elle fera et dira n'importe quoi pour obtenir ce qu'elle veut (et n'y réussissant pas toujours).

Staunton montre tout cela clairement. Son babillage presque incohérent lorsqu'elle se sent mal à l'aise, ses silences, ses lèvres pincées et serrées, sa posture maladroite, ses tentatives de langage corporel « détendu » en bonne compagnie, son basculement vers l'extrême vulgarité (oui, cela vaut le prix d'entrée d'entendre La Staunton prononcer le mot avec un « C »), ses explosions de rage longtemps refoulée face à l'injustice qui la hante depuis toujours – tout cela est brillamment et incisivement fait. Et, mieux encore, ce n'est qu'à la toute fin de la pièce que tous les éléments se rejoignent et, rétrospectivement, vous pouvez voir pourquoi Staunton a mordu sa lèvre là, ou a pleuré là, ou était silencieuse là, ou généreuse là : toutes les pièces s'assemblent et vous êtes laissé à admirer ses grandes compétences en tant qu'actrice.

Il y a un quadruple bluff qui est central à l'intrigue et qui forme l'épine dorsale des rebondissements qui entourent Margaret tout au long de la pièce. Staunton réalise cela magnifiquement, infligeant le coup final doucement et presque en passant, ce qui rend l'effet d'ensemble d'autant plus captivant et excitant. C'est un travail exceptionnel d'une grande actrice.

Mais le reste de la distribution se défend lui-même. Angel Coulby, si mièvre et douce en tant que Guenièvre dans la série Merlin de la BBC, est particulièrement bonne en tant que femme trophée malheureuse du spécialiste. Elle est à la fois venimeuse et soyeuse à parts égales – et sa confrontation avec Margaret de Staunton est le point culminant de la soirée. Elle a également un style subtil pour la comédie.

Lloyd Owen semble un mauvais choix pour le spécialiste au début, mais à mesure que la pièce se déroule et que son passé prend de l'importance, il est plus clair de voir qui et ce qu'il est, il s'avère qu'il a été parfait tout le long. Son personnage joue un rôle, donc la sensation de fausseté rencontrée au début n'est pas un signe de mauvais jeu d'acteur, mais plutôt le signe d'une performance profondément réfléchie et intelligemment exécutée. Le sens frémissant de ressentiment pour Southie, son passé et les mensonges qu'il a racontés pour arriver là où il est, tout cela réside juste sous la façade du professionnel médical bronzé et aisé.

En tant que ses amis de longue date, Dottie et Jean, June Watson et Lorraine Ashbourne sont parfaitement détestables, souvent hilarantes et complètement réelles. Watson, en particulier, présente un personnage ravagé par le temps et désormais peu enclin aux politesses sociales. Ashbourne explore de nouvelles profondeurs pour le « déchet de caravane », mais elle a le moment le plus important de la pièce avec Staunton, et elle joue cela à la perfection, contrastant agréablement avec les aspects plus exubérants et langoureux de son personnage à la langue acérée.

Complétant la distribution, Matthew Barker, qui, en tant que Stevie, le gérant malheureux du magasin à un dollar, doit licencier Margaret de son emploi de vendeuse peu rémunéré sinon il sera lui-même licencié et qui joue ensuite maladroitement au bingo avec elle, Dottie et Jean dans les jours et semaines suivants. Il est exactement à sa place à tous égards. Il est très drôle mais aussi très normal et ses échanges avec Margaret se révèlent finalement être les plus honnêtes qu'elle ait. Stevie fournit le contraste avec Mike, le spécialiste : il reste à Southie, fait son travail, traite bien les gens et fait face à ses responsabilités.

Il est, en fait, une bonne personne, tout comme Margaret l'a toujours dit. Ou plutôt, peut-être parce qu'elle a toujours dit qu'il l'était, il devient une bonne personne.

Une grande pièce, bien dirigée et magnifiquement jouée.

Sans surprise, elle se transfère dans le West End, ayant fait salle comble au Hampstead Theatre.

Immanquable.