CRITIQUE : Garine, Arcola Theatre ✭✭✭✭

Gariné

Arcola Studio 1

14/08/15

4 Étoiles

Le festival annuel d'opéra Grimeborn vise non seulement à offrir une vitrine pour l'opéra contemporain et les nouvelles versions du répertoire établi, mais aussi à mettre en lumière des œuvres autrefois populaires et désormais oubliées. Gariné est une de ces œuvres, et un oiseau rare à plusieurs égards. C'est une longue opérette en cinq actes des années 1870 et donc contemporaine de Carmen (à laquelle une allusion spirituelle est faite à un moment donné de la soirée) ; mais là s'arrêtent les similitudes de surface. Le compositeur était un Arménien, Dikran Tchouhadjian, fils de l'horloger du sultan, et faisait donc partie du monde cosmopolite d'Istanbul au milieu du XIXe siècle, protégé de la persécution croissante de ses compatriotes. Il a reçu une excellente éducation musicale à Milan avant d'écrire une série d'opérettes réussies et des opéras historiques moins réussis qui lui ont valu les surnoms de « l'Offenbach oriental » et de « Verdi arménien ». Son plus grand succès fut avec Gariné sous son titre original mais plus prosaïque de Le Vendeur de Pois Chiches, qui fut beaucoup joué à travers l'Europe pendant plusieurs décennies.

Ce que nous avons entendu à l'Arcola était à bien des égards différent de l'original. C'était une performance semi-mise en scène et donc une grande partie du matériel original a été coupée. Au lieu d'un orchestre, nous avions un piano à queue joué avec une admirable délicatesse et panache par Kelvin Thomson. Il est donc impossible de commenter directement les grandes compétences attribuées du compositeur en tant qu'orchestrateur. Un nouveau livret et une traduction ont été fournis par Gerald Papasian, le metteur en scène et force motrice derrière l'ensemble de l'entreprise. Il a également interpolé des résumés narratifs pour assurer la continuité à travers l'intrigue fortement amendée.

Musicalement, cette œuvre a beaucoup de charme bien que si je l'avais entendue à l'aveugle, j'aurais soupçonné l'influence de Rossini et de Gilbert et Sullivan plutôt que d'Offenbach et Verdi ! De longues séquences de chœurs en tempo de valse ou de quadrille sont entrecoupées d'arias qui mettent en valeur les voix des principaux chanteurs dans une musique exigeante mais pas virtuose pour le plaisir. Les mélodies ont une douceur et une inflexion folklorique qui indiquent une source arménienne, mais les accompagnements génèrent une vigueur arpégée et rebondissante avec des promenades harmoniques occasionnelles sur le côté sauvage suggérant combien un fond orchestral attrayant et sophistiqué à cette musique sonnerait. Sinon, cela ne ressort pas comme une œuvre spécifiquement orientaliste, du moins dans ses propriétés sonores : plutôt une opérette très compétente dans le style européen dominant de l'époque. Peut-être que j'enregistre simplement mon propre conditionnement culturel mais parfois The Pirates of Penzance ne semblait pas très éloigné (et ce n'est certainement pas une mauvaise chose).

Dramatiquement, l'histoire n'est ni meilleure ni pire qu'un ensemble improbable de malentendus romantiques du monde de l'opérette. L'intrigue tourne autour d'une troupe de théâtre dont le directeur, Armen (Edward Saklatvala), vient de perdre sa chanteuse principale au profit d'une compagnie rivale. Gariné (Danae Eleni) est idéalement adaptée pour sauver la situation, mais malheureusement son père Hor Hor, le riche vendeur de pois chiches (Leon Berger), s'oppose à ce qu'elle monte sur scène. De nombreux obstacles doivent être surmontés avant que la pièce et la relation puissent avancer, non sans une vaste série de sous-intrigues compliquées qu'il serait fastidieux de résumer, sauf pour dire qu'elles offrent de nombreuses occasions de mise en scène sensuelle, de changements de costumes rapides, de chutes comiques, de menaces mélodramatiques, et de commentaires par le chœur d'acteurs et de danseurs qui fournissent le cœur de l'œuvre.

À deux aspects cependant, ceci est un scénario distinctif et individuel. La question de savoir si les femmes devaient ou non monter sur scène était une véritable controverse au théâtre de l'époque du compositeur qui avait de réelles conséquences pour celles qui en étaient au centre. Il y a une intensité dans l'écriture musicale et dans le texte ici qui élève à juste titre l'action au-delà de la comédie bouffonne. Et de plus, il y a un débat intéressant qui a lieu sur la hiérarchie du théâtre – la valeur réside-t-elle dans l'art noble ou le théâtre de rue proche du goût populaire, ou dans les deux ? À la fin de l'action, les comédiens de rue et les jongleurs demandent une considération et un classement égaux dans le théâtre d'Istanbul, aux côtés des troupes formelles. Encore une fois, cette question importait aux joueurs et aux spectateurs de l'époque, et elle a d'étranges pré-écho du débat qui se déroule dans le Prologue de Ariadne auf Naxos de Strauss et Hofmannsthal. La musique et le théâtre peuvent être des « arts sacrés », mais n'avons-nous pas tous droit à un peu de répit ?

Avec tant de choses entassées en ce qui était encore une longue soirée, il y a nécessairement eu des compromis et tous ne furent pas à l'avantage de la pièce. Les interventions narratives de Papasian, bien que nécessaires pour la clarté, étaient trop longues et ornées de trop de mises en scène qui ralentissaient l'action. Une grande partie du jeu de base, en dehors des éléments concertistes en trompe-l'œil, était parfois en bois et sous-répétée; et il y avait des longueurs dans la seconde moitié lorsque l'intrigue s'est accélérée vers sa conclusion tandis que la liste des numéros musicaux avait encore beaucoup de temps à courir. Cela dit, il y avait de nombreuses forces irréprochables dans la compagnie et dans la production qui méritent d'être notées. Vocalement, c'était très accompli à travers la gamme des principaux et des chœurs, et tous les numéros de chœur et de ballet, ainsi que les nombreux moments de comédie élaborée, étaient soigneusement chorégraphiés et parfois vraiment drôles. C'était formidable de voir tout le monde afficher une telle joie et confiance dans ce matériel rare.

Quatre performances se sont démarquées pour moi. L'interprétation d'Eleni du rôle-titre était très sympathique et techniquement bien plus assurée que sa performance en tant que Musetta la semaine dernière, avec des passages délicats, un très bon registre aigu sûr et seulement un soupçon de pression sur les notes aiguës soutenues. Elle a également bien joué, passant de manière plausible de la gaucherie à la confiance au fil de la soirée. En tant que son partenaire, Saklatvala a chanté avec une excellente clarté de son et de définition verbale, mais était timide dans son jeu; tandis que Leon Berger s'est beaucoup amusé à jouer le patriarche patronnant et outré, Hor Hor. D'une certaine manière, même dans cette nouvelle version, Hor Hor est le rôle central et le plus intéressant, combinant quelque chose de Rigoletto, Osmin et Falstaff dans son personnage, et Berger a su faire passer tous ces éléments en détail musical et en jeu de personnage. Une mention spéciale serait accordée à Katie Grosset dans le rôle principal de soprano junior de Shoushan : elle a livré son principal air dans la seconde moitié avec un réel panache et a dansé avec une grâce discrète tout au long de la soirée.

La soirée s'est distinguée par la reprise d'une œuvre d'élégance mélodieuse authentique et de potentiel comique. L'engagement et l'habileté de la production dans son ensemble vous donnent envie de voir la même compagnie proposer une série entièrement mise en scène dans un lieu plus grand - et bientôt.

Photos : Robert Workman En savoir plus sur Grimeborn au Arcola Theatre